LAS LINDAS Y FEAS DEL CINE

BETTE MIDLER

2011-12-13T03:49:00.000-08:00

Bethany Ann Midler (nacida en Honolulú, Hawaii; el 1 de diciembre de 1945), más conocida como Bette Midler, es una actriz, cantante y comediante estadounidense. Varias veces ha sido galardonada por su desempeño en su carrera musical y como actriz. Entre sus múltiples premios se encuentran: el Globo de Oro, el Emmy, el Grammy y el Tony.

A mediados de los '60, después de participar como extra en una película llamada Hawai, se trasladó a Nueva York. Allí actuó en obras teatrales independientes, y luego pasó a los escenarios de Broadway. En 1972 lanzó su primer álbum,The Divine Miss M, por el que ganó su primer Premio Grammy.

En 1979 protagonizó la película The Rose dirigida por Mark Midler, en un papel de cantante de rock inspirado en la vida de Janis Joplin. El papel le trajo su primera nominación al Óscar en la categoría de mejor actriz y ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical y la nueva estrella del año. Otras películas destacadas de su filmografía son: Down and Out in Beverly Hills (1986), por la que fue nominada al Globo de Oro, Outrageous Fortune (1987), por la que volvió ser nominada al Globo de Oro, y For the Boys (1991), ganando una nueva nominación al Óscar.

De igual manera, sus apariciones en televisión fueron memorables, como su participación con sus dos amigos Sir Elton John y Cher, en el programa de éxito de esta última, llamado The Cher Show. Actualmente, es con ellos con quienes comparte el Colosseum del Caesar's Palace, en Las Vegas. Allí presenta su espectáculo Bette Midler: The Showgirl Must Go On.

Bette Midler nació en Honolulú, Hawái, donde pasó su niñez. Fue llamada Bette porque su madre era una gran fan del cine, y llamó a sus tres hijas con los nombres de las grandes estrellas de Hollywood del momento. Bette tomó su nombre por la gran Bette Davis. Hasta los 13 años no tenía permiso para ver la televisión, su educación fue muy estricta. Su hermano menor padecía de una discapacidad mental, de forma que sus padres debían prestarle atención continua. Probablemente ello influyó para que Midler comenzase a actuar, cantar y representar situaciones cómicas en casa, a fin de hacerse notar ante sus padres, sentando con ello las bases de su futura carrera.

En el verano de 1965, midler se trasladó a Nueva York, usando el dinero que le pagaron por haber trabajado como extra en una película llamada Hawaii. En ese año trabajó en dos obras de teatro: Miss Nefertiti Regrets y Cinderella Revisited. De 1966 a 1969 interpretó el papel de Tzeitel en la producción teatral El violinista en el tejado, con la que realizó primero una gira nacional y luego se presentó en Broadway.

Midler debutó en el cine como actriz protagonista en 1979, en la película The Rose, con gran éxito de crítica y taquilla. Allí interpretó a una cantante de rock similar a Janis Joplin. El papel le trajo su primera nominación al premio Óscar en la categoría de «Mejor actriz». Posteriormente ganó dos Globo de Oro, en las categorías de «Nueva estrella del año - Actriz» y «Mejor actriz - Comedia o musical» . La banda sonora de la película alcanzó el puesto número 12 de la lista Billboard 200, mientras que el sencillo "The Rose" llegó a los primeros puestos de las publicaciones Billboard Hot 100 y Adult Contemporary. Al año siguiente este tema musical la hizo acreedora del premio Grammy por «Mejor interpretación vocal pop femenina».

A mediados de 1980 se estrenó el largometraje dirigido por Michael Ritchie, Divine Madness, que documentaba una serie de conciertos que Midler brindó en 1979 en Pasadena, California. Posteriormente fue nuevamente nominada al Globo de Oro en la categoría de «Mejor actriz - Comedia o musical». Por su parte, al álbum en vivo homónimo a la película fue certificado por la RIAA como "disco de platino". Su siguiente película, Jinxed! (1982), recibió reseñas negativas y comercialmente no le fue bien.

En el año 1982, durante la 54ª edición de los Premios Oscar, Midler que presentó el galardón a la Mejor Canción, protagonizó comentarios extravagantes y, a la vez, muy divertidos sobre los nominados de esa categoría y sobre las canciones. Fue unos de los momentos más memorables de aquel año para ella, ya que pasó a ser Historia en los premios, demostrando su gran estilo como comediante.

Más tarde publicó su sexto álbum de estudio: No Frills (1983), que tuvo un gran éxito en las listas de Europa. Esta producción estuvo conformada en su mayoría por nuevas versiones de canciones de folk, rock y new wave combinado con un composición propia, «Come Back Jimmy Dean». Para su promoción se embarcó en una nueva gira de conciertos, De Tour (1983-1984). Luego decidió tomarse un receso en el ámbito musical hasta 1989, para poder dedicarse exclusivamente a la actuación a partir de 1986, año en el que volvió a al cine tras cuatro años de ausencia en el a gran pantalla. Esto resultó ser muy positivo ya que en los años siguientes logró obtener dos nominaciones al Globo de Oro y establecerse como una taquillera actriz.

En 1986, protagonizó dos películas: la comedia Ruthless People, dirigida por David Zucker y Jim Abrahams, junto con Judge Reinhold, Danny DeVito y Helen Slater; y la comedia de enredos Un loco suelto en Hollywood, dirigida por Paul Mazursky, donde recibió críticas positivas y donde compartió escena con Nick Nolte, Richard Dreyfuss, Tracy Nelson y Elizabeth Peña. Por esta última película fue nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical. En 1987 co-protagonizó el filme del director Arthur Hiller, Increíble suerte, junto con Shelley Long. Bette prestó su voz a la película animada Oliver y su pandilla en 1989, para interpretar a Georgette, una presuntuosa caniche. En 1988 protagonizó la película Eternamente Amigas, que le supuso un gran éxito y donde interpretaba la canción "Wind Beneath My Wings", uno de los éxitos más grandes de su carrera musical y con la que obtuvo el Grammy en 1990.

Bette Midler firmando autógrafos en la ciudad de Los Ángeles, California.

En 1990, Midler lanzó al mercado su primer álbum de estudio en siete años, titulado Some People's Lives. Esta producción demostró ser todo un éxito comercial, vendiendo más de dos millones de copias y ocupando los puestos número seis y cinco de las listas de éxitos Billboard 200 y UK Albums Chart, respectivamente.

En 1991 consiguió un nuevo Grammy con la canción "From a Distance" de su álbum Some People's Lives. Ese mismo año apareció junto con James Caan y George Segal en la película musical For the Boys, dirigida por Mark Rydell. El papel le trajo su segunda nominación al Óscar en la categoría de mejor actriz y ganó el Globo de Oro como mejor actriz de comedia o musical.

Al año siguiente, realizó una participación especial en el programa The Tonight Show. En esta ocasión le cantó una canción de despedida a Johnny Carson, el anfitrión, quien abandonaba ese día el popular ciclo televisivo. En 1993 protagonizó la película para televisión Gypsy, bajo la dirección de Emile Ardolino, junto con Cynthia Gibb y Peter Riegert. El telefilme estuvo basado en el musical homónimo de Broadway. Por su trabajo en esta producción ganó un Globo de Oro en la categoría de «Anexo:Globo de Oro a la mejor actriz de miniserie o telefilme» y también fue nominada para un Emmy por «Mejor actriz - Miniserie o telefilme».

En 1996 apareció junto con Goldie Hawn y Diane Keaton en la película cómica The First Wives Club (El club de las primeras esposas).

En el año 2000, Midler actuó en tres películas: la comedia What Women Want, donde realizó una aparición no acreditada y compartió escena con Mel Gibson y Helen Hunt; la película biográfica Isn't She Great, junto a Nathan Lane, Stockard Channing y David Hyde Pierce; y por último el filme de género fantástico Drowning Mona, dirigida por Nick Gomez, junto con Danny DeVito, Neve Campbell y Jamie Lee Curtis. Los largometrajes Isn't She Great y Drowning Mona recibieron críticas negativas de diversas fuentes y comercialmente no les fue bien.

Entre 2000 y 2001, Midler protagonizó la comedia de situación Bette, donde aparecieron estrellas como Oprah Winfrey, Dolly Parton, Danny DeVito, George Segal, Brenda Song, Tim Curry, David James Elliott, Olivia Newton-John, Lindsay Lohan y Jon Lovitz. Inicialmente la serie tuvo altos índices de audiencia, pero a mitad de temporada el número de telespectadores disminuyó de modo tal que la cadena CBS la sacó la programación. Por su trabajo en este programa fue nominada al premio Globo de Oro como «Mejor actriz de serie de televisión - Comedia o musical» y ganó el galardón People's Choice como «Intérprete favorita de una nueva serie de televisión». Paralelamente publicó al mercado un infructuoso álbum de estudio bajo el mismo nombre de la comedia.

En 2003 firmó un contrato con Columbia Records para lanzar un álbum de estudio tributo a Rosemary Clooney titulado Bette Midler Sings the Rosemary Clooney Songbook, con gran éxito de ventas en Estados Unidos. El álbum ocupó el puesto 14 del Billboard 200 e incluyó el sencillo «White Christmas», que se ubicó en el top 20 de la lista Adult Contemporany. Posteriormente fue certificado como "disco de oro" por la Recording Industry Association of America. Para su promoción se embarcó en la gira Kiss My Brass, con la que visitó algunas ciudades estadounidenses y australianas. Más tarde lanzó un nuevo álbum tributo; esta vez para homenajear a Peggy Lee con una producción titulada Bette Midler Sings the Peggy Lee Songbook (2005), con gran éxito de ventas en los mercados estadounidense y europeo. El álbum se posicionó en los primeros puestos de las listas de éxitos Billboard 200, Swedish Album Chart y UK Albums Chart. Su único sencillo, «Fever», se ubicó en el top 20 de la lista estadounidense de canciones de género dance Hot Dance Club Songs.

A finales de 2006 publicó un álbum de temática navideña llamado Cool Yule, el cual recibió buenas reseñas por parte de los críticos y fue nominado al premio Grammy por «Mejor álbum de pop tradicional». Esta producción llegó al top 40 de las listas de éxitos Billboard Top Holiday Albums, Billboard Digital Albums y Billboard 200. Al año siguiente salió a la venta la recopilación Jackpot: The Best Bette, que fue un gran éxito en el mercado anglosajón. En Reino Unido llegó al sexto puesto de la lista de los álbumes más vendidos, UK Albums Chart; mientras que en Estados Unidos vendió más de 300.000 copias y fue certificado como "disco de platino" por RIAA.

A finales de 2007 firmó un contrato para hacer una serie de presentaciones en el Caesar's Palace de Las Vegas, este espectáculo llevó el nombre de Bette Midler: The Showgirl Must Go On, que incluían 200 actuaciones durante tres años. Los conciertos, iniciados el 20 de febrero de 2008, fueron un repaso de toda su discografía. El show también contó con las participaciones especiales de sus colegas Elton John y Cher.

Desde los años 1990 Midler se ha involucrado profundamente en actividades benéficas y de ayuda, desde la lucha contra el sida hasta programas para combatir el analfabetismo de adultos en países pobres.

También ha participado en iniciativas para preservar las selvas forestales, por lo que en 1997 fue distinguida por el Programa del Medio Ambiente de las Naciones Unidas. Desde principios de los 90 ella lidera el New York Restauration Proyect, en Nueva York, que se dedica a la limpieza y restauración de lugares públicos de Nueva York, como parques y embarcaderos. Su palabra favorita es "tree" (árbol). Desde hace un año y por una década, el proyecto que lleva entre manos es la plantación de un millón de árboles.

Midler se casó con Martin von Haselberg, el 16 de diciembre de 1984, en una capilla de la ciudad de Las Vegas. Dos años después se convirtieron en padres de Sophie, la única hija del matrimonio, cuyo parecido físico es igualitario a la de su famosa madre.

Filmografía

1966 Hawaii Pasajera

1979 The Rose

1980 Divine Madness

1982 Jinxed!

1986 Down and Out in Beverly Hills

Por favor, maten a mi mujer

1987 Outrageous Fortune

1988 Big Business - Eternamente Amigas

1990 Stella

1991 For the Boys

Scenes from a Mall

1993 Hocus Pocus

1995 Get Shorty

1996 The First Wives Club

1997 That Old Feeling

2000 Drowning Mona

Isn't She Great

What Women Want

2004 The Stepford Wives

2007 Then She Found Me

2008 The Women

2010 Cats & dogs: The revenge of Kitty Galore

BETTE DAVIS

2011-12-13T03:47:00.000-08:00

Bette Davis (Lowell, Massachusetts; 5 de abril de 1908 – Neuilly, Francia; 6 de octubre de 1989), pseudónimo de Ruth Elizabeth Davis, fue una actriz de teatro, cine y televisión estadounidense; Se le considera uno de los principales hitos del Séptimo Arte. Conocida a veces con el apelativo de «la Reina de Hollywood» y «La Primera Dama del Cine en Blanco y Negro», acaparó 11 candidaturas al Óscar a la mejor actriz, premio que ganó en dos ocasiones. Sus interpretaciones están caracterizadas por sus ojos embrujantes, su desenvolvimiento intenso y profundo y su presencia hechizante, que «llenaba la pantalla» a pesar de su diminuta estatura.

El American Film Institute la nombró la segunda mejor actriz de todos los tiempos.

La familia de Bette (conocida en su infancia como «Betty») tenía antepasados ingleses, franceses y galeses. En 1915 sus padres, Harlow Morrell Davis y Ruth («Ruthie») Augusta Favor, se separaron y, en 1921, Ruth se mudó a Nueva York con sus dos hijas. De niña, Bette aspiraba a ser bailarina hasta que decidió que los actores tenían una vida más atractiva. Cambió la pronunciación de su nombre a «Bette» por la novela de Honoré de Balzac titulada La prima Bette. Tras graduarse en la Cushing Academy (Massachusetts), Davis se enroló en la escuela de arte dramático de John Murray Anderson donde compartió clases con Lucille Ball, aunque antes había intentado entrar en la Escuela de Eva Le Gallienne, quien la rechazó por tener una actitud fría y poco sincera.

Hizo una audición para la compañía de teatro de George Cukor, quien la contrató para un pequeño papel de una semana en la obra Broadway (1923). Más tarde fue elegida para interpretar el personaje de Hedwig en The Wild Duck (El pato salvaje). Tras actuar en Philadephia, Washington D.C. y Boston, debutó en Broadway en 1929 con Broken Dishes (Platos rotos). Un cazatalentos de Universal Studios la vio en el escenario en Broadway y la invitó a una prueba de cámara en Hollywood.

El 13 de diciembre de 1930, Bette Davis llegó a Hollywood acompañada por su madre. Años después dijo que le había sorprendido que nadie del estudio hubiese ido a recogerla a la estación. En realidad, un empleado del estudio sí esperó por ella, pero se fue porque «no había visto a nadie que pareciera una actriz». Su aspecto no encajaba en el prototipo de actriz que entonces era predominante.

Bette no pasó la prueba de pantalla pero participó en muchas otras pruebas dando la réplica a otros actores. Le hicieron una segunda prueba que tampoco pasó, por lo que estuvieron a punto de despedirla, pero decidieron darle un papel en The Bad Sister (1931) donde interpreta a la hermana modelo de una hermana rebelde, y luego rodó Seed (Semilla, 1931). Universal Studios renovó su contrato tres meses más, y Bette trabajó en El puente de Waterloo (1931), antes de ser cedida a Columbia Pictures para The Menace y a Capital Films para Hell's House (ambas en 1932). En aquella época las estrellas de cine firmaban contratos de exclusividad con una sola compañía, y solo podían trabajar para otras si eran «cedidas».

Tras nueve meses y seis películas sin éxito, Universal Studios decidió no renovarle el contrato y por esa época muy pocas personas intuían en qué mito se convertiría «esta muchacha pequeña y delgada».

George Arliss la eligió para el papel femenino principal en The Man Who Played God (1932), donde obtuvo buenas críticas, y fue contratada por Warner Brothers. Poco después, ese mismo año, se casó con «Ham» Nelson.

Más de veinte películas después, fue aclamada por la crítica por el papel de Mildred Rogers en Cautivos del deseo (1934). El film fue un éxito y la caracterización del personaje de Bette fue muy alabado, por lo que supuso que a partir de entonces le darían papeles más importantes, aunque Universal no la cedió a Columbia Pictures para que participase en Sucedió una noche como ella deseaba. Davis no fue inicialmente nominada para los Óscar por su papel en Cautivos del deseo, por lo que Norma Shearer, nominada, comenzó una campaña para que Bette estuviera entre las candidatas y lo consiguió, aunque el premio fue para Claudette Colbert por Sucedió una noche.

En 1935 trabajó en Peligrosa; recibió buenas críticas y el Óscar a la mejor actriz principal, aunque se comentó que había sido un reconocimiento tardío de Cautivos del deseo. En su siguiente película, El bosque petrificado, compartió protagonismo con Leslie Howard y Humphrey Bogart y fue él quien, en su primer papel importante, recibió las mejores críticas. Bette Davis apareció en muchas películas durante los dos años siguientes pero la mayoría no fueron bien recibidas.

Convencida de que su carrera estaba siendo perjudicada por películas mediocres, Davis aceptó participar en dos películas en Inglaterra. Sabía que estaba incumpliendo su contrato de exclusividad con Warner Brothers, así que escapó a Canadá para evitar problemas legales. La prensa se hizo eco del cruce de declaraciones entre el representante de Warner Brothers y Bette Davis. La prensa británica apenas apoyó a Bette y la describía como desagradecida y demasiado bien pagada, aunque la opinión de Bette era que si seguía apareciendo en películas de tan poca calidad, acabaría sin nada por lo que luchar. El caso fue a juicio y Davis perdió y tuvo que volver a Hollywood, endeudada y sin ingresos.

Bette trabajó encarnando a una prostituta en La mujer marcada (1937), un drama de cine negro inspirado en el caso de Lucky Luciano. La película y la interpretación de Bette recibieron muy buenas críticas y su categoría de actriz principal salió reforzada.

Durante el rodaje de su siguiente film, Jezabel, Bette comenzó una relación con el director, William Wyler. Años después lo describió como el amor de su vida, y dijo que hacer la película con él había sido la época más feliz de su vida. La película fue un gran éxito, y su interpretación le hizo ganar su segundo Óscar, por lo que se especuló que sería elegida para un papel parecido al de Jezabel, el de Scarlett O'hara en Lo que el viento se llevó. Ella expresó su deseo de interpretar a Scarlett pero Selznick no estaba de acuerdo, aunque Warner había ofrecido sus servicios como parte de un trato que incluía a Errol Flynn y Olivia de Havilland.

En los años siguientes Davis fue citada entre las diez estrellas que más dinero habían generado. Sin embargo, su marido «Ham» Nelson no había conseguido hacer funcionar su carrera y en 1938 Nelson se divorció de ella por haber sido sorprendida en una relación sexual con el magnate americano Howard Hughes. De hecho, eran amantes vox populi.

Durante el rodaje de su siguiente película, Amarga victoria (1939), estaba deprimida e incluso consideró abandonar el proyecto, hasta que el productor Hal Wallis la convenció para canalizar su desesperación en su actuación. El film se convirtió en uno de los más importantes del año, y el papel de Judith Traherne le dio a Bette una nominación a los Óscar. Años después, Bette dijo que esta película era su favorita.

En esta época, Davis era la estrella de Warner Brothers más provechosa, descrita como «El cuarto hermano Warner», y recibía los papeles principales más importantes. Su imagen era considerada con más afecto, aunque siguió interpretando papeles duros y a menudo la filmaban con primeros planos que enfatizaban sus ojos. El cielo y tú (1940) fue la película más exitosa en cuanto a recaudación en la carrera de Bette. La Carta fue considerada una de las mejores películas del año y Davis fue más admirada que nunca por la encarnación de una asesina adúltera. En esta época tenía una relación con su compañero de reparto George Brent, quien le propuso matrimonio. Ella rechazó su propuesta y se casó con Arthur Farnsworth en diciembre de 1940.

En enero de 1941, Davis se convirtió en la primera mujer que llegó a la presidencia de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, pero sus propuestas no eran bien acogidas por el resto de los miembros, así que dimitió y fue sucedida por Jean Hersholt, quien puso en práctica los cambios que ella había sugerido.

Ese mismo año, William Wyler la dirigió en la obra de Lillian Hellman La loba, pero sus enfoques sobre el personaje principal y sobre todo la forma de interpretarlo eran diferentes y chocaron, y aunque Bette Davis volvió a recibir una nominación al Óscar, nunca más trabajó con Wyler.

Con la ayuda de Cary Grant y Jule Styne, Bette Davis y John Garfield transformaron un viejo club en The Hollywood Canteen (La cantina de Hollywood), que abrió sus puertas el 3 de octubre de 1942. Las estrellas más importantes de Hollywood ofrecían su tiempo y su talento a militares, antes de ser enviados a la guerra. Bette apareció como ella misma en la película Hollywood Canteen (1944), que usó la cantina como escenario para una historia de ficción. La cantina permaneció en activo hasta el final de la II Guerra Mundial. Años después comentó que era una de las cosas de las que más orgullosa estaba en su vida y recibió un premio del Departamento de Defensa de Estados Unidos.

Davis había mostrado poco interés por la película La extraña pasajera (1942) hasta que Hal Wallis le aconsejó que la audiencia femenina necesitaba sueños románticos que pudieran distraerlas de la realidad de sus vidas. Se convirtió en una de sus «películas de mujeres» más conocidas.

Durante los primeros años de la década de los 40 muchas de las elecciones laborales de Bette estaban influenciadas por la guerra, como Alarma en el Rhin (1943).

En agosto de 1943, su marido, Arthur Farnsworth, se desvaneció mientras pasaba por una calle de Hollywood y murió dos días después. Una autopsia reveló que su caída había sido causada por una fractura de cráneo que se había producido unas dos semanas antes. Davis testificó que no sabía cuál podía ser la causa de tal herida y se llegó a la conclusión de que había sido una muerte accidental.

Estuvo a punto de dejar su siguiente papel en El Señor Skeffington (1944) pero Jack Warner de Warner Brothers la convenció para que continuara. Aunque tenía reputación de poseer un carácter fuerte y combativo durante los rodajes de algunas de sus películas anteriores, su forma de ser durante el rodaje fue errática y sin carácter; incluso rehusó filmar ciertas escenas e improvisaba los diálogos causando confusión en los otros actores. Muchos críticos castigaron su actitud durante el rodaje pero a pesar de ellos recibió otra nominación para los Óscar.

En 1945 se casó con un artista, William Grant Sherry, que hasta que la conoció en persona nunca antes había oído hablar de ella, pero durante su matrimonio la diferencia de éxito entre uno y otro los llevó a discusiones y momentos de tensión.

Sus siguientes tres películas apenas tuvieron éxito: The Corn is green (1945), Una vida robada (1946) y Decepción (1946).

En 1947 Bette tuvo una hija, Bárbara, y más tarde escribió en sus memorias que llegó a ser absorbida por la maternidad de manera que consideró abandonar su carrera. Su relación con Sherry empezó a deteriorarse y continuó haciendo películas, pero su popularidad empezó a decaer. Al terminar Más allá del bosque (1949), la productora Warner terminó el contrato con Bette, a petición de ella. La película tuvo muy malas críticas.

En 1949, Davis y Sherry se encontraban distanciados y los columnistas hollywoodenses sentenciaban que la carrera de Davis estaba llegando a su final. Entonces el productor Darryl F. Zanuck le ofreció el papel de la actriz de teatro de mediana edad, Margo Channing, en All About Eve. Su papel se había escrito inicialmente para Claudette Colbert, quien tuvo que renunciar por problemas en la espalda.

Durante la producción, Bette estableció lo que llegaría a ser una larga amistad con su compañera de reparto, Anne Baxter, y surgió una relación romántica con el actor protagonista, Gary Merrill, que los llevó al matrimonio. Marilyn Monroe tuvo en este filme uno de sus primeros papeles importantes. La interpretación de Bette obtuvo excelentes críticas; algunos escribieron que había sido la mejor actuación de toda su carrera, y le supuso una nueva nominación al Óscar, el Premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes y el premio del Círculo de críticos de cine de San Francisco y del Círculo de críticos de cine de Nueva York.

El 3 de julio de 1950 el proceso de divorcio de William Sherry había acabado, y Bette Davis pudo casarse con Gary Merrill (el 28 de julio). Con el consentimiento de Sherry, Merrill adoptó a Bárbara, la hija de Davis y Sherry, y en 1950 adoptaron juntos una niña llamada Margot. Se fueron a Inglaterra, donde la pareja protagonizó una película de misterio, Another Man's Poison, y su falta de éxito provocó malas críticas, que no mejoraron con la nueva nominación de Davis al Óscar por La estrella (1952). En 1952 adoptaron a un niño, Michael, y Bette volvió al teatro en Broadway. Cayó gravemente enferma y fue operada de osteomielitis en la mandíbula. Además, a Margot le fueron diagnosticadas secuelas cerebrales de su difícil nacimiento. La relación entre Bette y Merrill se fue deteriorando hasta que se divorciaron en 1960. Al año siguiente, la madre de Bette falleció.

En 1961, Bette Davis protagonizó Un gángster para un milagro con Glenn Ford y Ann-Margret. Aceptó su siguiente papel en ¿Qué fue de Baby Jane? (1962) después de leer el guion y creyendo que gustaría al público de la entonces reciente Psicosis (1960). La película se convirtió en uno de los mayores éxitos del año. Bette Davis y Joan Crawford interpretaban a dos hermanas ancianas, antiguas actrices, que compartían piso en una mansión de Hollywood. El director Robert Aldrich dijo que ambas eran conscientes de lo importante que era esa película para sus respectivas carreras y que aunque se detestaban mutuamente, se soportaban perfectamente. Al terminar la película, hicieron comentarios en público cada una en contra de la otra, y cuando Davis fue nominada al Óscar como mejor actriz, Crawford hizo una campaña en su contra. Bárbara, la hija de Bette, hacía un pequeño papel en la película, y cuando acudieron al Festival de Cannes para promocionar la película, Bárbara conoció a Jeremy Hyman, un ejecutivo de Seven Arts Productions, con quien se casó con el permiso de Bette poco tiempo después, a la edad de 16 años.

Canción de cuna para un cadáver (1964) fue la siguiente película de Robert Aldrich, en la que quería reunir de nuevo a Bette Davis y Joan Crawford, pero esta última se hallaba enferma y fue reemplazada por Olivia de Havilland. La película tuvo un éxito considerable y renovó la atención a sus veteranos intérpretes, entre los que también estaban Joseph Cotten, Mary Astor y Agnes Moorehead.

En 1977, Bette Davis se convirtió en la primera mujer que ganó el premio a una carrera concedido por el American Film Institute y en 1979 ganó el Emmy a la mejor actriz. Escribió dos biografías: The Lonely Life en la década de los 60 y Mother Goddam en 1975. Todavía en 1978 tuvo ocasión de brillar con un trabajo elogiado, la superproducción de misterio Muerte en el Nilo, basada en el relato de Agatha Christie. En 1981 aparecería en el film de culto de terror de Disney The Watcher in the Woods de John Hough.

En aquellos años, el mundo de la música pop la homenajeó con una canción de gran éxito, Bette Davis' Eyes, interpretada por Kim Carnes (ver videoclip de la canción).

A lo largo de su extensa carrera, no solamente fue reconocido su talento con el Óscar o el Emmy, sino que ganó la Copa Volpi del festival de Venecia por Kid Galahad (1937), de Michael Curtiz y el premio a mejor actriz de Cannes por Eva al desnudo, en 1950. Cuando la industria cinematográfica parecía haberla olvidado, el Festival de San Sebastián le entregó el Premio Donostia en el año 1989. Bette Davis, emocionada, aceptó el galardón, y se mostró llena de felicidad y vitalidad durante su estancia en San Sebastián, sacando fuerzas de su frágil cuerpo. Al despedirse del Festival dijo: «Ustedes me han devuelto la vida». Fue condecorada con la medalla de la Legión de Honor francesa.

Murió el 6 de octubre de 1989 en Francia a la edad de 81 años después de librar una dura batalla contra un cáncer de mama. Acababa de recibir el Premio Donostia a su carrera en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, ciudad que abandonó en una ambulancia horas antes de morir en su residencia de París. Está enterrada en el cementerio de Los Ángeles, California. En su epitafio se puede leer: «Lo hizo del modo difícil».

http://es.wikipedia.org/wiki/Bette_Davis

Filmografía

1931 Bad sister

1931 Semilla (Seed)

1931 El puente de Waterloo

1932 Way back home

1932 La estatua vengadora

1932 Casa correcional

1932 La oculta providencia

1932 So Big

1932 The rich are always with us

1932 The dark horse

1932 Esclavos de la tierra

1932 Tres vidas de mujer

1933 Veinte mil años en Sing-Sing

1933 Los gángsters del aire

1933 Se necesita un rival

1933 Ex-Lady

1933 Los desaparecidos

1934 El altar de la moda

1934 The big shakedown

1934 Jimmy the gent

1934 Fog over Frisco

1934 Cautivo del deseo

1935 Peligrosa

1935 Barreras infranqueables

1936 El bosque petrificado

1937 Kid Galahad

1937 La mujer marcada

1938 Las Hermanas

1938 Jezabel

1939 Amarga victoria

1939 Juarez

1939 La solterona

1939 La vida privada de Elizabeth y Essex

1949 El cielo y tú

1940 La Carta

1941 La Loba

1942 La extraña pasajera

1942 El hombre que vino a cenar

1942 Como ella sola

1943 Alarma en el Rhin

1943 Vieja amistad

1944 El Señor Skeffington

1945 The Corn is green

1946 Una vida robada

1946 Decepción

1949 Más allá del bosque

1950 Eva al desnudo

1951 Another man's poison

1952 La estrella

1955 El favorito de la Reina

1956 Banquete de Bodas

1961 Un gángster para un milagro

1962 ¿Qué fue de Baby Jane?

1964 ¿Adónde fue el amor?

1964 Canción de cuna para un cadáver

1965 A merced del odio

1972 Lo scopone scientifico

1976 Pesadilla diabólica

1978 Muerte en el Nilo

1978 Los pequeños extraterrestres

1980 The Watcher in the Woods

1986 Cuando muere el verano

1987 Las Ballenas de agosto

1989 La bruja de mi madre

BERRY BERENSON

2011-12-13T03:45:00.000-08:00

Berinthia "Berry" Berenson Perkins (14 de abril de 1948 – 11 de septiembre de 2001) fue una fotógrafa, actriz y modelo estadounidense. Era hermana de la más famosa Marisa Berenson y esposa del actor Anthony Perkins. Falleció durante los ataques del 11 de septiembre como pasajera del vuelo 11 de American Airlines.

Berinthia Berenson era la hija menor de Robert L. Berenson, un diplomático estadounidense de ascendencia lituana y judía; el verdadero apellido de su familia era Valvrojenski. Su madre era la Condesa Maria Luisa Yvonne Radha de Wendt de Kerlor, más conocida como Gogo Schiaparelli, una dama de ascendencia italiana, suiza, francesa y egipcia.

Su abuela materna era la diseñadora de modas italiana Elsa Schiaparelli, y su abuelo materno, el Conde Wilhelm de Wendt de Kerlor, un teósofo y médium. Su hermana mayor, Marisa Berenson, se convirtió en una reconocida modelo y actriz que llegó a trabajar con Stanley Kubrick (Barry Lyndon). Berry era también la sobrina bisnieta de Giovanni Schiaparelli, un astrónomo italiano que creía que había descubierto los supuestos canales de Marte, y sobrina bisnieta también del experto en arte Bernard Berenson (1865–1959) y de su hermana Senda Berenson (1868–1954), una atleta y educadora que fue una de las primeras dos mujeres que entraron en el Basketball Hall of Fame.

Después de una breve carrera como modelo a finales de la década de 1960, Berenson se dedicó a ser fotógrafa independiente. Hacia 1973, sus fotografías habían sido publicadas en las revistas Life, Glamour, Vogue yNewsweek.

También trabajó en varios largometrajes, entre los que se encuentran Cat People, con Malcolm McDowell. En 1978 protagonizó, junto a Anthony Perkins, la película Remember My Name de Alan Rudolph y en 1979 compartió pantalla con Jeff Bridges en Winter Kills.

El 9 de agosto de 1973, en Cabo Cod, Massachusetts, Berenson contrajo matrimonio con el actor Anthony Perkins. Tuvieron dos hijos: el actor y músico Oz Perkins (nacido el 2 de febrero de 1974) y el cantante Elvis Perkins (nacido el 9 de febrero de 1976).9 Continuaron casados hasta el fallecimiento de Perkins, causado por el SIDA, el 12 de septiembre de 1992.

Berenson falleció a los cincuenta y tres años de edad, durante los ataques del 11 de septiembre de 2001. Era una de los pasajeros del vuelo 11 de American Airlines; se encontraba regresando a su casa de California después de unas vacaciones en Cabo Cod.

BARBRA STREISAND

2011-12-13T03:43:00.000-08:00

Barbra Streisand (Brooklyn, Estados Unidos, 24 de abril de 1942) es una actriz, cantante, compositora, productora, y directora de cine estadounidense. Apreciada sobre todo por su poderosa y excepcional voz, es la cantante femenina que más discos ha vendido en Estados Unidos y ampliamente reconocida a nivel mundial. Ganadora de dos Premios Óscar, cuatro Emmy, ocho Grammy, cuatro Golden Globe y un Tony. Entre otros muchos reconocimientos tiene, el premio American Film Institute a toda una carrera, la medalla Nacional de América de las Artes y la Legión de Honor francesa. En diciembre de 2008 fue la primera mujer directora en recibir el prestigioso Kennedy Center Honors.

Gracias a su frenética actividad discográfica en los años 60, 70, y a pesar de su relativa inactividad en las últimas tres décadas, continúa siendo la artista femenina que más ha vendido en la historia en los Estados Unidos con, por lo menos, un álbum Nº 1 en Billboard en cada una de las últimas cinco décadas. Sus 9 números 1 en los Estados Unidos se extienden durante un espacio de 46 años; el período más largo que ningún artista o grupo haya logrado. Según la RIAA (Recording Industry Association of America), Barbra Streisand es la mujer que ha vendido más álbumes en la historia y la que ha situado más discos (31) entre los diez primeros, por encima de Elvis Presley y The Beatles. A lo largo de su carrera, Streisand ha conseguido 51 discos de oro, 30 de platino y 13 multiplatinos.

Nació el 24 de abril de 1942 como Barbara Joan Streisand, en el seno de una familia judía en Williamsburg, Nueva York. Su padre, Emanuel Streisand, profesor de gramática y literatura, murió a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía apenas 15 meses. Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind (también cantante), fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía atractiva. Cursó estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. También fue amiga del que después sería campeón mundial de ajedrez Bobby Fischer.

Los deseos de Streisand de convertirse en actriz y cantante surgieron en 1956 cuando acudió a ver en Broadway la obra teatral El diario de Ana Frank. Para lograr su objetivo se inscribió en el verano de 1957 en un curso teatral, donde participó en Teahouse of the August Moon, Desk Set y Picnic. Entre 1959 y 1961 tomó parte en varias producciones teatrales independientes off-off-Broadway y off-Broadway como Driftwood, The Insect Comedy, The Boyfriend y Another Evening with Harry Stoones.

Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar en 1960 cuando, con la ayuda de su entonces novio Barry Dennen, ganó un concurso de nuevos talentos organizado en el club nocturno The Lion. A partir de ese momento realizó presentaciones como cantante en otros clubes neoyorquinos, entre ellos el Bon Soir y el Blue Angel. En 1961 realizó su primera aparición en la televisión; interpretó la canción "A Sleepin' Bee" en el programa de variedades The Tonight Show. A finales de ese año realizó actuaciones especiales en el programa televisivo presentado por el periodista Mike Wallace, PM East/PM West.

Debutó en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, donde representó el papel de la Sta. Marmelstein. Su interpretación recibió críticas positivas de muchas fuentes. Posteriormente fue nominada al premio Tony por mejor actriz secundaria de un musical. En la primavera de ese año, Barbra entró por primera vez en un estudio profesional de grabación para registrar las canciones de I Can Get It For You Wholesale, donde, además de la cómica Miss Marmelstein, también interpretaba una espectacular What Are They Doing To Us Now?; aparte de colaborar en un par de números más junto a compañeros del reparto. El disco solamente llegó a la posición 125 de Billboard pero le dio la oportunidad, gracias a la insistencia del compositor de la obra, Harold Rome, de participar, un par de meses más tarde, en un disco homenaje por el 25 aniversario de la exitosa obra Pins And Needles, donde interpretó cinco solos y un cuarteto.

Streisand debutó en el cine en 1968 en la película Funny Girl, adaptación del musical que ella misma había protagonizado en Broadway en 1964, donde interpretó a Fanny Brice. El papel la hizo acreedora del premio Óscar por "Mejor Actriz", compartiéndolo con Katharine Hepburn por El león en invierno, la primera vez en la historia que se producía un empate en esta categoría. A esa presentación le siguieron Hello Dolly! (1969) y On a Clear Day You Can See Forever (1970), películas musicales que también recibieron críticas mayoritariamente positivas de diversas fuentes. Por su trabajo en Hello Dolly! fue nominada al Globo de oro por "Mejor actriz - Comedia o musical".

En 1970, protagonizó la comedia The Owl and The Pussycat dirigida por Herbert Ross, al lado de George Segal, Robert Klein y Evelyn Lang, también con gran éxito de crítica y taquilla. Por su interpretación recibió una nueva candidatura al Globo de oro por "Mejor actriz - Comedia o musical". En 1969 funda, junto a Paul Newman y Sidney Poitier, la productora First Artists, con el objeto de garantizar la realización de proyectos que los grandes estudios hubieran rechazado. En 1971 se unió Steve McQueen y en 1976 Dustin Hoffman.

En 1972 protagoniza junto a Ryan O'Neal la alocada comedia de Peter Bogdanovich "¿Qué me pasa, doctor?" (What's Up, Doc?), que se ha convertido en un clásico de las comedias americanas. Obtuvo un enorme éxito de crítica y público...aumentando su legión de fans.

En 1972 formaliza su propia productora Barwood Films y bajo los auspicios de, la también su empresa, Firsts Artists rueda Up the Sandbox dirigida por Irvin Kershner, película que resultó ser un fracaso comercial estrepitoso pero que es un film de culto para admiradores de Streisand por lo inusual en una estrella de su calibre y donde interpreta a la perfección a una simple ama de casa cuya falta de realización personal le hace vivir fantasías.

Su trabajo en 1973 en el drama romántico "Tal como éramos" (The Way We Were) junto a Robert Redford y dirigida por Sydney Pollack, le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Óscar. La estupenda banda sonora de Marvin Hamlish alcanzó el número 20 y el álbum publicado en febrero de 1974 con el mismo título y con temas de Stevie Wonder, Carole King, Paul Simon, Michel Legrand, etc, catapultó a Streisand nuevamente hasta el número 1.

En 1974 rueda ¿Qué diablos pasa aquí?/For Pete's Sake! dirigida por Peter Yates. Una comedia de enredo de bastante éxito en el verano de ese año.

En 1975 presenta Funny Lady (secuela de Funny Girl), junto a James Caan, dirigida por Herbert Ross y producida por Ray Stark. La película también fue un éxito, y la banda sonora llegó hasta el número 6.

"Ha nacido una estrella" se convirtió en la película más taquillera en la carrera de Streisand como protagonista. Fue la segunda película en el Box Office de ese año, después de Rocky. El film mostraba a una Streisand sexy y moderna además de tener un control sin precedentes detrás de la cámara como productora ejecutiva. Barbra recibe su segundo Óscar, esta vez como compositora de Evergreen como Mejor Canción Original, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en recibir este premio. El disco con las canciones de la película resultó ser un bombazo, alcanzando el número 1 de Billboard además de ser la banda sonora más vendida de la historia hasta ese momento.

"The Main Event" se rodó y se presentó en 1979. Es una comedia protagonizada por Barbra Streisand y Ryan O'Neal, y dirigida por Howard Zieff. Aunque mal recibida por la crítica se situó entre las 10 películas más taquilleras del año. La banda sonora alcanzó el número 20 de la lista. El single llegó al número 3, y el maxi-single de más de 11 minutos fue un éxito en las pistas de baile.

En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó "Yentl", experiencia que posteriormente repetiría en "El Príncipe de las Mareas" (The Prince of Tides, 1991) y "El Amor Tiene Dos Caras" (The Mirror Has Two Faces, 1996). Steven Spielberg calificó "Yentl" de obra maestra ("uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el "Ciudadano Kane" de Welles") y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Óscar más importantes (fue nominada a 5 premios menores, ganando solamente el de Mejor Banda Sonora). Años después, se produjo una gran controversia cuando "El príncipe de las mareas" obtuvo siete candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora. Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido. Barwood Films ha producido también varios dramas para la televisión. El primero de ellos, "Serving In Silence: The Margarethe Cammermeyer Story", fue galardonado con tres premios Emmy en 1995.

Estuvo casada con el actor Elliott Gould de 1963 a 1971, con quien tuvo su único hijo, Jason Gould (que hace el papel de su hijo también en El Príncipe de las Mareas). Streisand también es conocida por haber mantenido sonoros romances con Ryan O'Neal, Tom Smothers, Warren Beatty, Jon Voight, Pierre Trudeau (Primer Ministro de Canadá), Omar Sharif, Don Johnson, Steve McQueen, Kris Kristofferson, Peter Jennings, Elvis Presley y Richard Baskin entre otros. Mantuvo también una larga relación (1974-1982) con el peluquero convertido luego en productor de cine Jon Peters. No obstante, se le han atribuido numerosos falsos romances, siendo el del tenista Andre Agassi el más sonado, a pesar de que nunca fue confirmado y siempre fue negado por ambos. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin. Curiosamente sus dos maridos coincidieron en 1970 en la famosa película Capricornio Uno.

Streisand es conocida por su franca orientación política liberal y progresista, y es una activa defensora de sus ideas dentro del Partido Demócrata.

Su fuerte y marcada personalidad la han convertido en un símbolo para sus admiradores. Esto fue cariñosamente satirizado en la serie de Mike Myers "Linda Richman", serie de sketches humorísticos en directo, emitidos los sábados por la noche, en la que la misma Streisand hizo una aparición sorpresa.

Por otra parte, su implicación política en la lucha por los derechos civiles de las mujeres, los gays y las lesbianas, las causas medioambientales, así como el absoluto control que ejerce sobre todo su trabajo a menudo la convierten también en blanco de la hostilidad de los sectores conservadores de la industria del cine y la prensa norteamericana, que no pueden negar su impresionante carrera artística y sus incuestionables éxitos, pero los simplifican reduciéndola a la categoría de diva o icono gay o convirtiendo en noticia sólo los aspectos más banales de su vida íntima.

A lo largo de los años, Barbra ha sido una fuerte recaudadora de fondos para causas sociales como la lucha contra el sida, la educación y la protección de las minorías étnicas. Sus ideas sobre la posición de los artistas a la hora de participar en el proceso político quedaron reflejadas en su discurso en la Universidad Harvard "El Artista Como Ciudadano", reproducido íntegramente por el New York Times y el Washington Post. También ha sido reconocida con un Doctorado Honorario en Artes y Humanidades por la Universidad de Brandeis. En febrero de 2001 le fue concedido el premio del Instituto Americano del Cine por su trabajo como directora, actriz, guionista, productora y compositora. Ha recibido también la Medalla Nacional de las Artes concedida por el gobierno de los Estados Unidos y el gobierno de Francia la ha condecorado con la Orden de las Artes y las Letras y más recientemente, en 2007, como Oficial de la Legión de Honor. En el 2008, Barbra recibe un homenaje y una medalla del Kennedy Center Honors debido a sus colaboraciones al arte durante su larga y exitosa trayectoria.

http://es.wikipedia.org/wiki/Barbra_Streisand

Filmografía

1968 Funny Girl

1969 Hello, Dolly!

1970 Vuelve a mi lado (On a clear day you can see forever)

La gatita y el búho (The owl and the pussycat)

1972 ¿Qué me pasa, doctor?(What's up, doc?)

Casada en Nueva York (Up the sandbox)

1973 Tal como éramos (The way we were)

1974 ¿Qué Diablos Pasa Aquí? (For Pete's sake)

1975 Funny Lady

1976 Ha nacido una estrella (A star is born)

1979 Combate de Fondo (The main event)

1981 All Night Long

1983 Yentl Yentl/Anshel

1987 Loca (Nuts)

1991 El príncipe de las mareas (The prince of tides)

1996 El amor tiene dos caras (The mirror has two faces)

2004 Meet the Fockers(Meet the Fockers)

2010 Ahora los padres son ellos (Little Fockers)

2012 My mother's curse

BARBARA STANWYCK

2011-12-13T03:41:00.000-08:00

Barbara Stanwyck (n. Brooklyn, Nueva York; 16 de julio de 1907 - f. Santa Mónica, California; 20 de enero de 1990), actriz estadounidense, varias veces candidata a los Premios Óscar de Hollywood. Es uno de los Mitos del Séptimo Arte y una de las mujeres fatales más emblemáticas de la historia del cine.

Su nombre real era Ruby Catherine Stevens. La menor de cinco hermanos, su madre murió cuando ella era muy niña y su padre la abandonó poco después, y creció acogida en varias familias.

Comenzó trabajando de telefonista, y como corista en distintos espectáculos de vodevil. Posteriormente conseguiría trabajar en Broadway, donde conoció a su primer marido, el polémico actor Frank Fay, y con el que se fue a Los Ángeles para intentar comenzar una carrera en el cine. Se dice que el guion para la película Ha nacido una estrella, de William A. Wellman está basado en su conflictivo matrimonio y la obsesión de su marido por convertirla en una estrella.

Su primera película en el cine fue Broadway Nights, en el año 1927. Colaboró en muchas películas con Frank Capra, como Mujeres ligeras o Amor prohibido, ambas del año 1932. Después de algunas otras películas, con directores como John Ford, su primer gran papel llega con la película Stella Dallas, de King Vidor, en el año 1937, con la que lograría su primera nominación a los Óscar, aunque en esta ocasión se lo llevó Louise Rainier por La buena tierra. Barbara se empezó a especializar en papeles de mujeres duras y fuertes. Su belleza no era tan ortodoxa como el de las grandes estrellas de Hollywood, pero eso no le impidió interpretar a algunas de las mujeres fatales más importantes de la historia del cine. Hizo otras películas estupendas, como Bola de fuego (Ball of fire), de Howard Hawks en 1941 (su segunda nominación al Óscar, que tampoco se llevó) o Juan Nadie (Meet John Doe), de Frank Capra también en el año 1941, donde demostró que aparte de cine negro, era capaz de hacer comedias y melodramas.

El mayor éxito de su carrera le llegó en el año 1944, con la película Double Indemnity, titulada en España Perdición, dirigida por Billy Wilder, e interpretada también por Fred MacMurray y Edward G. Robinson. Con un guion de Raymond Chandler, basado en una novela de James Cain, la película es una de las grandes obras maestras del cine negro, y ella interpretó el papel de mujer manipuladora, insensible y malvada. Su papel de "Phyllis Dietrichson", es probablemente el modelo en el que se han basado para definir el estereotipo cinematográfico de mujer fatal. Su magnífica interpretación le valió su tercera nominación al Óscar, pero tampoco se lo llevó ya que era el año en que Ingrid Bergman lo ganó por Gaslight.

Posteriormente a este gran personaje, hizo otras películas también memorables, como El extraño amor de Martha Ivers (1946), de Lewis Milestone, o Sorry, wrong number, en 1948, de Anatole Litvak, lo que le supuso su cuarta nominación a los Óscar, que en esta ocasión se lo arrebató Jane Wyman.

Continuó haciendo películas magníficas en papeles nada convencionales, como en Clash by Night, de Fritz Lang, junto a Marilyn Monroe, en 1952, o en Walk on the Wild Side, en 1962, de Edward Dmytryk, en donde interpretó a la primera lesbiana declarada de la historia del cine.

Durante los años 1950 y los años 1960 hizo bastante televisión, tuvo su propio programa, que le valió un premio Emmy, aparte de colaborar en diversas series. Más recientemente, también participó en The Thorn Birds.

Por sus contribuciones al mundo del cine, se le puso una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1751 de Vine Street. Como reconocimiento a toda su carrera, en el año 1982 consiguió un Óscar honorífico. Tras rechazar el papel de Angela Channing en la serie estadounidense Falcon Crest, Bárbara intervino en tres series emblematicas de los ochenta que fueron sus últimos trabajos: El pájaro espino, Dinastía y Los Colby, en ambas en el papel de Constance Colby.

Su primer matrimonio fue el 26 de agosto de 1928 con el actor Frank Fay. Adoptó un niño que se llamó Anthony Dion Fay, y se divorció dramaticamente en el año 1936 entablando una larga batalla legal por la custodia de Dion. Ya ganada la batalla legal, Stanwick abandonó a Dion a su suerte colocándolo en internados.

Barbara Stanwyck se casó en 1939 con el actor Robert Taylor, matrimonio que duró doce años, hasta su divorcio en 1951 debido a infidelidades de Taylor con Ava Gardner y Lana Turner que incluso la llevaron a un intento de suicidio.

Tuvo amoríos con Frank Capra y Henry Fonda. Por su amistad con Joan Crawford, Cesar Romero, Richard Chamberlain y Clifton Webb, la prensa amarillista la estigmatizó como una lesbiana de closet.

En el rodaje de Sueños de oro conoce a William Holden, y ahí se iniciaría una larguísima amistad que duraría hasta la muerte de él, hasta el punto de que cuando ella ganó el premio Óscar honorífico en el año 1982, se lo dedicó a él, ya que había fallecido poco tiempo antes.

Barbara Stanwyck murió a los 82 años de edad en su casa de Santa Mónica, debido a una enfermedad del corazón. Adicionalmente, durante toda su vida sufrió de artrosis degenerativa y su columna vertebral se vió afectada por una dolorosa escoliosis. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas esparcidas en la localidad de Lone Pine.

http://es.wikipedia.org/wiki/Barbara_Stanwyck

Filmografía

The Thorn Birds (El pájaro espino) - (1983)

A Taste of Evil - (1971)

The House That Would Not Die - (1970)

Roustabout - (1964)

Walk on the Wild Side - (1962)

Crime of Passion - (1957)

Forty Guns - (1957)

The Maverick Queen - (1956)

There's Always Tomorrow - (1956)

The Violent Men - (1955)

Cattle Queen of Montana - (1954)

Witness to Murder - (1954)

El hundimiento del Titanic - (1953)

The Moonlighter - (1953)

All I Desire - (1953)

Clash by Night - (1952)

The Man with a Cloak - (1951)

To Please a Lady - (1950)

The File on Thelma Jordon - (1950)

East Side, West Side - (1949)

Sorry, Wrong Number - (1948)

B.F.'s Daughter - (1948)

Cry Wolf - (1947)

The Other Love - (1947)

California - (1946)

The Strange Love of Martha Ivers - (1946)

Christmas in Connecticut - (1945)

Double Indemnity - (1944)

La estrella del Variedades (Lady of Burlesque) - (1943)

Bola de fuego - (1941)

The lady Eve (1941)

You Belong to Me - (1941)

Meet John Doe - (1941)

Remember the Night - (1940)

The Mad Miss Manton - (1938)

Stella Dallas - (1937)

Internes Can't Take Money - (1937)

His Brother's Wife - (1936)

Red Salute - (1935)

Annie Oakley (1935)

The Secret Bride - (1934)

A Lost Lady - (1934)

Baby Face - (1933)

Ladies They Talk About - (1933)

The Purchase Price - (1932)

Forbiden - (1932)

So Big! - (1932)

Ten Cents a Dance - (1931)

Ladies of Leisure - (1930)

Mexicali Rose - (1929)

BARBARA HERSHEY

2011-12-13T03:39:00.000-08:00

Barbara Lynn Herzstein o Barbara Hershey (Hollywood, California, Estados Unidos, 5 de febrero de 1948) es una actriz y activista estadounidense.

Entre sus películas más notables se encuentran Boxcar Bertha, Hannah y sus hermanas de Woody Allen, El ojo público, La última tentación de Cristo de Martin Scorsese, El ente, Retrato de una dama de Jane Campion, Black Swan (Cisne negro) y la exitosa película de miedo Insidious.

Comenzó a destacarse en la actuación con la serie de TV Los Monroe, que perduró por una temporada.

Convivió con el actor David Carradine entre 1969 y 1975 y con el actor Naveen Andrews hasta 2010.

BARBARA EDEN

2011-12-06T03:06:00.000-08:00

Barbara Eden, (n. Tucson, Arizona, Estados Unidos, 23 de agosto de 1934) es el seudónimo de Barbara Jean Moorhead, actriz y cantante estadounidense. A lo largo de sus más de 50 años de carrera artística, incursionó en cine, teatro y televisión. Llegó a la fama en la década de 1960, cuando interpretó a la genio Jeannie en la serie Mi bella genio (1965-1970). Por su trabajo en dicha comedia fue nominada a los premios Emmy y Globo de Oro. Posteriormente a la famosa serie televisiva, sus apariciones en televisión incluyeron ser protagonista en películas y también el ser comentarista de desfiles.

Barbara Eden nació el 23 de agosto de 1934, en Tucson, Arizona. Cuando sus padres se divorciaron, su madre y ella, que sólo tenía tres años de edad, se trasladaron a la ciudad de San Francisco. Después de graduarse, en 1949, Barbara estudió actuación en el instituto Elizabeth Holloway School of Theatre y canto en San Francisco Conservatory of Music. Siendo practicamente una adolescente comenzó a cantar en clubes nocturnos y más tarde comenzó a participar como extra en proyectos televisivos y cinematográficos.

Eden realizó pequeñas apariciones en series televisivas como The Johnny Carson Show, The West Point Story, Highway Patrol, Private Secretary, I Love Lucy, The Millionaire, Target: The Corruptors!, Crossroads, Perry Mason, Gunsmoke, December Bride,Bachelor Father, San Francisco Beat,Father Knows Best, Adventures in Paradise, The Andy Griffith Show, Cain's Hundred, Saints and Sinners, The Virginian, Slattery's People, The Rogues,y Route 66. Luego apareció en cuatro episodios de Burke's Law, y en cada una de estas aparicones interpretó a un personaje distinto. También encarnó un rol pequeño en la película The Tarnished Angels con Rock Hudson.

Su primer papel destacado en el cine lo obtuvo en el filme Back from Eternity (1956). Desde 1957 hasta 1959, protagonizó la sitcom How to Marry a Millionaire junto a Merry Anders y Lori Nelson. En esta comedia Barbara interpretó el personaje de "Loco Jones", que en la versión cinematográfica había sido encarnada por Marilyn Monroe. Después de 39 episodios, Nelson abandonó el programa. La serie fue cancelada luego de 52 capítulos.

Ella obtuvo roles menores en las películas Will Success Spoil Rock Hunter? y The Wayward Girl. Encarnó, asimismo, papeles más destacados en los filmes A Private's Affair y Flaming Star en 1960, donde compartió escena con el cantante y actor Elvis Presley. Al año siguiente, actuó en Voyage to the Bottom of the Sea dirigida por Irwin Allen, donde interpretó el personaje de Cathy Connors y compartió protagonismo con Frankie Avalon. Entre sus siguientes películas se encontraron The Wonderful World of the Brothers Grimm y Five Weeks in a Balloon, nuevamente con producción de la 20th Century Fox. En 1962, participó en la comedia Swingin' Along, junto a actores como Tommy Noonan y Peter Marshall.

Su última película con la 20th Century Fox fue The Yellow Canary (1963). Después dejó de trabajar para Fox; participó en series televisivas como Saints And Sinners y realizó películas para otros estudios como MGM, Universal, y Columbia.

Eden protagonizó la serie I Dream of Jeannie, emitida por la cadena NBC. Aquí encarnó a Jeannie, una genio que vivía dentro de una lámpara hasta que fue liberada por el astronauta Anthony Nelson, interpretado por Larry Hagman. Si bien los productores buscaban a una morena para el rol principal, para diferenciarse de la serie Hechizada que tenía como protagonista a una actriz rubia, el creador de la sitcom, Sidney Sheldon, quedó tan fascinado con la personalidad de Barbara que la contrató pese a ser rubia. I Dream of Jeannie se emitió desde 1965 a 1970; tuvo un moderado éxito de audiencia y su protagonista fue nominada en dos oportunidades para los Globos de Oro como mejor actriz de comedia. En los primeros episodios de la misma, que se filmaron en blanco y negro, Eden los grabó estando embarazada.

Pasados unos años, regresó al papel que la hizo famosa en todo el mundo cuando participó en varias películas para televisión que recrearon la historia de Jeannie, mostrando algunos cambios en la vida de la genio y de Tony Nelson. Tal es el caso de I Dream of Jeannie: 15 Years Later (1985) y I Still Dream of Jeannie (1991). También apareció personificada como Jeannie en comerciales televisivos para AT&T y Lexus.

Después que finalizó I Dream of Jeannie, Barbara continuó apareciendo en programas especiales como Telly...Who Loves Ya Baby? con Telly Savalas y The Best Of Everything, junto a Hal Linden y Dorothy Loudon. En 1978, protagonizó la película Harper Valley PTA, basada en la popular canción de música country del mismo título. Después, se realizó la adaptación televisiva de la película bajo el mismo nombre, donde Eden interpretó el mismo personaje, Stella Johnson. La serie Harper Valley PTA fue rebautizada como Harper Valley el 16 de enero de 1981. El último capítulo de la serie se emitió el 14 de agosto de 1982.

En 1987 apareció en el especial de televisión The Great American Quiz Show junto Tony Randall, Isabel Sanford, Marc Price y John Davidson. Dos años después, protagonizó el telefilme Brand New Life. En 1990 participó en la serie Dallas, doende encarnó a la millonoria Lee Ann De La Vega y se re-encontró con su antiguo coprotagonista de la comedia I Dream of Jeannie, Larry Hagman.

En 1991 protagonizó el telefilme I Still Dream of Jeannie, al lado de Christopher Bolton, Bill Daily, Al Waxman y Peter Breck, donde encarnó el rol que la lanzó a la fama.

Más tarde, en 1993, formó parte de la obra teatral Last Of The Red Hot Lovers, con la que realizó una gira por Estados Unidos.

Desde 2000 hasta 2004 realizó un gira con la obra The Odd Couple...The Female Version, donde interpretó el rol de Florence Unger. En estos años participó en tres episodios de la serie Sabrina, the Teenage Witch encarnando el rol de Irma, la matriarca de la familia de brujos. En marzo de 2006, Eden apareció junto a Larry Hagman en varios programas televisivos, como Good Morning America, The View, Martha, Access Hollywood, Entertainment Tonight, y Showbiz Tonight, para promocionar el lanzamiento en DVD de la primera temporada de I Dream of Jeannie.

En diciembre de 2008 comenzó con el rodaje de la película para televisión Always and Forever, del canal Hallmark puso al aire en 2009.El 7 de mayo del mismo año participó del programa Hannity, del canal de noticias Fox, donde opinó acerca de diversos temas.

En abril de 2011 publicó una interesante reseña de su vida y obras: Jeannie out of the bottle. En un lenguaje muy amigable nos reseña la trayectoria de su vida, sus gratos episodios y los amargos recuerdos de una vida llena de trabajo, encuentros con famosos del cine y la política.

Filmografía

Back from Eternity (1956)

Will Success Spoil Rock Hunter? (1957)

The Wayward Girl (1957)

A Private's Affair (1959)

Twelve Hours to Kill (1960)

From the Terrace (1960)

Flaming Star (1960)

Swingin' Along (1961)

All Hands on Deck (1961)

Voyage to the Bottom of the Sea (1961)

The Wonderful World of the Brothers Grimm (1962)

Five Weeks in a Balloon (1962)

The Yellow Canary (1963)

The Confession (1964)

7 Faces of Dr. Lao (1964)

The Brass Bottle (1964)

The New Interns (1964)

Ride the Wild Surf (1964)

The Toy Game (1973)

The Amazing Dobermans (1976)

Harper Valley PTA (1978)

Chattanooga Choo Choo (1984)

The Fantasy Film Worlds of George Pal (1985) (documental)

The Fantasy Worlds of Irwin Allen (1995) (documental)

A Very Brady Sequel (1996) (Cameo)

Loco Love (2003)

Carolina (2003)

BARBARA BACH

2011-12-06T03:04:00.000-08:00

Barbara Bach (Queens, Nueva York, 27 de agosto de 1947) es una modelo y actriz, conocida por haber sido chica Bond en la película de James Bond La espía que me amó. Está casada con el antiguo miembro de The Beatles Ringo Starr.

Nacida como Barbara Goldbach es hija de padre judío y madre católica-irlandesa. A los 16 años dejó la escuela para convertirse en modelo, alcanzando el rango de top-model a los 17 años. Un año después abrevió su apellido a "Bach" y empezó una meteórica carrera teniendo mucho éxito como modelo en su natal América trabajando con la famosa Ford Models. Su rostro comenzó a ser frecuente en revistas de moda, especialmente en la revista "Seventeen". Se convirtió en una super modelo en los años 60 y 70 ( con unas medidas de 90-60-90, una figura perfecta). Un año más tarde, trabajando en Italia, se casó con el italiano Augusto Gregorini con el que tuvo dos hijos, una de ellas es la cantante Francesca Gregorini. Barbara hizo distintos papeles en películas italianas, empezando por su debut con un pequeño papel en La Odisea 1969 (Las aventuras de Ulises) de Dino de Laurentis, también intervino en Il Mio Monsignore, La tarantula del ventre nero, Bambol e di vetri, Maschio ruspanti, Paolo di caldo y Last chance. Se separó de Augusto en 1975 y regresó a los Estados Unidos.

Barbara hizo una prueba para el productor-director Tony Richardson para una futura película. Pero esa película nunca llegó a hacerse. Sin embargo en 1976, el productor de Bond "Cubby" Broccoli casualmente la vio en ese video y se quedó impresionado. "Creo..." dijo Broccoli, "...que he estado buscando durante toda mi vida una actriz que tenga esa forma de mirar tan peculiar como Barbara Bach". Y fue entonces en 1977, el papel de Barbara como Anya Amasova (Agente XXX) en la película La espía que me amó (The spy who loved me) el que la catapultó a la fama internacional y la convirtió en un símbolo sexual. Su papel es considerado el más importante que se ha creado para cualquier chica Bond protagonista. Su papel en la película dio pie a la creación de una muñeca que tuvo mucho éxito (una figura de acción tipo madelman dentro de una colección de muñecas y cochecitos del merchandising promocionando esta película). Barbara tenía 27 años, tenía un bellísimo rostro y un cuerpo de infarto, pero fue su saber estar y su talento lo que atrajo al productor Cubby Broccoli.

En 1978 Barbara interpretó a una guerrera yugoslava llamada Marizza en Fuerza 10 de Navarone (interviniendo también en esta película Edward Fox, Harrison Ford y Robert Shaw) una continuación de la historia de Los Cañones de Navarone, teniendo Barbara un papel destacado.

En 1978-79 la exitosa serie de TV Los ángeles de Charlie estaba buscando una sustituta para Kate Jackson (Sabrina en la serie). 15.000 bellezas, modelos y actrices se presentaron para el papel, después de meses y meses de pruebas y más pruebas sólo dos favoritas quedaron finalmente: Barbara Bach y Shelley Hack. El 13 de abril de 1979, el New York Daily News y muchas revistas del mundo informaron que Barbara Bach era el nuevo angel de Charlie, incluso la prestigiosa revista española Hola lo anunció en portada, sin embargo fue rechazada en la última prueba por los productores por resultar demasiado sofisticada y europea para el papel.

Ringo Starr conoció a Bach en 1980 en México, durante la filmación de la cinta El Cavernícola (Caveman). Se enamoraron al instante. Ringo siempre dijo que lo suyo con Barbara fue un auténtico flechazo. El 27 de abril de 1981 contrajeron matrimonio. Desde mediados de los años 1980, Bach ha estado inactiva tanto como modelo como actriz. En los últimos años se ha dedicado a acompañar a Ringo en sus actuaciones y a participar en obras sociales y de caridad, como la lucha contra el SIDA y la fundación "El angel rumano" que fue fundada por ella y por las otras dos esposas de los Beatles, Olivia Harrison y Yoko Ono.

ANGELA MOLINA

2011-12-06T03:02:00.001-08:00

Ángela Molina Tejedor (Madrid, 5 de octubre de 1955) es una actriz española perteneciente a una conocida saga de artistas.

Sus inicios cinematográficos, que incluyen trabajos para Luis Buñuel y Manuel Gutiérrez Aragón, la convierten en una de las actrices más representativas de la Transición. Su notable presencia internacional le permite rodar en Italia, Francia o Latinoamérica, así como superar el centenar de películas y atesorar premios como el David de Donatello de la Academia italiana y la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.

Estudia ballet clásico, danza española y Arte Dramático en la Escuela Superior de Madrid. Trabaja en el circo en Francia y ejerce como profesora de baile clásico español antes de aparecer en su primera película, No matarás (César F. Ardavín, 1974), a raíz de un reportaje fotográfico publicado en Fotogramas. Cuenta diecinueve años y su dedicación al cine es absoluta desde entonces. Llegada la Transición y el auge comercial del destape, del que pronto se desvincula, enfoca su carrera hacia producciones que reúnan cierta calidad y compromiso, a menudo de temática social, política o histórica, motivada por el pensamiento que acompaña cada guion.

En 1976 rechaza protagonizar Cambio de sexo, de Vicente Aranda, mientras asume papeles relevantes en La ciutat cremada, de Antoni Ribas y en Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino. Un año antes es propuesta para el papel que interpreta Alicia Sánchez en Furtivos, de José Luis Borau, con quien más tarde trabaja en La Sabina (1979). Luis Buñuel la elige en 1977 para protagonizar, junto a Fernando Rey, Ese oscuro objeto del deseo, película que le proporciona renombre internacional y le abre las puertas de la cinematografía europea. En ella comparte personaje con la actriz francesa Carole Bouquet y exhibe un temperamento vivo y enigmático, que luego trata de combinar con su aspecto dulce y suave. Buñuel afirma de ella que posee «el rostro de una virgen pagana», afianzando así el mito de mujer instintiva y pasional que conserva en su mirada cierto primitivismo.

Por entonces y a lo largo de la década de 1980, Ángela Molina se convierte en rostro habitual de la gran pantalla, reafirma su presencia en España y la amplía en Francia e Italia, con incursiones en el cine alemán y norteamericano. Habla varios idiomas, por lo que a menudo no necesita ser doblada.

Con Emilio Gutiérrez Caba encabeza el reparto de Gran Reserva, la principal apuesta de ficción de TVE-1 para 2010. Continúa vinculada al buen cine de autor y asegura preferir «el cine de directores que cuentan algo porque, si no lo hacen, revientan...».5 Su voz frágil aunque cálida y una dicción a veces muy discutida, no devalúan un estilo interpretativo realista de notable autenticidad y capacidad improvisadora. En reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica, recibe en 2002 el primer Premio Málaga otorgado en el marco del Festival de Cine Español de Málaga e inaugura un monolito en su honor en el Paseo Antonio Banderas de la ciudad andaluza. Ángela Molina tiene tres hijos de su primera unión con el fotógrafo y realizador francés Hervé Tirmarche, y dos (la última nacida en 2003) con su actual marido, Leo Blakstad.

Filmografía

Blancanieves, de Pablo Berger (en prod.).

Memoria de mis putas tristes, de Henning Carlsen (en prod.).

Amaro amore, de Francesco Henderson Pepe (en prod.)

Vidas pequeñas, de Enrique Gabriel (2011).

Carne de neón, de Paco Cabezas (2011).

The Way, de Emilio Estévez (2010).

Barbarossa, de Renzo Martinelli (2009).

Baarìa, de Giuseppe Tornatore (2009).

Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar (2009).

Diario de una ninfómana, de Christian Molina (2008).

Un château en Espagne, de Isabelle Doval (2008).

El destino de Nunik, de Paolo y Vittorio Taviani (2007).

La caja, de Juan Carlos Falcón (2007).

La desconocida (La sconosciuta), de Giuseppe Tornatore (2006).

La sacra famiglia, de Raffaele Mertes (2006).

Los Borgia, de Antonio Hernández (2006).

El triunfo, de Mireia Ros (2006).

Al sur de Granada, de Fernando Colomo (2003).

El verano de Anna (Annas Sommer), de Jeanine Meerapfel (2002).

Carnages, de Delphine Gleize (2002).

Nowhere, de Luis Sepúlveda (2002).

Piedras, de Ramón Salazar (2002).

Un delitto impossibile, de Antonio Luigi Grimaldi (2001).

Malefemmene, de Fabio Conversi (2001).

Punto de mira (One of the Hollywood Ten), de Karl Francis (2001).

Sagitario, de Vicente Molina Foix (2001).

L'origine du monde, de Jérôme Enrico (2001).

El mar, de Agustí Villaronga (2000).

Jara, de Manuel Estudillo (2000).

El viento se llevó lo que, de Alejandro Agresti (1998).

Carne trémula, de Pedro Almodóvar (1997).

Sin querer, de Ciro Cappellari (1997).

Edipo alcalde, de Jorge Alí Triana (1996).

Gimlet, de José Luis Acosta (1995).

¡Oh, cielos!, de Ricardo Franco (1995).

Las cosas del querer 2, de Jaime Chávarri (1995).

Con los ojos cerrados (Con gli occhi chiusi), de Francesca Archibugi (1994).

El baile de las ánimas, de Pedro Carvajal (1994).

Mal de amores, de Carlos Balagué (1993).

Coitado do Jorge, de Jorge Silva Melo (1993).

Una mujer bajo la lluvia, de Gerardo Vera (1992).

Krapatchouk: al este del desdén (Krapatchouk), de Enrique Gabriel (1992).

1492: La Conquista del Paraíso (1492: Conquest of Paradise), de Ridley Scott (1992). Martes de Carnaval, de Fernando Bauluz y Pedro Carvajal (1991).

El ladrón de niños (Le voleur d'enfants), de Christian de Chalonge (1991).

El hombre que perdió su sombra, de Alain Tanner (1991).

Sandino, de Miguel Littín (1991).

Volevo i pantaloni, de Maurizio Ponzi (1990).

La Batalla de los Tres Reyes, de Souheil Ben-Barka y Uchkun Nazarov (1990).

Las cosas del querer, de Jaime Chávarri (1989).

La barbare, de Mireille Darc (1989).

Los ángeles, de Jacob Berger (1989).

Río Negro, de Atahualpa Lichy (1989).

Barroco, de Paul Leduc (1989).

Esquilache, de Josefina Molina (1989).

Via Paradiso, de Luciano Odorisio (1988).

Luces y sombras, de Jaime Camino (1988).

Laura, del cielo llega la noche, de Gonzalo Herralde (1987).

Fuegos, de Alfredo Arias (1987).

La esposa era bellísima, de Pál Gábor (1986).

La mitad del cielo, de Manuel Gutiérrez Aragón (1986).

Streets of gold, de Joe Roth (1986).

Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti), de Lina Wertmüller (1986).

Lola, de Bigas Luna (1986).

El río de oro, de Jaime Chávarri (1986).

Bras de fer, de Gérard Vergez (1985).

Fuego eterno, de José Ángel Rebolledo (1984).

Bearn o La sala de las muñecas, de Jaime Chávarri (1983).

Dies rigorose Leben, de Vadim Glowna (1983).

Demonios en el jardín, de Manuel Gutiérrez Aragón (1982).

Gli occhi, la bocca, de Marco Bellocchio (1982).

Operación Ogro, de Gillo Pontecorvo (1980).

Kaltgestellt, de Bernhard Sinkel (1980).

La Sabina, de José Luis Borau (1979).

Le buone notizie, de Elio Petri (1979).

El corazón del bosque, de Manuel Gutiérrez Aragón (1979).

La portentosa vida del pare Vicent, de Carles Mira (1978).

Viva/muera Don Juan, de Tomás Aznar (1978).

El hombre que supo amar, de Miguel Picazo (1978).

Los restos del naufragio, de Ricardo Franco (1978).

El gran atasco (L'ingorgo - Una storia impossibile), de Luigi Comencini (1978).

A un dios desconocido, de Jaime Chávarri (1977).

Ese oscuro objeto del deseo, de Luis Buñuel (1977).

Nunca es tarde, de Jaime de Armiñán (1977).

Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón (1977).

Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino (1976).

La ciutat cremada, de Antoni Ribas (1976).

Las protegidas, de Francisco Lara Polop (1975).

No quiero perder la honra, de Eugenio Martín (1975).

No matarás, de César F. Ardavín (1974)

ANA BELÉN

2011-11-19T07:38:00.000-08:00

Ana Belén, cuyo nombre real es María del Pilar Cuesta Acosta, (n. Madrid, España; 27 de mayo de 1951) es una cantante, directora y actriz española. Está casada con el cantautor asturiano Víctor Manuel, su pareja artística en muchas ocasiones. Tras más de cuarenta años de profesión, su carrera artística cuenta con más de cuarenta películas, una veintena de obras de teatro y más de treinta y cinco discos. A lo largo de su carrera, Ana Belén ha vendido más de tres millones de álbumes a nivel nacional e internacional, y sus espectáculos musicales han recorrido España y Latinoamérica y ha sido nominada en dos ocasiones al Grammy Latino.

na Belén se crió en el seno de una familia humilde en la calle del Oso, junto a la glorieta de Embajadores del barrio de Lavapiés (Madrid, España). Es la mayor de tres hermanos. Su padre era cocinero en el Hotel Palace y su madre portera de una finca. Pasaba los veranos de su niñez en Cabezuela (Segovia), de donde es su padre y de donde era su abuela, Matilde Bravo, que ejercía de maestra en la escuela del pueblo. Estudió en el colegio de las Damas Apostólicas; allí tuvo su primera salida a escena para actuar en un cuento que se titulaba El enanito saltarín. Desde muy pequeña sintió una vocación artística y por ello, al mismo tiempo que estudiaba solfeo y piano con el maestro Estebarena, que vivía en su misma calle, comenzó a inscribirse en concursos radiofónicos infantiles, algunos como Gran Vía o Conozca usted a sus vecinos, en los que cantaba canciones de moda como La novia, La flor de la canela, Nena de Sara Montiel o Tómbola de Marisol. Participó en un concurso de Radio España a los diez años que se llamaba Vale todo, dirigido por Bobby Deglané en la Gran Vía madrileña; se inscribió en el apartado de música moderna e interpretó La novia. Ese año no ganó el concurso, pero sí al año siguiente, con la canción La flor de la canela, famosa canción de la cantautora peruana Chabuca Granda que cantaba por entonces con una gran repercusión María Dolores Pradera. Estuvo en otros concursos con Juan de Toro, en Radio Madrid, donde cantó cuatro canciones acompañada del maestro Aguayo (El ritmo de la lluvia, Cúlpale a la bossa nova, La novia y La flor de la canela).

En 1964 ya era conocida en las emisoras de radio como una nueva niña prodigio, con el nombre de Mari Pili Cuesta, al estilo de Rocío Dúrcal o Marisol, a quien Ana Belén admiraba mucho. A los 13 años grabó sus primeras canciones , de las cuales la más promocionada fue Qué difícil es tener 18 años. Pronto empezó a trabajar de forma fija en Radio Madrid para cubrir un hueco que había dejado Rocío Dúrcal, hasta que la productora Época Films se interesó por ella y le firmó un contrato por cuatro años para rodar cuatro películas musicales infantiles.

Su primera intervención en el cine con Época Films en conjunción con Benito Perojo, a los 13 años, fue en la película musical infantil Zampo y yo, trabajando con el actor Fernando Rey bajo la dirección de Luis Lucia Mingarro. Mari Pili interpretaba a una niña rica, hija de un empresario, que entabla una tierna amistad con un payaso de circo ambulante. En la película canta varias canciones que se llegaron a grabar en un disco con la BSO (Banda Sonora Original), que incluía canciones como Esta noche, Un mundo mágico o Muy cerca de ti. Esta última fue grabada con posterioridad por Kaka de Luxe, grupo musical punk de la Movida madrileña liderado por Olvido Gara. Los responsables de la música original de la película fueron Augusto Algueró y Adolfo Waitzman. La cinta, estrenada en 1965, no tuvo el éxito esperado, hecho que impidió la realización de las otras tres películas previstas en el contrato con Época Films. Fue esta productora la que le otorgó el nombre artístico de Ana Belén, después de pensar para ella otros muchos nombres como María José

En 1979 Ana Belén protagonizó junto a Maribel Martín, Manuel Alexandre, Paco Rabal, Mary Carrillo, Fernando Fernán Gómez, Charo López y María Luisa Ponte entre otros actores, la serie Fortunata y Jacinta, basada en la obra de Benito Pérez Galdós y dirigida por Mario Camus. La serie, emitida por Televisión Española, tuvo una importante repercusión tanto de crítica como de público. Se emitió con éxito en países como Francia, Italia, Países Bajos, República Checa, Argentina y en el resto de América Latina. Por su interpretación en esta serie de diez capítulos, Ana Belén recibió el Fotogramas de Plata a la mejor actriz de televisión por votación de los lectores. Actualmente sigue siendo con diferencia su mayor éxito televisivo, con el que también recibió el TP de Oro por votación de los lectores como mejor actriz televisiva.

Filmografía como actriz y directora

Zampo y yo 1965

Españolas en París 1971

Aunque la hormona se vista de seda 1971

Morbo 1972

Separación matrimonial 1973

Al diablo con amor 1973

Tormento 1974

Vida conyugal sana s 1974

El amor del capitán Brando Jaime de Armiñán 1974

Jo, papá Jaime de Armiñán 1975

La petición 1976

Emilia... parada y fonda 1976

La criatura Eloy de la Iglesia 1977

La oscura historia de la prima Montse 1978

Sonámbulos 1978

Jaque a la dama 1979

El Buscón 1979

Cuentos eróticos 1980

La colmena 1982

Demonios en el jardín 1982

La Corte de Faraón 1985

Sé infiel y no mires con quién 1985

Adiós pequeña 1986

La casa de Bernarda Alba 1987

Divinas palabras 1987

Miss Caribe 1988

El vuelo de la paloma 1989

Cómo ser mujer y no morir en el intento 1991

Después del sueño 1992

Rosa rosae 1993

El marido perfecto 1993

Tirano Banderas 1993

La pasión turca 1994

Libertarias Vicente Aranda 1996

El amor perjudica seriamente la salud 1996

Cada día hay más besos (cortometraje) 1999

Antigua vida mía 2001

Cosas que hacen que la vida valga la pena

ANDIE MACDOWELL

2011-11-19T07:36:00.000-08:00

Andie MacDowell (Gaffney, Carolina del Sur, 21 de abril de 1958). Es una modelo y actriz estadounidense.

Nació en Gaffney, en el estado de Carolina del Sur, con el nombre de Rosalie Anderson MacDowell, y tiene tres hermanas. Cuando tenía 6 años sus padres se divorciaron y su madre sufrió una depresión que la convirtió en alcohólica.[cita requerida] Tiene un sobrino llamado Cristian MacDowell que sigue sus pasos como modelo aunque ha dicho "Esto es un hobby y nada más" pero tiene tanto atractivo como Andie.

MacDowell fue al colegio hasta 1978, año en el que decidió trasladarse a Nueva York. Allí comenzó a trabajar como modelo, después de haber firmado un contrato con una agencia.

Al cabo de un tiempo ya era muy solicitada y se convirtió en la modelo de la firma de cosmética y productos para el cabello L'Oréal, que divulgó ampliamente su imagen. En la actualidad MacDowell mantiene todavía una relación profesional con esta firma.

A raíz de una serie de spots publicitarios de televisión que hizo para Calvin Klein la industria del cine se fijó en ella. En 1984 le fue ofrecido su primer papel en la película Greystoke, la leyenda de Tarzán, el rey de los monos junto a Christopher Lambert. Fue un buen comienzo para MacDowell, aunque los productores no quedaron satisfechos con su acento sureño que no correspondía al de una aristócrata inglesa, por lo que contrataron a Glenn Close para doblar íntegramente su personaje. Al año siguiente sólo obtuvo un papel menor en St. Elmo's fire, de manera que su carrera en el cine parecía haber llegado a su fin.

Cuatro años más tarde, en 1989, su carrera de actriz volvió a su cauce al ofrecerle el director de Sexo, mentiras y cintas de video un papel protagonista, lo que le dio la oportunidad de demostrar que no sólo era atractiva sino también una actriz con dotes de interpretación.

Al año siguiente volvió a tener un éxito considerable con la película Green card. Ambos filmes le valieron una nominación a los Globos de Oro. Su mayor éxito de taquilla fue, no obstante, Cuatro bodas y un funeral, junto a Hugh Grant.

MacDowell estuvo casada por primera vez entre 1986 y 1999, año en que se divorció. De este matrimonio tiene un hijo y dos hijas. Se volvió a casar con el hombre de negocios de Atlanta Rhett Hartzog desde 2001 hasta 2004.

Filmografía

Monte Carlo (2011)

Daydream Nation (2010)

Beauty Shop (2005)

Ginostra (2002)

Crush (2001)

Town & country (2001)

Harrison's flowers (2000)

Muppets from Space (1999)

Reaching normal (1999)

The muse (1999)

Muppets from space (1999)

Just the ticket (1999)

Shadrach (1998)

The end of violence (1997)

Michael (1996)

Mis dobles, mi mujer y yo (1996)

Unstrung heroes (1995)

Cuatro mujeres y un destino (Bad Girls) (1994)

Cuatro bodas y un funeral (1994)

Vidas cruzadas (1993)

Ruby Cairo (1993)

Atrapado en el tiempo (1993)

El juego de Hollywood (1992)

El gran halcón (1991)

The object of beauty (1991)

Matrimonio de conveniencia (1990)

Sexo, mentiras y cintas de video (1989)

St. Elmo's fire (1985)

Greystoke: la leyenda de Tarzán (1984)

ADRIENNE BARBEAU

2011-11-17T05:35:00.000-08:00

Adrienne Jo Barbeau (Sacramento, California, EE.UU., 11 de junio de 1945) es una actriz de voz y actriz estadounidense.

Fue la voz de la Catwoman en los dibujos Batman: The Animated Series y The New Batman Adventures.

Filmografía

2007 - Halloween

2004 - Ring of Darkness ( vídeo )

2003 - 2005 - Carnivale

2003 - The Reckoning

2001 - No Place Like Home

2000 - Across the Line

2000 - The Convent

1999 - A Wake In Providence

1998 - Scooby-Doo on Zombie Island (vídeo) - Simone (voz)

1997 - Bimbo Movie

1994 - Silk Degrees

1993 - Father Hood

1990 - Two Evil Eyes -

1989 - Jungle Heat

1987 - Open House

1986 - Back to School

1984 - The Next One

1982 - Creepshow - Wilma Northrup (segmento "The Crate")

1982 - The Thing - Voz de la Computadora

1982 - Swamp Thing

1981 - (Escape from New York -

1981 - The Cannonball Run

1980 - (The Fog)

1978 - (Someone's Watching Me!

AVA GARDNER

2011-11-17T05:32:00.000-08:00

Ava Lavinia Gardner (Brogden, Carolina del Norte, 24 de diciembre de 1922 - Londres, 25 de enero de 1990) fue una actriz del cine clásico estadounidense nominada a los Premios Óscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y como uno de los mitos del Séptimo Arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue "el animal más bello del mundo.

Ava Gardner nació en 1922 en la pequeña comunidad rural de Brogden, en el estado de Carolina del Norte. Creció en el ambiente rústico del campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la menor. Su madre, Molly, era una mujer bautista de orígenes irlando-escoceses e ingleses y su padre, Jonas Bailey Gardner, era un hombre católico de ascendencia irlando-americana e indoamericana (Tuscarora). Cuando los hermanos aún eran pequeños, la familia Gardner perdió la propiedad que tenía en Brogden y Jonas Gardner se vio obligado a trabajar como aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en el colegio mayor de Brogden.

Al cumplir Ava 13 años, toda la familia se trasladó a Newport News, en el estado de Virginia, esperando mejorar su suerte. Pero, en poco tiempo, ante las dificultades de encontrar empleo, tuvieron que volver a mudarse a Rock Ridge, un suburbio de Wilson (Carolina del Norte). El año 1935 su padre, Jonas Gardner, murió de bronquitis y Ava y algunos de sus hermanos decidieron acudir a la escuela de Rock Ridge con el fin de graduarse. De esta forma, Ava pudo ir posteriormente a clases de secretariado en el Atlantic City Christian College.

Con 18 años, Ava se había convertido en una bella joven de ojos verdes y una preciosa melena de color castaño. Así, el año 1941, mientras estaba visitando a su hermana Beatriz en Nueva York, el marido de ésta, que era fotógrafo, le pidió si le podía hacer algunas fotos y, satisfecho con el resultado, decidió colgarlas en el escaparate de su Estudio Fotográfico de la Quinta Avenida.

Dio la casualidad de que, mientras sus fotografías estaban expuestas en el establecimiento de su cuñado, Barnard "Barney" Duhan, un cazatalentos de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, las vio y decidió ponerse en contacto con ella. Duhan entró en la tienda y pidió su número de teléfono pero, no consiguió que nadie se lo diera. Finalmente, se fue comentando que "alguien tenía que enviar información de ella a la MGM" y su hermana lo hizo inmediatamente. En poco tiempo, Ava, que aún era una estudiante del Atlantic Christian College, viajó de nuevo a Nueva York para entrevistarse con los directivos que la MGM tenía en las oficinas de la ciudad y aquel mismo año se le ofreció un contrato de siete años con la compañía. En 1941 dejó la escuela para ir a Hollywood con su hermana Beatriz y lo primero que hizo fue ir a clases de arte dramático y de dicción ya que su acento de Carolina del Norte era prácticamente incomprensible.

Fue en el año 1942 cuando comenzó a intervenir como protagonista en películas y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), una comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Béla Lugosi, o Three men in white de 1944, una comedia-drama de médicos en la que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore.

Su gran oportunidad llegó en 1946 con dos títulos: el thriller Whistle stop, en el que tiene un papel principal junto al mítico -y hoy olvidado- George Raft; y el drama negro basado en una historia de Ernest Hemingway Los asesinos, donde se lucía junto a un también jovencísimo Burt Lancaster y al siempre excelente Edmond O´Brien. Esta última película será la que la ponga en el mapa dentro de la industria de Hollywood.

En los siguientes años despunta en The hucksters (junto a Clark Gable), Venus era mujer (comedia más bien bobalicona pero simpática) y Soborno (1949), estupendo thriller dramático donde actúa maravillosamente junto a Robert Taylor, según la leyenda otra de sus conquistas amorosas.

A partir de aquí, comienza su reinado como estrella encadenando producciones de muchos medios para los grandes estudios, y realizando memorables interpretaciones. Sobresalen: El gran pecador (drama moral -que no moralista- con grandes trabajos de Gregory Peck y Ethel Barrymore y un guion impecable, donde Ava está bellísima), Mundos opuestos (1949, donde la actriz encaja perfectamente en pantalla junto a los siempre magníficos James Mason, Barbara Stanwyck y Van Heflin), Pandora y el holandés errante (1951), fascinante drama onírico-vanguardista, donde Ava actuaba con James Mason y otra de sus sonadas conquistas, el torero Mario Cabré, rodando el film parcialmente en España y llenando los titulares de la prensa de la época. En esta etapa comienzan sus escalas en Madrid, sus estancias en España y sus amores (con Luis Miguel Dominguín, etc).

Rodó Magnolia, remake de una legendaria obra musical de Broadway, donde actuó con convicción y buen hacer, aunque finalmente los productores decidieran que no utilizase su propia voz en las partes cantadas. Trabajó con Howard Keel y Agnes Moorehead. Luego actuó en Mi pasado prohibido junto a Robert Mitchum (1951), con quien mantuvo otro de sus affaires. Siguieron las películas: Las nieves del Kilimanjaro (su segunda obra de Hemingway, en África y junto a Gregory Peck y Susan Hayward) y Mogambo (1953), film de inusitada popularidad dirigido por John Ford y donde Ava se «merendaba» a la bella Grace Kelly -interpretativamente hablando- y brillaba con maestría (fue justamente nominada al Oscar) al lado de un imponente Clark Gable.

Tras Los caballeros del rey Arturo, clásico del cine de aventuras medievales, con Robert Taylor y Mel Ferrer en lujosa producción de la Metro, Ava comienza a atravesar algunos problemas personales y de salud. Todavía brilla en La condesa descalza, en un papel inspirado en la vida de Rita Hayworth, donde da lo mejor de sí misma y logra una de sus mejores caracterizaciones -si no la mejor-, acompañada nada menos que por Humphrey Bogart, y también de Edmond O´Brien, Rossano Brazzi y Valentina Cortese.

Luego llegan films de menor éxito y/o entidad pero en los que se disfruta con la presencia de la actriz: el drama romántico-de aventuras Destinos cruzados (junto a Stewart Granger), la comedia de origen teatral La cabaña (junto a David Niven), su tercer Hemingway llamado en España Fiesta (al lado de Tyrone Power en una de sus últimas interpretaciones), la biografía de la Duquesa de Alba en La Maja Desnuda (1958; con Tony Franciosa encarnando a Goya) y el drama On the Beach ( La hora final, en España), sobre las consecuencias de la explosión de una bomba nuclear, que Stanley Kramer rodó en 1959 y donde Ava realizó una de sus mejores composiciones al lado de Gregory Peck y Fred Astaire.

Durante todo este tiempo, la actriz fue encasillada como estrella de gran atractivo físico, calificada por la publicidad de su estudio como «el animal más bello del mundo», slogan que Ava odiaba.

Los años 60 van a cambiar todo esto, tanto porque Ava Gardner va envejeciendo como porque cambian los gustos del público. En 1960 actúa en El angel vestía de rojo junto a su amigo Dirk Bogarde, película que tuvo que ser rodada en Italia, pese a estar ambientada durante la Guerra civil española.

Ella encuentra mayor dificultad a la hora de encontrar papeles de altura, o al desechar títulos memorables como Dulce pájaro de juventud, La Pantera Rosa o El Graduado, entre otros. No obstante, tres películas sobresalen de esta etapa: en 55 días en Pekín (1963), realiza una memorable encarnación de una condesa arruinada en medio de una revolución anticolonial, con Charlton Heston y David Niven a su lado. Siete días de mayo (1963) es casi la mejor película norteamericana de trasfondo político de la década, y una de las mejores de su director -John Frankenheimer- donde Ava compartía cartel con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Fredric March). Por último, en 1964 protagonizó La noche de la iguana (dirigida por John Huston y basada en la obra teatral de Tennessee Williams), destacándose junto a Richard Burton y Deborah Kerr.

Sin embargo, merecen recordarse también sus apariciones en películas que no tuvieron tanta fortuna comercial o artística: La Biblia (1966), superproducción dirigida por John Huston, y Mayerling (1968), en la que trabajó con Omar Sharif y Catherine Deneuve.

A partir de 1969 Gardner se instaló en Londres, donde vivió parcialmente retirada. En este año actúa bajo las órdenes del actor/director Roddy McDowall en el filme La balada de Tam Lin donde McDowall le rinde un homenaje a su belleza. Esta película fue reeditada y lanzada en 1972 bajo el título La viuda diabólica.

Dos películas de los años 70, El juez de la horca (1972) y Terremoto (1974) fueron grandes éxitos, cintas dignas y bastante apreciables y buenas interpretaciones de Ava y su espléndida madurez física. También destaca en un entretenido thriller británico de 1975 donde la actriz compartía protagonismo con el inolvidable Dirk Bogarde y con Timothy Dalton: El hombre que decidía la muerte. Por último, Gardner descollaba en la fantasía de estrepitoso fracaso comercial El pájaro azul (1976), junto a Elizabeth Taylor, Jane Fonda y Cicely Tyson, primera coproducción en plena guerra fría entre EE.UU. y la ex Unión Soviética.

Posteriormente intervino en el filme de género catástrofe El puente de Cassandra (1977) junto a Sophia Loren, Burt Lancaster, Richard Harris, Martin Sheen y O.J. Simpson, en la interesante cinta de terror La centinela (al lado de Christina Raines y Chris Sarandon) (1977), en Ciudad en llamas (1979) y en un drama de intriga donde ya realizaba un papel muy secundario pero todavía jugoso: El secuestro del presidente (1980), donde el susodicho era el notable Hal Holbrook). Actuó también en el filme biográfico del escritor D.H. Lawrence, El Sacerdote del Amor (1981), junto a Ian McKellen.

Su último trabajo para el cine fue en 1982 en Regina, junto a Anthony Quinn, rodada íntegramente en Cinecittá, donde componía a una mamma posesiva y tirana. Esta película no fue estrenada comercialmente, y fue conocida a través del VHS. Intervino más tarde en varias producciones para la televisión, como Harem, junto a Omar Sharif, y Knots Landing. También participaría en la serie Anno Domini, donde interpreta a Agripina, la inescrupulosa madre del emperador Nerón, y en una nueva versión de El largo y cálido verano, junto a Jason Robards, Don Johnson y Cybil Shepperd. Su última labor actoral la realizó en el piloto de una serie televisiva junto a Stefanie Powers, titulada Maggie, que no llegó a estrenarse.

Ava Gardner estuvo pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes a quien rechazó su propuesta matrimonial varias veces pero del que se aprovechó de sus regalos ostentosos. Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con el actor Mickey Rooney, que duró menos de un año. El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve. Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tormentosos años entre 1951 y 1957, relación que hizo correr ríos de tinta, y que fue seguramente el amor de su vida, así como ella el de él. Se cuenta que aún en su vejez, escuchaba en su casa los discos de Frank. Sufrió de cáncer uterino y se sometió a una intervención donde le practicaron una histerectomía. Murió en Londres de una neumonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.

Filmografía

The long hot summer (TV, Un largo y cálido verano, 1985)

Knots Landing (TV, 1985)

Harem (TV, 1985)

A.D. Anno Domini (TV, 1984)

Regina Roma (íd., 1982)

Priest of Love ("Sacerdote del amor", 1981)

The Kidnapping of the President ("El secuestro del presidente", 1980)

City on Fire ("Emergencia", 1979, Alvin Rakoff)

The Sentinel ("La centinela", 1977, Michael Winner)

El puente de Casandra (1977, George Pan Cosmatos)

The Blue Bird ("El pájaro azúl", 1976, George Cukor)

Permission to Kill ("El hombre que decidía la muerte", 1975,

Terremoto (1974, Mark Robson)

The Life and Times of Judge Roy Bean ("El juez de la horca", 1972, John Huston)

The Ballad of Tam Lin. (1969) aka: The Devil's Widow (1972)

Go west (1971) (F.A.D)

Mayerling (íd., 1968, Terence Young)

La biblia ("The bible", 1966, John Huston)

La noche de la iguana ("The night of iguana", 1964, John Huston)

Siete días de mayo (1964, John Frankenheimer)

55 días en Pekín ("55 days at Peking", 1963, Nicholas Ray)

The Angel Wore Red ("Los ángeles visten de rojo", 1960

La hora final (1959, Stanley Kramer)

La maja desnuda (1959)

Sun Also Rises, The ("Fiesta", 1957)

Little Hut, The ("La cabaña", 1957, Mark Robson)

Bhowani Junction ("Cruce de destinos", 1956, George Cukor)

La condesa descalza (1954, Joseph L. Mankiewicz)

Knights of the Round Table ("Los caballeros del rey Arturo", 1953, Richard Thorpe)

Mogambo (íd., 1953, John Ford)

Ride, Vaquero! (1953, John Farrow)

Las nieves del Kilimanjaro (1952, Henry King)

Lone Star ("Estrella del destino", 1952, Vincent Sherman)

Show Boat ("Magnolia", 1951, George Sidney)

My Forbidden Past ("Odio y orgullo", 1951, Robert Stevenson)

Pandora y el holandés errante (1951, Albert Lewin)

East Side, West Side ("Mundos opuestos", 1949, Mervyn LeRoy)

The Great Sinner ("El gran pecador, 1949, Robert Siodmak)

The Bribe ("Soborno", 1949, Robert Z. Leonard)

One Touch of Venus ("Venus era mujer", 1948, William A. Seiter)

The Hucksters (1947)

Singapore (1947)

The Killers ( Forajidos' en españa, 1946, Robert Siodmak)

Whistle Stop (íd., 1946)

She Went to the Races (1945)

Three Men in White (1944)

Maisie Goes to Reno (1944)

Ghosts on the Loose ("La casa encantada", 1943)

Mighty Lak a Goat (1942)

Joe Smith, American (1942)

AUDREY HEPBURN

2011-11-17T05:29:00.000-08:00

Audrey Hepburn (Ixelles/Elsene, Bélgica, 4 de mayo de 1929 – Tolochenaz, Suiza, 20 de enero de 1993) fue una actriz anglo-belga, ganadora del Óscar y del premio Tony. Es conocida por ser la primera actriz que impuso la tendencia de la elegancia natural en vez la sofisticación del glamour. Fue la pionera de las «muchachas no divas» que son toda una pauta de nuestra época. Sin embargo su innovación, su prefiguración de la espontaneidad juvenil, la «cara de ángel» con su frescura que lucía en pantalla y su forma de vestir, que impuso estilos y modas, la transformaron para la historia del cine como otro de los mitos del séptimo arte. Además, Audrey Hepburn es también reconocida por ser bailarina, modelo y por sus abundantes acciones humanitarias.

El American Film Institute la considera la tercera mejor estrella femenina de todos los tiempos.

Nacida como Audrey Kathleen Ruston en Ixelles/Elsene, un municipio de Bruselas, Bélgica. Era la única hija del inglés Joseph Victor Anthony Ruston y de su segunda esposa, la baronesa Ella Van Heemstra, una aristócrata holandesa que era hija del ex gobernador de la Guayana holandesa (Surinam). El padre de la futura actriz añadió más adelante el apellido de su abuela materna, Kathleen Hepburn, a la familia; y su apellido se convirtió en Hepburn-Ruston. Tenía dos hermanastros, fruto de un primer matrimonio de su madre con el jonkheer Hendrik Gustaaf Adolf Quarles van Ufford: jonkheer Arnoud Roberto Alexander “Alex” Quarles van Ufford y jonkheer Ian Edgar Bruce Quarles van Ufford. Ella van Hemstra era descendiente del rey Eduardo III de Inglaterra y del consorte escocés James Hepburn, cuarto Conde de Bothwell, de quien Katharine Hepburn también se considera descendiente.

El padre de Hepburn trabajó con una compañía de seguros en Gran Bretaña, lo cual significó que la familia tuvo la oportunidad de viajar a menudo entre Bruselas, Inglaterra y los Países Bajos. Entre 1935 y 1938 Hepburn estudió en una academia privada y femenina en Kent, Inglaterra.

En 1935 sus padres se divorciaron, y su padre, simpatizante nazi, abandonó a la familia. Ambos padres eran miembros de la unión británica de fascistas a mediados de los años treinta, según Unity Mitford, amiga de Ella van Heemstra y seguidora de Adolf Hitler. Audrey llamó más adelante a este hecho «el momento más traumático de su vida». No sería hasta mucho más adelante cuando consiguió localizar a su padre en Dublín a través de la Cruz Roja. Desde entonces permaneció en contacto con él y lo apoyó financieramente hasta su muerte.

En 1939 se trasladó con su madre y sus dos hermanastros a la casa de su abuelo en Arnhem, Países Bajos. Pensaban que Holanda era un lugar seguro para evitar al ejército nazi. Hepburn acudió al conservatorio de Arnhem entre 1939 y 1945, donde estudió piano y ballet clásico, los cuales compaginaba con sus estudios escolares.

Durante su juventud Audrey sufrió la Segunda Guerra Mundial, primero en Bélgica y luego en Holanda, de donde era originaria su madre. Para evitar que sus orígenes ingleses se revelaran, la madre de Audrey la llamaba Edda Van Heemstra, como ella, y la obligó a hablar holandés. Audrey hablaba perfectamente inglés, francés, holandés e italiano, se defendía con el alemán y también un poco en español. Estudió para ser bailarina, pero la guerra hizo estragos en su constitución, así que, pese a seguir estudiando y practicando, Audrey se vio en la disyuntiva de elegir una nueva profesión, que fue la de actriz.

En 1944 Hepburn ya era una buena bailarina y, durante esta época, bailaba secretamente. El dinero que recaudaba lo donaba a la resistencia holandesa. Sobre esta época dijo más adelante: «El mejor público que he tenido; no hacía ni un solo sonido al terminar mi actuación».

Con el desembarco de las tropas aliadas en Normandía el día D, las cosas en Holanda empeoraron drásticamente. Durante el invierno de 1944 los alemanes confiscaron los alimentos y combustibles de la población holandesa. Sin comida ni calor en los hogares, la gente moría de hambre y frío en las calles. Hepburn y muchos otros hacían harina a partir de tulipanes con los que podían cocinar galletas y tartas. La ciudad holandesa de Arnhem fue devastada durante el bombardeo aliado, como parte de la fallida operación Market Garden. Su tío y un primo de su madre fueron fusilados como miembros de la resistencia, su hermano Ian fue capturado y estuvo en un campo de trabajo. Las carencias alimenticias se hicieron patentes y Audrey sufrió anemia y problemas respiratorios. En 1991 Audrey dijo: «Tengo recuerdos. Recuerdo de estar en la estación de tren, veía como se llevaban a los judíos, y recuerdo en particular a un niño con sus padres, muy pálido, muy rubio, usando un abrigo que le quedaba muy grande, entrando en el tren. Yo era una niña, observando a un niño».

Audrey también notó las semejanzas entre ella y Ana Frank. «Tenía exactamente la misma edad que Ana Frank. Ambas teníamos 10 cuando empezó la guerra y 15 cuando acabó. Un amigo me dio el libro de Ana en holandés en 1947. Lo leí y me destruyó. El libro tiene ese efecto sobre muchos lectores, pero yo no lo veía así, no sólo como páginas impresas; era mi vida. No sabía lo que iba a leer. No he vuelto a ser la misma, me afectó profundamente».

«Vimos fusilamientos. Vimos a hombres jóvenes ponerse contra la pared y ser tiroteados. Cerraban la calle y después la volvían a abrir y podías pasar por ese mismo lugar. Tengo marcado un lugar en el diario, en el cual Ana (Frank) dice que han fusilado a cinco rehenes. Ése fue el día en que fusilaron a mi tío. En las palabras de esa niña yo leía lo que aún sentía en mi interior. Esa niña que había vivido entre cuatro paredes había hecho un reportaje completo de todo lo que había vivido y sentido».

Pero esos terribles años no eran del todo malos, y Audrey podía vivir algo su niñez. Siguiendo con los paralelismos con la vida de Anne Frank, dice: «El espíritu de supervivencia es muy fuerte en las palabras de Ana Frank. En un momento dice “estoy deprimida” y al siguiente te habla de que quiere montar en bici. Ella es la muestra de una infancia en terribles circunstancias».

Una manera con la cual Audrey Hepburn pasaba el tiempo era dibujando. Algunos de sus dibujos pueden verse hoy día.

El país fue liberado por las fuerzas aliadas y Naciones Unidas intervino en el mismo. Hepburn dijo en una entrevista que se comió un paquete entero de leche condensada y que se puso enferma por el exceso de azúcar. Estas experiencias contribuyeron a que Audrey estuviera siempre al lado de UNICEF durante el resto de su vida.

En 1945, al finalizar la guerra, Audrey abandonó el conservatorio de Arnhem y se mudó a Ámsterdam donde tomó clases de ballet con Sonia Gaskell. En 1948 se fue a Londres y siguió estudiando ballet, esta vez de mano de la reconocida Marie Rambert, profesora de Vaslav Nijinsky, uno de los mayores bailarines de la historia de la danza. De vez en cuando Hepburn le preguntaba a Rambert sobre su futuro, a lo que ella le respondía que podría seguir allí y tener una gran carrera. El hecho de que fuera relativamente alta (1,67 m), sumado a su delgadez a causa de la malnutrición durante la ocupación alemana, le permitiría tener un buen futuro como bailarina. Audrey confió en su mentora y continuó estudiando ballet, con la esperanza de ser una gran bailarina. Rambert dijo después sobre Audrey: «Era una estudiante maravillosa; si hubiera seguido, podría haberse convertido en una bailarina excepcional». Desafortunadamente, la situación económica de la familia Hepburn no le permitiría continuar con sus estudios, y Audrey, necesitada de dinero, se replanteó el empezar a actuar, ya que esta profesión estaba mejor pagada que la de bailarina.

Su carrera como actriz comenzaría con el film educativo Holandés en siete lecciones. Después actuó en producciones musicales como High Button Shoes y Sauce Piquante. Su primer papel en una película fue en el film inglés One Wild Oat en el cual actuaba como recepcionista de un hotel. También actuó en papeles más pequeños como Young Wives' Tale, Laughter in Paradise, The Lavender Hill Mob, y Monte Carlo Baby. Durante el rodaje de Monte Carlo Baby fue elegida para protagonizar el musical de Broadway Gigi, estrenado el 24 de noviembre de 1951. La reportera Sidonie-Gabrielle Colette dijo sobre Audrey: «¡Voilà!, ¡ésta es nuestra Gigi!». Audrey ganó el Theatre World Award por su debut. Siguió actuando en este musical durante los seis exitosos meses siguientes.

Su primer papel de importancia fue en el film Secret People, en el cual realizaba el papel de una bailarina prodigio. Naturalmente, Audrey hizo todas las escenas de baile. Pero el papel que la catapultó a la fama, además de ser su primer papel en Hollywood, fue, junto a Gregory Peck, en Vacaciones en Roma, de William Wyler.

En un primer momento los productores querían a Elizabeth Taylor para el papel protagonista, pero el director William Wyler quedó impresionado por la prueba de cámara de Audrey, en la cual se dejó la cámara quieta y se le empezaron a realizar una serie de preguntas a Audrey, que no sabía que la cámara estaba grabando. Sus respuestas y sinceridad demostraron su enorme talento y Wyler no dudó en contratarla. Wyler dijo: «Tiene todas las cosas que busco: encanto, inocencia y talento. Además es muy divertida. Es absolutamente encantadora. No dudamos en decir que es nuestra chica». Su compañero de reparto, Gregory Peck, ya era una estrella consagrada y en el póster de la película su nombre tenía más importancia que el «presentando a Audrey Hepburn». Cuando acabó el rodaje, Peck llamó a su agente e hizo que le dieran la misma importancia a los dos nombres. Peck predijo que ella ganaría el Óscar. Ambos, Hepburn y Peck, conectaron durante el rodaje, incluso hubo rumores de que tuvieron una relación amorosa, rumores desmentidos por ambos. Sin embargo, Audrey añadió: «En realidad, sientes algo de amor por tu pareja en la película. Si vas a interpretar un romance, tienes que sentirlo. No lo puedes hacer de otra manera. Pero no lo lleves más allá del plató». Debido al gran éxito de Vacaciones en Roma, Audrey fue portada de la revista TIME el 7 de septiembre de 1953.

Su interpretación recibió las alabanzas de los críticos. «Aunque no es precisamente una recién llegada al mundo de la interpretación, Audrey Hepburn, la actriz británica que se mete en la piel de la princesa Anne, está espléndida, bellísima, alternando sus escenas de la realeza y las más infantiles durante su búsqueda de placeres básicos y del amor. Aunque sonríe al final de la película, ella sigue siendo una persona lamentablemente sola que hace frente a un futuro difícil».1 Audrey se refirió en el futuro a Vacaciones en Roma como su película más querida, ya que fue la que le hizo una estrella.

Después de los cuatro meses de rodaje de Vacaciones en Roma viajó a Nueva York para seguir con las interpretaciones de Gigi. Antes de incorporarse al rodaje de Vacaciones en Roma, Audrey estuvo actuando con el musical en Los Ángeles y San Francisco. Esto fue posible ya que tenía un contrato con Paramount que le permitía tener doce meses entre película y película para dedicarse al teatro.

Durante los años siguientes, Audrey se convertiría en una de las actrices más reconocidas por su inigualable belleza natural, icono de la sencillez en la elegancia femenina y transparencia de personalidad. Fue considerada entre las más queridas y populares de la meca del cine y gozó de la amistad de casi todos sus compañeros de rodaje.

Durante estos años protagonizó Dos en la carretera, Cómo robar un millón, Una cara con ángel, My Fair Lady (1964), el famoso musical multioscarizado, y el que se considera el papel de su carrera, la Holly Golightly de Breakfast at Tiffany's (1961). Pero para Audrey su mejor papel fue, sin duda, el de la hermana Lucas en Historia de una monja. Ese papel, el conocer a su protagonista real, las similitudes —ambas eran belgas y habían sufrido la guerra— hizo que Audrey recapacitara mucho y se entregara más a sus labores humanitarias. Es, sin duda, una de las mejores películas de Audrey y del cine, pero muchas personas sólo ven a Audrey como un icono de moda por su Holly en Breakfast at Tiffany's.

Después de Vacaciones en Roma, trabajó con Humphrey Bogart y William Holden en la comedia romántica de Billy Wilder, Sabrina. Audrey fue enviada al diseñador Hubert de Givenchy para que decidiera su vestuario en la película. Cuando le dijeron a Givenchy que «Miss Hepburn» venía a verlo, pensó en Katharine Hepburn, no en Audrey. En un primer momento, rechazó vestirla, pero al final rectificó. Audrey y Givenchy mantuvieron una fuerte amistad durante el resto de sus vidas. Durante la filmación de Sabrina, Audrey y William Holden mantuvieron una relación amorosa. Su papel de Sabrina le valió una nominación al Óscar, premio que finalmente fue a parar a manos de Grace Kelly.

En 1954, Audrey volvió a los escenarios para protagonizar Ondine, junto al que más tarde sería su marido, Mel Ferrer. Siguió protagonizando la obra durante el resto del año. Ese mismo año recibiría el Globo de Oro a la mejor actriz y el Óscar por su papel en Vacaciones en Roma. Seis semanas después de recibir el Óscar, Audrey recibió el premio Tony por su obra Ondine, convirtiéndose así en una de las tres únicas actrices en ganar el Óscar y el Tony el mismo año —las otras dos son Shirley Booth y Ellen Burstyn—.

A mediados de los 50, Audrey no solo era una de las mayores estrellas de Hollywood, sino un icono de la moda. Su estilo, tan personal y elegante, era admirado e imitado. Además, era muy admirada por el público, como lo demuestra su Globo de Oro a la actriz más querida en todo el mundo en 1955.

Siendo ya una de las actrices más taquilleras de Hollywood, Audrey contaba con compañeros de reparto de la talla de Humphrey Bogart (Sabrina), Fred Astaire (Una cara con ángel), Maurice Chevalier y Gary Cooper (Love in the afternoon), William Holden (Encuentro en París), George Peppard (Breakfast at Tiffany's), Cary Grant (Charada), Rex Harrison (My Fair Lady), Peter O'Toole (Como robar un millón) y Sean Connery (Robin y Marian). Muchos de estos actores se convirtieron en personas muy cercanas a la actriz. Rex Harrison la llamó su «principal dama» —Audrey se hizo muy amiga de la bailarina británica Kay Kendall, que era la mujer de Rex—; Cary Grant amaba el sentido del humor de Audrey. «Todo lo que pido por Navidad es otra película junto a Audrey Hepburn» dijo una vez; y Gregory Peck se convirtió en uno de sus amigos más íntimos. Después de la muerte de la actriz, Peck fue a la cámara y recitó su poema favorito, Unending Love de Rabindranath Tagore. Algunos creen que Audrey y Humphrey no mantuvieron su amistad, pero eso es falso. Bogart lo hizo mejor con Audrey de lo que lo haría cualquiera. Como ella después diría: «A veces los tipos más duros resultan ser los más sensibles, como Bogey lo es conmigo».

En 1957 actuó en Una cara con ángel, una de sus películas favoritas debido a que conseguía bailar con Fred Astaire. A esta la siguió Historia de una monja, uno de sus papeles más dramáticos y atrevidos. Sobre este papel Films in Review dijo: «Su papel callará a todos los que dijeron que es solo un símbolo de mujer sofisticada. Su interpretación de la hermana Luke es una de las mejores actuaciones del cine». Audrey recibió una nominación a los Óscar por este papel. Simone Signoret fue la agraciada con el galardón en este ocasión.

Hepburn estuvo casada en dos ocasiones, la primera con el actor Mel Ferrer, con el que tuvo un hijo, Sean, que actualmente gestiona la fundación Audrey Hepburn Childhood, y la segunda con Andrea Dotti, un médico italiano con quien tuvo su segundo hijo, Luca. El padrino de Sean es el autor escocés, A. J. Cronin. Audrey confesó que el fracaso de estos dos matrimonios la hizo sufrir mucho. En los últimos años estuvo unida a Robert, un holandés con el que compartían labores humanitarias y su gusto por cosas sencillas.

A partir de 1967, después de quince años de éxitos sobresalientes en el cine, comenzó a participar en películas únicamente de forma ocasional. Hay que destacar el thriller Sola en la oscuridad (1967), donde encarnaba a una mujer ciega acosada por criminales, y Robin y Marian (1976) con Sean Connery. Su último papel lo interpretó en 1988, en la película Always, de Steven Spielberg, donde daba vida a un ángel, poco antes de ser nombrada embajadora especial de UNICEF. Todos han querido ver en ese papel la evocación que se tenía de ella en muchos ambientes.

Su última aparición en el cine se produjo en 1989, desde entonces y hasta su muerte en 1993, Audrey colaboró activamente con UNICEF, convirtiéndose en embajadora de buena voluntad. Audrey entró en la historia como una de las mayores estrellas de Hollywood.

Una de las cosas que más destacaron en sus últimos años fue la dedicación, por encima de su salud, a las causas del sida o la malnutrición de los niños en todo el mundo. En 1992, tres meses antes de su muerte y ya desahuciada, Audrey hizo su último viaje a Somalia, un acto que siempre fue muy agradecido por UNICEF y que engrandecía aún más su ya sencilla y humana forma de entender la vida. A través de esta organización, Hepburn dedicó el resto de su vida a ayudar a los niños necesitados en los países más pobres. En UNICEF todavía recuerdan su dedicación y entrega a la causa, que databa desde el año 1955 y que, poco a poco, fue ganando peso en su vida. Cabe destacar su estatua en la sede UNICEF de Nueva York, inaugurada en el año 2000.

Falleció de cáncer de colon en su casa de Tolochenaz, en Suiza, el 20 de enero de 1993 a los 63 años de edad. Ese mismo día, Elizabeth Taylor dijo que «Dios estaría contento de tener un ángel como Audrey con Él».

A pesar de que nunca hizo ostentación de joyas y rechazó ser imagen de la marca, la famosa joyería Tiffany, la que había popularizado en Desayuno con diamantes, le dedicó un escaparate con la frase «Our Huckleberry friend», de la canción “Moon River”.

Filmografía

Always (Para siempre) (Always — 1989)

Todos rieron (1981)

Lazos de sangre (1979)

Robin y Marian (1976)

Sola en la oscuridad (Wait Until Dark — 1967)

Dos en la carretera (1967)

Cómo robar un millón y... (1966)

My Fair Lady (1964)

Encuentro en París (1964)

Charada (Charade — 1963)

La calumnia (1961)

Breakfast at Tiffany's (Desayuno con diamantes - 1961)

Los que no perdonan (1960)

Historia de una monja (The Nun's Story — 1959)

Mansiones verdes (1959)

Ariane (1957)

Funny Face (1957)

Guerra y paz (War and Peace — 1956)

Sabrina (1954)

Vacaciones en Roma (Roman Holiday — 1953)

Americanos en Montecarlo (1952)

The Secret People (1952)

Monte Carlo Baby (1951)

One Wild Oat (1951)

Young Wives' Tale (1951)

Risa en el paraíso (1951)

Oro en barras (1951)

Dutch in Seven Lessons (1948) (documental)

ASHLEY JUDD

2011-11-17T05:24:00.000-08:00

Ashley Tyler Ciminella (n. Granada Hills, California, Estados Unidos; 19 de abril de 1968) es una actriz estadounidense de cine, televisión y teatro. Al principio de su carrera profesional intervino en la cinta de acción Heat (1995), protagonizada por Robert De Niro. En 1996 fue nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto de serie, miniserie o telefilme y al Emmy como mejor actriz de miniserie o telefilme por su interpretación de Norma Jean en el telefilme Norma Jean & Marilyn. Años más tarde llegarían producciones como Kiss the Girls (1997), Simon Birch (1998), Double Jeopardy (1999) o De-Lovely (2004), siendo nuevamente candidata por ésta última a los Globos de Oro como mejor actriz de comedia o musical.

Asimismo la actriz participa activamente en numerosas campañas por la prevención del sida, siendo embajadora de la organización Youth AIDS desde 2002. También publicó en 2011 un libro en el que detalló numerosas experiencias dolorosas que tuvo durante su niñez. Con motivo del anuncio de la mencionada publicación declaró que "al compartir mi propia historia con aquellas personas hermosas y fuertes que conocí en los lugares más desesperados, quiero mostrar como el cambio que buscamos en el mundo debe empezar por nosotros".

Nació en Granada Hills, California, Estados Unidos hija de la cantante de música country Naomi Judd. Tiene una hermana, también cantante en el género musical anteriormente citado, Wynonna Judd. Su infancia fue una época complicada y turbulenta, en la que estuvo en trece colegios distintos en 12 años. Además vivió con su madre, su abuela y su padre. Judd estudió en la Universidad de Kentucky, graduándose en 1990 y recibiendo un título en francés. El 27 de mayo de 2010 se graduó por la Universidad de Harvard en política pública. Es vegetariana desde que un amigo suyo le dijo que al comer carne "se comía el miedo de los animales"

Su carrera profesional como actriz comenzó en 1991 con su participación en dos episodios de la serie de televisión Star Trek: The Next Generation. Entre 1991 y 1994 fue una de las protagonistas de la ficción televisiva Sisters, en la que también intervenía Sela Ward. Al año siguiente llegó a los cines la cinta de acción protagonizada por Robert De Niro y Al Pacino Heat (1995); y en 1996 fue candidata a los Globos de Oro y a los Premios Emmy por su interpretación de Norma Jean en el telefilme Norma Jean & Marylin. También ese mismo año dio vida Carla Briggance, la esposa de Matthew McConaughey en el thriller A Time to Kill, dirigido por Joel Schumacher y basado en la novela de John Grisham de título homónimo.
Después llegaron producciones como Kiss the Girls (1997) junto a Morgan Freeman o el drama Simon Birch (1998). A finales de la década de los 90 compartió protagonismo con Ewan McGregor en el film de misterio Eye of the Beholder (1999), basada en la novela de Marc Behm. Junto a Tommy Lee Jones obtuvo el, hasta la fecha, trabajo más exitoso de su filmografía, con 177 millones de dólares recaudados internacionalmente, Double Jeopardy (1999). La crítica describió a la actriz como "emocionalmente poco convincente, pero es agradable a la vista". Después apareció en cintas como la tragicomedia Where the Heart Is (2000) con Natalie Portman, la comedia romántica junto a Hugh Jackman Someone Like You (2001), y nuevamente junto a Morgan Freeman en el thriller High Crimes (2002). Compartió el personaje de Vivi Abbott Walter con Ellen Burstyn (interpretándolo en su juventud) en Divine Secrets of the Ya-Ya Sisterhood (2002), basado en la novela de Rebecca Wells. Interpretó a célebre fotógrafa Tina Modotti en el biopic protagonizado por Salma Hayek sobre la vida de Frida Kahlo, titulado Frida (2002).
En 2004 llegaron dos nuevos trabajos; el thriller con Samuel L. Jackson y Andy García, Twisted, y la comedia musical De-Lovely, en la que daba vida a Linda Porter. Sobre el primero de ellos la prensa cinematográfica escribió que "es una pena ver a una actriz tan talentosa como Ashley Judd continuamente en películas sobre mujeres en apuros". Sin embargo después de estos negativos comentarios la actriz fue candidata al Globo de Oro por el musical De-Lovely. Tras un periodo de descanso en 2006 protagonizó la cinta de terror Bug y el drama Come Early Morning, recibiendo por éste último título comentarios como "Judd está brillante" o "Judd realiza su mejor interpretación desde Ruby in Paradise, el film que la lanzó al estrellato en 1993". Fue presentada en el Festival de Cine de Sundance, Estados Unidos.
Posteriormente formó parte del reparto coral de Crossing Over (2009) que incluía nombres como el de Harrison Ford o Ray Liotta. Dwayne Johnson y Julie Andrews fueron sus compañeros en la comedia Tooth Fairy (2010). Su último proyecto cinematográfico hasta el momento es la comedia familiar Dolphin Tale (2011), en ella volvió a reunirse en pantalla, tras nueve años, con el actor Morgan Freeman. El film se colocó de forma inesperada en el primer puesto de las recaudaciones en Estados Unidos y Canadá durante su segunda semana en exhibición en dichos territorios.En 2012 estrenará el telefilme producido por American Broadcasting Company, Missing, en el que interpretará a Becca Winstone, una agente de la CIA que recorrerá Europa para tratar de encontrar a su hijo desaparecido en Italia.

La actriz publicó sus memorias, bajo el título de "All That Is Bitter and Sweet", en las que dio detalles de cómo las dolorosas experiencias de su niñez (fue abusada sexualmente) acabaron por llevarla a trabajar en la defensa de mujeres abandonadas y niños en países pobres. Participa en numerosas campañas por la prevención del sida, siendo portavoz de YouthAIDS International desde el 22 de junio de 2005. Visitó Guatemala entre el 2 y el 5 de mayo de 2006 junto a Salma Hayek y el cantante colombiano Juanes, como parte de la campaña de YouthAIDS. En febrero de 2006 empezó un tratamiento de cuarenta y siete días contra la depresión en un centro de rehabilitación de Texas, Estados Unidos.
Se le ha relacionado sentimentalmente con los actores Matthew McConaughey y Robert De Niro, además de con el cantante Michael Bolton. Esta casada desde 2001 con el piloto escoces Dario Franchitti; se comprometieron en diciembre de 2000 y un año más tarde, el 12 de diciembre de 2001, contrajeron matrimonio en Escocia, en el mismo castillo en el que se casó Madonna el año anterior.

http://es.wikipedia.org/wiki/Ashley_Judd

Filmografía

2012 Missing (TV)
2011 Dolphin Tale
Flypaper
2010 Tooth Fairy
2009 Crossing Over - Helen
2006 Come Early Morning
2006 Bug
2004 De-lovely - Twisted
2002 Frida
Divine Secrets of the Ya-Ya Sisterhood - High Crimes
2001 Someone Like You
2000 Where the Heart Is
1999 Double Jeopardy - Eye of the Beholder
1998 Simon Birch
1997 Kiss the Girls
The Locusts Kitty
1996 Normal Life
Norma Jean & Marilyn (TV) - A Time to Kill
1995 The Passion of Darkly Noon - Smoke - Heat
1993 Ruby in Paradise
1992 Kuffs

ARLENE DAHL

2011-11-17T05:21:00.000-08:00

Arlene Dahl Carol (nacida el 11 de agosto 1925) es una actriz estadounidense y ex MGM contrato estrella, que alcanzaron notabilidad en la década de 1950. Ella es la madre del actor Lorenzo Lamas.

Dahl nació en Minneapolis, Minnesota en 1925, hija de Idelle (Swan) y Rodolfo S. Dahl. Ella es de ascendencia noruega.Después de graduarse en la Escuela Superior de Washburn, ella tuvo varios trabajos, incluyendo la realización de un grupo de teatro local y de trabajar brevemente como un modelo para los grandes almacenes. Madre de Dahl se involucró en el teatro. De niña tomó clases de baile y declamación y actuó en el teatro aficionado local. Ella era activa en eventos teatrales en la Escuela Primaria Margaret Fuller, Ramsey Junior High School y Washburn Senior High School. Dahl asistió brevemente a la Universidad de Minnesota.

Es un mito muy repetida que Dahl fue elegida como la chica de cerveza Rheingold de 1946. (La chica del 1946 Rheingold fue Rita Daigle) Otras actrices han acumulado el mismo mito (a causa de avales, ya que fueron considerados en el papel o porque de esta entrada de wikipedia) como Tippi Hedren, Lange Esperanza y Grace Kelly. Dahl comenzó su carrera como actriz en 1947. Llegó a la cima de su popularidad y el éxito en la década de 1950. Algunos de sus mejores películas incluyen: Reign of Terror (1949), Three Little Words (1950), Mundial de la Mujer (1954), Ligeramente escarlata (1956) y Viaje al centro de la Tierra (1959).

Dahl conoció al actor Lex Barker en la década de 1950, y el 16 de abril de 1951, casó con Dahl y Barker. Un año más tarde se divorció y Barker, y Dahl llegaría a casarse con otro ídolo, Fernando Lamas. Barker se casó con Lana Turner. En 1958, Dahl y Lamas tuvo su único hijo, Lorenzo Lamas. Poco después de dar a luz a Lorenzo, Dahl se desaceleró y, finalmente, terminó su carrera como actriz, aunque ella todavía se incluye en el cine y la televisión de vez en cuando. Dahl se fue a trabajar como columnista de belleza y como escritora.

Fundó Arlene Dahl Empresas, que comercializa ropa interior y cosméticos. Con el tiempo se convirtió en un astrólogo y escribió su columna sobre el tema.

Dahl y Lamas se divorciaron en 1960, y Dahl se volvió a casar después. Aparte de Lorenzo Lamas, Dahl tiene otros dos hijos: una hija de Christina (3 de agosto de 1961) de su tercer esposo Christian R. Holmes, y un segundo hijo, Rousevelle Andreas (nacido el 08 de diciembre 1970), de su quinto marido Rousevelle W . Schaum. Tiene seis nietos, y divide su tiempo entre Nueva York y West Palm Beach, Florida.

Traducido de Wikipedia

Filmografía

Life with Father (1947)

My Wild Irish Rose (1947)

The Bride Goes Wild (1948)

A Southern Yankee (1948)

Some of the Best (1949) (short subject)

Scene of the Crime (1949)

Reign of Terror (1949)

Ambush (1950)

The Outriders (1950)

Three Little Words (1950)

Watch the Birdie (1950)

Inside Straight (1951)

No Questions Asked (1951)

Caribbean (1952)

Desert Legion (1953)

Jamaica Run (1953)

Sangaree (1953)

Here Come the Girls (1953)

The Diamond Queen (1953)

Woman's World (1954)

Bengal Brigade (1954)

Slightly Scarlet (1956)

Wicked As They Come (1956)

Fortune is a Woman (1957)

She Played with Fire (1958)

Journey to the Center of the Earth (1959)

Kisses for My President (1964)

The Ponies (1967)

The Pleasure Pit (1969)

Land Raiders (1969)

Night of the Warrior (1991)

ANOUK AIMÉE

2011-11-17T05:19:00.001-08:00

Anouk Aimée, cuyo nombre real es Françoise Sorya Dreyfus, (París, 27 de abril de 1932), actriz francesa, candidata al Óscar como mejor actriz en 1967 por el film Un hombre y una mujer de Claude Lelouch.

Hija de la también actriz Geneviève Sorya, comenzó su carrera en películas francesas a la edad de catorce años.

Apareció en La dolce vita y en Lola de Jacques Demy. Fue candidata al Oscar a la mejor actriz en 1966 por su papel en la película que le otorgó fama internacional, Un hombre y una mujer.

En 1995 fue elegida por la revista Empire como una de las 100 estrellas de cine más sexy de la historia, específicamente el lugar 56.

En 2003 recibió el Oso de Oro de Honor del Festival de Cine de Berlín, que le dedicó ese año una retrospectiva de sus películas.

Ha estado casada en cuatro ocasiones. Su segundo marido (1951-54) fue el director cinematográfico Nikos Papatakis. Entre 1970 y 1978 estuvo casada con el actor británico Albert Finney.

http://es.wikipedia.org/wiki/Anouk_Aim%C3%A9e

Filmografía

Ils se marièrent et eurent beaucoup d'enfants (2003)

Las cien y una noches (1995)

Dis-moi oui... (1995)

Pret-a-porter (Prêt-à-porter) (1994)

Las marmotas (1993)

La tragédie d'un homme ridicule (1981)

Justine (1969)

Una noche, un tren (1968)

Un hombre y una mujer (1966)

Fellini, ocho y medio (8½) (1963)

El éxito (1963)

Sodoma y Gomorra (1962)

El juicio universal (1961)

Lola (1961)

La dolce vita (1960)

Rojo atardecer (1959)

Los Amantes de Montparnasse (1958)

ANNIE GIRARDOT

2011-11-10T06:52:00.000-08:00

Annie Girardot, (París, 25 de octubre de 1931 – ibídem, 28 de febrero de 2011), fue una actriz francesa.

Actriz de teatro, televisión y cine de larga carrera y multipremiada - ganó dos veces el Premio César y el Premio Molière -, se consagró en 1960 como Nadia en Rocco y sus hermanos de Luchino Visconti que también la dirigió en teatro junto a Jean Marais en la pieza de William Gibson "Two for the Seesaw".

Trabajó con directores como Claude Lelouch, Mario Monicelli, Marco Ferreri, Luigi Comencini, Édouard Molinaro, Bertrand Blier y Michael Haneke y junto a actores como Yves Montand, Jean Paul Belmondo, Alain Delon y Michel Piccoli.

Entre 1953 y 2002 trabajó en teatro, en la Comédie-Française en piezas de Molière, Jean Cocteau (que la llamó "la mejor actriz de posguerra"), Jacques Deval, Marivaux, Arthur Miller, William Shakespeare y otros dirigida por Roger Planchon y Jorge Lavelli entre otros.

Entre 1962 y 1965 estuvo casada con el actor Renato Salvatori con quien tuvo su hija Giulia (Roma, 1962).2 Entre 1980 y 1993, vivió con Bob Decout, un músico de rock.

Murió en 2011, después de una larga batalla contra el mal de Alzheimer, enfermedad de la que hizo una película Ainsi va la vie en 2008. Había publicado su autobiografía en 1989, Vivre d'aimer.

Filmografía

1956: El hombre de las llaves de oro de Léo Joannon

1960: Rocco y sus hermanos de Luchino Visconti

Tres menos dos de Alexandre Astruc

1963: Los compañeros de Mario Monicelli

1965: Tres habitaciones en Manhattan de Marcel Carné

1967: Vivir por vivir de Claude Lelouch

1968: Erotissimo de Gérard Pirès

1969: Elle boit pas, elle fume pas, elle drague pas mais elle cause de Michel Audiard

1971: Mourir d’aimer

La vieille fille de Jean-Pierre Blanc, con Philippe Noiret

1972:

Amor en rebeldía de Serge Kober, con Claude Jade

Traitement de choc de Alain Jessua, con Alain Delon

No hay humo sin fuego de André Cayatte

Elle cause plus, elle flingue de Michel Audiard

1974: Mi exmujer, mi hija y yo de Claude Pinoteau

1975: La vida privada de una doctora de Jean-Louis Bertolucci

Llueve sobre Santiago de Helvio Soto

1977: Tendre Poulet de Philippe de Broca, con Philippe Noiret

1978: Háblame, que me gusta más de Edouard Molinaro

Votad al señor alcalde de Claude Zidi

1985: Mussolini y yo de Alberto Negrin

1991: Merci la vie de Bertrand Blier

1994: Los miserables de Claude Lelouch

2001: La pianiste (La pianista / La profesora de piano) de Michael Haneke, con Isabelle Huppert

2005: Caché de Michael Haneke, con Juliette Binoche y Daniel Auteui

ANNE BANCROFT

2011-11-10T06:48:00.000-08:00

Anne Bancroft (El Bronx, Nueva York, 17 de septiembre de 1931 - Nueva York, 6 de junio de 2005), actriz de cine estadounidense ganadora del premio Óscar.

Su nombre real es Anna Maria Louisa Italiano. Sus padres eran inmigrantes italianos. A los cuatro años Bancroft ya comenzó a tomar clases de interpretación y de baile. Estudió en la Academia de Arte Dramático en Manhattan.

Hizo su debut en el cine en 1952, año en el que firmó un contrato de seis años con los estudios Century Fox. Los papeles que tuvo que interpretar no resultaron interesantes, por lo que Bancroft fue a Nueva York para actuar en el teatro siempre que le era posible. Actuó durante cinco años en los escenarios con notable éxito, y ganó dos premios Tony. La última obra que había representado en el teatro la repitió en el cine, en la película The Miracle Worker (El milagro de Ana Sullivan), de Arthur Penn, por la que obtuvo un Óscar a la mejor actriz principal. Con este éxito se convirtió en una estrella de Hollywood, que por fin podría demostrar su talento en el cine.

Las siguientes películas tuvieron una acogida extraordinaria, como El graduado de Mike Nichols, en el que hizo el papel de señora Robinson seduciendo a un joven Dustin Hoffman.

Desde entonces Bancroft ha sido una actriz consagrada, que ha hecho numerosas películas en papeles principales, si bien con el paso del tiempo ha ido escogiendo preferentemente papeles secundarios y ha intervenido también en alguna producción para la televisión.

Bancroft se casó por primera vez en 1953. Se divorció cuatro años después. En 1964 se casó con el director Mel Brooks, con el que tuvo un hijo: Max Brooks.

Murió en 2005 en el Hospital Monte Sinaí de Nueva York a causa de un cáncer de útero.

Filmografía

Delgo (2005) - Voz

Heartbreakers (2001)

Up at the Villa (2000)

Keeping the Faith (2000, "Más que amigos" en España y "Divinas tentaciones" en Venezuela)

The Living Edens: Anamalai - India's Elephant Mountain (2000)

Hormigaz (1998) - Voz

Great Expectations (1998)

Mark Twain's America In 3D (1998)

Living with Cancer: A Message of Hope (1998)

Middle East: Israel - Echoes From the Ancients (1998)

G.I. Jane (1997)

Critical Care (1997)

The Sunchaser (1996)

Home for the Holidays (1995)

How to Make an American Quilt (1995)

Point of No Return (1993)

Malice (película) (1993)

Mr. Jones (1993)

Honeymoon in Vegas (1992)

Poción de amor nº 9 (1992)

Bert Rigby, You're a Fool (1989)

Torch Song Trilogy (1988)

84 Charing Cross Road (1986)

'Night, Mother (1986)

Agnes de Dios (1985)

Garbo Talks (1984)

To Be or Not to Be (1983)

El hombre elefante (1980)

Fatso (1980)

The Bell Jar (1979)

Jesús de Nazareth (serie de TV; 1977)

Paso decisivo (1977)

Lipstick (1976)

Silent Movie (1976)

Hindenburg (1975)

El prisionero de la segunda avenida (1974)

Young Winston (1972)

El graduado (1967)

Seven Women (1966)

The Slender Thread (1965)

The Pumpkin Eater (1964)

El milagro de Ana Sullivan (1962)

The Girl in Black Stockings (1957)

The Restless Breed (1957)

So Soon to Die (1957)

Nightfall (1956)

Walk the Proud Land (1956)

The Last Frontier (1955)

A Life in the Balance (1955)

The Naked Street (1955)

New York Confidential (1955)

Demetrio y los gladiadores (1954)

Gorilla at Large (1954)

The Raid (1954)

The Robe (1953)

Treasure of the Golden Condor (1953)

The Kid from Left Field (1953)

Tonight We Sing (1953)

Don't Bother to Knock (1952)

ANNE BAXTER

2011-11-10T06:45:00.000-08:00

Anne Baxter (7 de mayo de 1923 - 12 de diciembre de 1985) fue una actriz estadounidense ganadora del premio Óscar.

Baxter nació en Michigan City, Indiana. Sus padres eran Kenneth Stuart Baxter y Catherine Wright. Su abuelo materno era el arquitecto Frank Lloyd Wright. Su padre fue un prominente ejecutivo de la Seagrams Distillery y ella se crio en medio de la sofisticación y el lujo en Nueva York. A la edad de 10 años asistió a una obra de Broadway protagonizada por Helen Hayes y quedó tan impresionada que le dijo a su familia que se quería convertir en una actríz. A la edad de 13 años había actuado en Broadway. Durante este período Baxter aprendió el arte de la actuación como estudiante de la afamada profesora Maria Ouspenskaya.

Para el papel de Mrs. DeWinter en Rebeca, Baxter realizó una prueba de cámara, pero perdió contra Joan Fontaine, porque el director Alfred Hitchcock la consideraba "demasiado joven" para interpretar el personaje. La fuerza de ese primer acercamiento al mundo del cine provocó que Baxter, con sólo 16 años, firmara su primer contrato por 7 años con la 20th Century Fox. Su primera aparición cinematográfica fue en la película Twenty Mule Team, de 1940. Fue elegida por Orson Welles para que actuara en El cuarto mandamiento, basada en la novela de Booth Tarkington. Al poco tiempo Baxter tuvo un papel protagonista en El filo de la navaja, de 1946, por la cual ella ganó el Óscar por Mejor Actriz de Reparto.

En 1950 co-protagonizó Eva al desnudo, debido a su gran parecido con Claudette Colbert, quien fue originalmente la elegida para que co-protagonizara la película. Baxter fue nominada a Mejor Actriz por su papel protagonista de Eve Harrington, papel por el cual Anne Baxter se ganó un lugar en la historia del cine. Al avanzar la década, Baxter también continuó actuando en el teatro profesional. Baxter participó en la obra de teatro John Brow's Body, basada en el libro de Stephen Vincent Benét, dirigida por Charles Laughton, la cual se estrenó en Broadway en 1953.

Actualmente, Anne Baxter es probablemente mejor recordada por su papel de la reina egipcia Nefertari, junto al personaje de Moisés, interpretado por Charlton Heston, en la premiada película Los diez mandamientos (1956), de Cecil B. DeMille.

Baxter apareció regularmente en la televisión en los años 60. Por ejemplo, participó en el popular programa de la emisora CBS What's My Line? como una "Invitada de Misterio". También protagonizó, como invitada especial, dos episodios del show de televisión del superhéroe de los 60, Batman, como la villana "Zelda la Grande".

Baxter volvió a Broadway durante los años 70, en Aplauso, la versión musical de Eva al desnudo, pero esta vez como “Margo Channing”, rol actuado en la película por Bette Davis (ella substituía a Lauren Bacall, la cual ganó un premio Tony por su papel).

En los 70, Baxter fue frecuentemente invitada y sustituyento al huésped en el popular programa diurno The Mike Douglas Show, ya que Baxter y el huésped Mike Douglas eran muy buenos amigos. En 1983, protagonizó la serie de televisión Hotel después de reemplazar a Bette Davis en el casting al caer Davis enferma. Baxter tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6741 Hollywood Bulevard.

En los 50, Baxter se casó y divorció del actor John Hodiak. De esta unión nació la hija mayor de Baxter, Katrina. En 1961, Baxter y su segundo marido, Randolph Galt, dejaron los EE. UU. para vivir y para que sus hijos crecieran en una granja de cavas en el Outback australiano. Ella contó la historia en sus memorias Descanso: Una historia real. En el libro, Baxter se culpa a sí misma como la causante del fracaso de su matrimonio con Hodiak.

Aunque su segundo matrimonio con Galt no duró mucho más, Baxter y Galt tuvieron dos hijas juntos: Melissa y Maginel. En privado durante este período, Baxter se refería a sí misma como Ann Galt entre sus vecinos en Brentwood, California, probablemente como un camino para minimizar su estatus de estrella y para que sus hijas crecieran lo más naturalmente posible. Baxter estuvo brevemente casada otra vez en 1977 con David Klee, un destacado corredor de bolsa, pero enviudó cuando inesperadamente murió por enfermedad. Ellos habían comprado una casa de extensión en Easton, Connecticut, que habían remodelado extensamente, sin embargo Klee no viviría para ver la renovación completa. La casa tenía una arquitectura que recordaba a las estructuras de techo plano de Frank Lloyd Wright. Baxter tenía la chimenea del dormitorio reconstruida a partir de la pieza maestra de su abuelo. Baxter nunca se volvió a casar.

Baxter murió de un aneurisma cerebral el 12 de diciembre de 1985, mientras caminaba por Madison Avenue en Nueva York. Está enterrada en la finca de Frank Lloyd Wright en Spring Green (Wisconsin)

Baxter fue sobrevivida por sus tres hijas adultas. Baxter fue amiga de toda la vida de la diseñadora de vestuario Edith Head hasta su muerte en 1981. A la hija de Baxter, Melissa le fue legado una extraordinaria colección de joyas de Head. Melissa Galt trabajó como diseñadora de interiores en Atlanta. Katrina Hodiak se casó y tuvo hijos. Maginel Galt se hizo monja católica viviendo y trabajando en Roma.

Filmografía

Puño de Hierro (1940)

The Great Profile (1940)

La tía de Carlos (1941)

Aguas Pantanosas (1941)

The Pied Piper (1942)

El Cuarto Mandamiento (1942)

Tiburones de Acero (1943)

Cinco Tumbas al Cairo (1943)

La Estrella del Norte (1943)

Eran Cinco Hermanos (1944)

The Eve of St. Mark (1944)

Sunday Dinner for a Soldier (1944)

Guest in the House (1944)

A Royal Scandal (1945)

Smoky (1946)

El Diablo y Yo (1946)

El filo de la navaja (1946)

Blaze of Noon (1947)

Siempre En Tus Brazos (1947) (narrator)

La Rival (1948)

The Walls of Jericho (1948)

The Luck of the Irish (1948)

Cielo Amarillo (1949)

You're My Everything (1949)

A Ticket to Tomahawk (1950)

Eva al desnudo (1950)

Sigue el Sol (1951)

The Outcasts of Poker Flat (1952)

O. Henry's Full House (1952)

My Wife's Best Friend (1952)

Yo confieso (1953)

Gardenia Azul (1953)

La Escalera del Deseo (1954)

Bedevilled (1955)

One Desire (1955)

The Spoilers (1955)

The Come On (1956)

Los diez mandamientos (1956)

Sombras Acusadoras (1957)

La Ley de los Fuertes (1957)

Summer of the Seventeenth Doll (1959)

Cimarrón (1960)

Mix Me a Person (1962)

Walk on the Wild (1962)

The Family Jewels (1965) (Cameo)

Seven Vengeful Women (1966)

The Busy Body (1967)

Fools' Parade (1971)

The Late Liz (1971)

Jane Austen in Manhattan (1980)

ANNE ARCHER

2011-11-10T06:42:00.000-08:00

Anne Archer, actriz estadounidense nacida el 25 de agosto de 1947 en Los Ángeles.

Sus padres eran actores, lo que ejerció una fuerte influencia sobre ella desde niña. Estudió arte dramático y consiguió en 1970 un papel en la película The All-American Boy, protagonizada por Jon Voight.

Con esta película y las siguientes que hizo, Archer no consiguió el reconocimiento que buscaba. Se fue a Nueva York, donde interpretó en 1981 una obra teatral. Fue gracias a ello que consiguió por fin ofertas de mayor interés. Una de las películas en las que intervino, y que tuvo un enorme éxito de taquilla, fue Atracción fatal, con Michael Douglas y Glenn Close. Por su papel de esposa de un marido infiel obtuvo una nominación al Oscar como mejor actriz de reparto. En 1992 fue nominada de nuevo, por su interpretación en Juegos de patriotas, protagonizada por Harrison Ford.

Otra película a la que Archer debe su popularidad es Narrow Margin, en la que comparte los papeles protagonistas con Gene Hackman. A pesar de ello, Archer se refiere en las entrevistas a Mojave Moon y a Dark Summer como películas de las que se siente más orgullosa por su actuación.

Anne Archer también ha tenido éxito en la televisión, medio en el que ha realizado numerosas películas y mini-series.

En 1968 Anne se casó, divorciándose al poco tiempo. En 1979 se casó por segunda vez. Tiene un hijo de cada matrimonio

Filmografía

Lifeguard. (1976) Lifeguard. De Daniel Petrie

[la familia ingalls] Plantilla:1975 "little house in the prairie" . Kate Thorvald

La cocina del infierno. (1978) Paradise Alley. De Sylvester Stallone

Los valientes visten de negro. (1979) Good Guys Wear Black. De Ted Post

Finalmente héroe. (1980) Hero at Large. De Martin Davidson

Bailando a través de Texas. (1982) Waltz Across Texas. De Ernest Day

A cara descubierta. (1984) The Naked Face. De Bryan Forbes

Demasiado asustado para gritar. (1985) Too Scared to Scream. De Tony Lo Bianco

Atracción fatal (1987) Fatal Attraction. De Adrian Lyne

Testigo accidental. (1990) Narrow Margin. De Peter Hyams

Amor perseguido. (1990) Love at Large. De Alan Rudolph

Eminent Domain. (1991) Eminent Domain. De John Irvin

The 63rd Annual Academy Awards. (1991) The 63rd Annual Academy Awards. De Jeff Margolis

Juego de patriotas (1992) Patriot Games. De Phillip Noyce

Vidas cruzadas. (1993) Short Cuts. De Robert Altman

El cuerpo del delito. (1993) Body of Evidence. De Uli Edel

Peligro inminente. (1994) Clear and Present Danger. De Phillip Noyce

Las mujeres de Jake. (1995) Jake’s Women. De Glenn Jordan

Orientation. (1996) Orientation.

La luna de Mojave. (1996) Mojave Moon. De Kevin Dowling

Nico, un amigo mágico. (1998) Nico the Unicorn. De Graeme Campbell

La vida secreta de mi marido. (1998) My Husband’s Secret Life. De Graeme Clifford

Una mujer indiscreta. (1998) Indiscretion of an American Wife. De George Kaczender

Camino de Santiago. (1999) Camino de Santiago. De Robert Young

El arte de la guerra. (2000) The Art of War. De Christian Duguay

Aventura elefantástica. (2000) Whispers: An Elephant’s Tale. De Dereck Joubert

Rules of Engagement. (2000) Rules of Engagement. De William Friedkin

AFI’s 100 Years, 100 Thrills: America’s Most Heart-Pounding Movies. (2001) AFI’s 100 Years, 100 Thrills: America’s Most Heart-Pounding Movies. De Gary Smith

La noche del lobo. (2002) Night of the Wolf. De David S. Cass Sr.

November (2004)

El hombre de la casa. (2005) The man of the House. De Stephen Herek

Ghost Whisperer. (2005 - actualidad) Beth Gordon

Los Fantasmas de mis Ex. (2009)

ANNA MAGNANI

2011-11-10T06:32:00.000-08:00

Anna Magnani (1908-1973) fue una laureada actriz italiana de cine y teatro, cuatro veces nominada, ganó el Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood por su actuación en la película La rosa tatuada.

Epítome de Roma - protagonizó Roma, ciudad abierta y Mamma Roma - y una de las grandes actrices europeas de postguerra se la llamó "La Magnani" o simplemente "Nannarella".

Nacida en Roma, de la sastre romana Marina Magnani y padre ignoto, vivió sus primeros años en Alejandría, Egipto regresando a Roma donde fue criada por su abuela materna en una casa de los suburbios de la ciudad junto a cinco tías: Dora, Maria, Rina, Olga e Italia.

Cantó en clubes nocturnos y cabarets para poder mantenerse. Debido a este trabajo, fue conocida como la Édith Piaf italiana.

Estudió en la Academia Romana de Arte Dramático junto a Paolo Stoppa y entre 1929-1932 forma parte de la compañía Vergani-Cimara y en espectáculos con el célebre Totó, "el príncipe de la risa" y como Anna Christie de Eugene O'Neill.

Su actividad teatral fue intensa entre 1929 y 1950, en Milán, en el Teatro Argentina de Roma, en Turín e incluso Buenos Aires ("E il teatro mi ha portato ovunque, anche al di là dell’oceano fino in Argentina a Buenos Ayres. Ero molto emozionata quando ho recitato al Teatro Odeòn. C’erano tanti italiani in platea. Recitare per me è stato la vita").

En 1927, actuó en la versión para el cine de "La Nemica e Scampolo", obra en la que también había actuado en el teatro.

En 1941, Magnani participó en la película "Nacida en viernes]", de la que el director y guionista Vittorio De Sica decía que era "la primera película de verdad de la Magnani". En esta cinta, interpretaba en papel de Loletta Prima, la novia del personaje interpretado por De Sica quien dijo Su risa es fuerte, trágica, asombrosa.

En 1945, protagonizó su primera película reconocida internacionalmente, la película símbolo del neorrealismo de Roberto Rossellini "Roma, ciudad abierta". La escena de su muerte ha quedado como uno de los momentos más estremecedores de la historia del cine. A partir de ese momento, Magnani fue considerada un estrella dentro de Italia, y poco a poco, fue ganando esa categoría en el resto del mundo, aunque carecía del glamour y la belleza que se asocia normalmente a ese término.

Magnani fue la segunda opción para protagonizar el papel protagonista en esta película. Originalmente, el papel estaba pensado para la actriz Clara Calamai, pero en los momentos en que se filmó la película estaba trabajando en otros proyectos. Curiosamente, Luchino Visconti pensó en Magnani para su film Obsesión usando finalmente a Claramai.

Además de esta película, Magnani colaboró en otras con Rossellini, con quien vivía un intenso romance, incluyendo "El amor" (1948) film en dos partes, una de ella el monólogo La voz humana de Jean Cocteau.

En 1951 protagoniza la película de Luchino Visconti "Bellísima" y en 1953, la película de Jean Renoir "Le carrosse d'or".

En 1955, Daniel Mann la llama para interpretar el papel de una mujer viuda, madre de una hija adolescente en la película "La rosa tatuada", basada en la obra de Tennessee Williams. Este fue su primer papel en una película en inglés, y como Serafina Delle Rose su interpretación le otorgó el Globo de oro a la mejor actriz dramática y el Óscar a la mejor actriz. Tennessee Williams había escrito el papel pensando en Magnani, ya que eran grandes amigos. La Magnani no asistió a la ceremonia de entrega porque estaba convencida de que no iba a ganarlo.

Sin embargo, el papel fue interpretado en el teatro por la actriz Maureen Stapleton, debido a los problemas que tenía Magnani con el idioma. Magnani trabajó otra vez con Williams en la película de 1959 "Piel de serpiente", donde compartía protagonismo con Marlon Brando.

En 1957 por Viento salvaje de George Cukor con Anthony Quinn fue nominada al Oscar, al BAFTA, al Globo de Oro, ganando el Premio David di Donatello y el Oso de Plata.

En la película de 1962 "Mamma Roma", dirigida por Pier Paolo Pasolini, Magnani interpreta el papel de una prostituta que quiere dar a su hijo una vida respetable. Su papel en esta película es uno de los más aclamados por la crítica en toda su carrera, aunque en los Estados Unidos la película no se estrenó hasta 1995.

En 1966 hizo una gloriosa reaparición teatral como Medea de Jean Anouilh dirigida por Gian Carlo Menotti quien dijo "Magnani es como trabajar con fuego, puede prender fuego todo el teatro. Se debe mantener el fuego vivo sin incendiar el teatro".

Un año antes había interpretado La loba de Giovanni Verga con dirigida por Franco Zeffirelli en el Teatro della Pergola en Florencia.

Magnani hizo su última aparición actuando en una película en "El secreto de Santa Vittoria" (1969) y en un breve cameo en 1972 como ella misma sorprendida en puerta de su casa en Roma de Federico Fellini, homenaje del gran realizador a la diva cierra la escena diciendo "Ella es Roma".

Mereció una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Es uno de los cuatro italianos merecedores de tal distinción junto a Sophia Loren - su eterna rival - la soprano Renata Tebaldi y el director de orquesta Arturo Toscanini.

Temperamental, supersticiosa, volcánica, hipocondríaca, fumadora de cigarros y vidente, Tennessee Williams dijo "Nunca vi una mujer más hermosa, de ojos tan grandes y piel como el jabón Devonshire"

En 1933 conoció al realizador italiano Goffredo Alessandrini con el que se casó en 1935. Su matrimonio terminó en divorcio en 1950 y nunca se volvió a casar. Producto de su tórrido romance con el actor Massimo Serato (1916-1989) fue su hijo Cellino ( a quien apodó "Luca"), nacido el 23 de octubre de 1942 y que fue víctima de poliomielitis quedando postrado en una silla de ruedas. Serato la abandonó antes del nacimiento. Magnani quedó devastada y dedicó su vida a cuidarlo mereciendo el Premio Violeta Dorada a la madre ejemplar.

En 1944 comenzó una tempestuosa relación con el director Roberto Rossellini quien la abandonó luego por Ingrid Bergman, en uno de los más famosos escándalos de la época.

Anna Magnani falleció en Roma en 1973 a los 65 años de edad, a causa de un cáncer de páncreas, a su lado se hallaban su hijo "Luca" y Roberto Rossellini. Convertida en un verdadero símbolo nacional, su entierro provocó una concentración popular en Roma sólo superada por los honores reservados a los Papas. Sus restos reposan en el mausoleo familiar de Roberto Rossellini, su director favorito y el amor de su vida. Su nieta es la actriz Olivia Magnani, nacida en 1975.

1870 Teresa Parenti

1971 Tre donne (TV mini-series)

Anna / Flora Torres / Jolanda

– L'automobile (1971) … Anna

– 1943: Un incontro (1971) … Jolanda

– La sciantosa (1971) … Flora Torres

1969 El secreto de Santa Vittoria Rosa

1965 Made in Italy Adelina

1963 Le magot de Josefa

1962 Mamma Roma

1960 Llegan los bribones

1960 Piel de serpiente

1959 Infierno en la ciudad

1957 Viento salvaje

1956 Suor Letizia

1955 La rosa tatuada

1952 La carroza de oro

1952 Camicie rosse

1951/II Bellissima

1950 Vulcano

1948 Molti sogni per le strade

1948 El amor

1948 Assunta Spina

1948 Lo sconosciuto di San Marino

1947 Noble gesta

1946 Abbasso la ricchezza!

1946 Avanti a lui tremava tutta Roma

1946 Il bandito

1946 Un uomo ritorna

1945 Abbasso la miseria!

1945 Roma, ciudad abierta

1945 Quartetto pazzo

1944 Il fiore sotto gli occhi

1943 Vive si te dejan

1943 Gli assi della risata

1943 Te amaré siempre

1943 Campo de' fiori

1943 La vita è bella

1943 L'avventura di Annabella

1942 La fortuna viene dal cielo

1942 Finalmente soli

1941 Nacida en viernes

1941 La fuggitiva

1940 Una lampada alla finestra

1938 La princesa Tarakanova

1936 Trenta secondi d'amore

1936 Caballería

1935 Quei due

1934 Tempo massimo

1934 La cieca di Sorrento

1928 Scampolo (uncredited)

ANN MARGRET

2011-11-10T06:29:00.000-08:00

Ann-Margret (28 de abril de 1941) es una actriz y cantante estadounidense nacida en Suecia. Nacida con el nombre de Ann-Margret Olsson en Valsjöbyn, Jämtland, Suecia, se trasladó a los Estados Unidos en su juventud, y creció en Wilmette, Illinois, donde acudió a la Northwestern University. Como cantante, fue descubierta en un club nocturno por el actor y cómico George Burns.

Ann-Margret comenzó a grabar discos con la compañía RCA en 1961. Su voz, suavemente ronca, estaba considerada como una de las más sexys, y se la comparaba con las de Eartha Kitt o Nancy Sinatra. La compañía RCA intentó hacer de ella la "Elvis femenina" preparando un disco con una versión de la canción de Elvis "Heartbreak Hotel" y otras canciones de un estilo muy similar al del "Rey de Rock". Tuvo un pequeño éxito con la canción "I Just Don't Understand" (entró en el Top 40 en la lista del Billboard la tercera semana de agosto de 1961, donde permaneció durante 6 semanas, llegando al número 17). Su disco mas destacable es "The Beauty and the Beard" (1964) que realizó con el trompetista Al Hirt. El contrato con la RCA terminó en 1966.

Sin embargo, su carrera discográfica no fue tan exitosa como su carrera cinematográfica. Su primera experiencia en el cine fue en la película "Un gángster para un milagro" en 1961, a la que siguió "State Fair" al año siguiente. Pero fue su papel protagonista en "Un beso para Birdie" (1963) el que le lanzó al estrellato. Después de rodar "Cita en Las Vegas" con Elvis Presley, ambos comenzaron una relación que atrajo la atención de la prensa del corazón. Esta relación provocó un enfrentamiento con la entonces esposa de Elvis, Priscilla. Aunque la relación terminó poco después, Presley siguió siendo gran amigo de la actriz hasta su muerte. De todas las estrellas de Hollywood con las que Elvis había trabajado, Ann-Margret fue la única que asistió a su funeral.

En 1963, Ann-Margret fue la estrella invitada en un episodio de la serie de dibujos animados "Los Picapiedra", cuyo personaje se llamaba "Ann-Margrock".

En marzo de 1966, Ann-Margret, junto con los artistas Chuck Day y Mickey Jones, hizo un viaje para apoyar a las tropas estadounidenses que se encontraban en Vietnam y otros países del Sureste Asiático.

En 1971, protagonizó la cinta de Mike Nichols "Conocimiento carnal", película que dio un giro a la carrera interpretativa de la actriz. Por esta película obtuvo una candidatura a los Oscar, en la categoría de Mejor actriz de reparto. A lo largo de los años 70, Ann-Margret compaginó sus actuaciones en directo con una serie de películas, muchas de ellas aclamadas por la crítica.

En 1975 participó en "Tommy", papel por el que fue candidata al Oscar a la mejor actriz. Además de sus dos candidaturas a los Oscars, Ann-Margret ha sido candidata a 10 Globos de Oro, ganando cinco de ellos, incluyendo el de Mejor actriz de comedia o musical por "Tommy".

Además de trabajar en el cine, Ann-Margret ha protagonizado algunos especiales de televisión de mucho éxito, comenzando con "The Ann-Margret Show" para la cadena NBC en 1968.

En 1994, publicó su autobiografía titulada "Ann Margret: My Story". Ha estado casada con el actor Roger Smith desde 1967. Smith sufre de miastenia gravis, y Ann-Margret ha dedicado parte de su vida a su cuidado.

En 1995, fue elegida por la revista Empire como una de las 100 estrellas más atractivas en la historia del cine; concretamente, estaba situada en el puesto décimo.

Ann-Margret tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 6501 de Hollywood Blvd.

En 1961, Margret consiguió gracias a una audición un contrato de siete años de duración con el estudio cinematográfico Twenty Century Fox. Su debut en la gran pantalla tuvo lugar ese mismo año, cuando participó en la película Pocketful of Miracles (Un gángster para un milagro o Milagro por un día). Su interpretación recibió muy buenas críticas y la hizo acreedora del Globo de Oro a la "Nueva estrella del año - Actriz". Al año siguiente, la actriz protagonizó la película musical State Fair, donde compartió escena con Bobby Darin y Pat Boone.

Sin embargo, su reconocimiento internacional no le llegó hasta el año 1963. En ese año protagonizó el largometraje Bye Bye Birdie (Un beso para Birdie), con gran éxito de crítica y público, interpretó la canción "Baby, Won't You Please Come Home" en un evento organizado por el político John F. Kennedy y prestó su voz a la serie animada Los Picapiedras. Es uno de los personajes de la novela La magnitud de la tragedia, de Quim Monzó.

Filmografía

Un gángster para un milagro (1961)

State Fair (1962)

Un beso para Birdie (1963)

Cita en Las Vegas (1964)

Como en una pesadilla (1964)

En busca del amor (1964)

Brazos de terciopelo (1965)

El último homicidio (1965)

El rey del juego (1965)

Cita en París (1966)

Hacia los grandes horizontes (1966)

Chica sin barreras (1966)

Matt Helm, agente muy especial (1966)

Un tigre en la red' ' (1967)

El profeta (1968)

El gran robo (1968)

El crimen también juega (1969)

RPM: revoluciones por minuto (1970)

C.C. and Company (1970)

Conocimiento carnal (1971)

The Outside Man (1972)

Ladrones de trenes (1973)

Tommy (1975)

Locuras de un matrimonio burgués (1976)

Joseph Andrews (1977)

Mi bello legionario (1977)

Un detective barato (1978)

Magic (1978)

Cactus Jack (1979)

La locura de la edad madura (1980)

The Return of the Soldier (1982)

Lookin' to Get Out (1982)

Soy tu hija, ¿te acuerdas? (1982)

Dos veces en la vida (1985)

52 vive o muere (1986)

Un tigre en la almohada (1988)

Una nueva vida (1988)

La pandilla (1992)

Dos viejos gruñones (1993)

Discordias a la carta (1995)

Un domingo cualquiera (1999)

The Last Producer (2000)

Interstate 60: Episodios de carretera (2002)

Taxi: Derrape total (2004)

Mem-o-re (2005)

Conviviendo con mi ex (2006)

ANITA EKBERG

2011-11-10T06:26:00.000-08:00

Kerstin Anita Marianne Ekberg (Malmö, 29 de septiembre de 1931) es una actriz y modelo sueca. Fue Miss Suecia en 1951 y compitió en el concurso de Miss Universo. Su papel más destacado en el cine es el de Sylvia en la película La dolce vita de Federico Fellini.

Su debut cinematográfico fue en la película Abbot and Costello go to mars a principios de los años 50. Después vendrían títulos como Loco por Anita (1945), Guerra y paz (War and Peace) de King Vidor (1956) o Paris Holiday (1958). En 1960 interpretó su papel más recordado, el de la rubia despampanante que toma un baño en la Fontana de Trevi en la película La dolce vita.

En 1962 protagonizó Boccacio 70 junto a Sofia Loren; en 1967 trabajó con Shirley MacLaine en Siete veces mujer (Woman times seven). Hizo también un pequeño papel en 1969 en la película Si hoy es martes, esto es Bélgica (If it's Tuesday this must be Belgium). Ekberg se fue retirando paulatinamente del cine para dedicarse más a su trabajo como modelo. Realizó diversos reportajes para la revista Playboy. En 1997 trabajó junto a Bigas Luna en la película Bámbola.

Estuvo casada con el actor británico Anthony Steel desde 1956 a 1959. Desde 1963 a 1975 fue la esposa del también actor Rik Van Nutter. Se le han atribuido romances con diversos actores como Tyrone Power, Marcello Mastroianni, Errol Flynn o Frank Sinatra. Mantuvo también un romance con Gianni Agnelli presidente del Grupo Fiat. Actualmente (2005) vive sola en Roma.

Filmografía

1955 - Artistas y modelos (Artists and Models) de Frank Tashlin.

1956 - Loco por Anita (Hollywood or Bust) de Frank Tashlin.

1956 - Guerra y Paz (War and Peace) de King Vidor.

1960 - La dolce vita de Federico Fellini

1963 - Cuatro tíos de Texas (4 for Texas) de Robert Aldrich.

1963 - Call Me Bwana de Gordon Douglas.

1978 - La Monja asesina de giulio berruti.

ANGIE DICKINSON

2011-11-10T06:20:00.001-08:00

Angie Dickinson (Kulm, Dakota del Norte, Estados Unidos, 30 de septiembre de 1931) es una actriz de cine y televisión norteamericana ganadora de un Globo de Oro. Ha trabajado con múltiples figuras del cine como Howard Hawks, Frank Sinatra, Marlon Brando y Gus Van Sant, pero es recordada principalmente por su personificación de la Sargenta Leann "Pepper" Anderson en la influyente serie de televisión La mujer policía, la primera de su género protagonizada por una mujer y que fue precedente de Los ángeles de Charlie.

El verdadero nombre de Angie Dickinson, la segunda de tres hijas, es Angeline Brown. Nació en Kulm, Dakota del Norte, y sus padres eran Frederica y Leo H. Brown, quien era editor y director de un periódico local de la ciudad.

En 1942, su familia se mudó a Burbank, California. Se graduó de la Escuela Secundaria Bellamarine Jefferson en 1947, a los 15 años de edad. Tenía habilidad para la escritura, y ya el año anterior, había ganado el Sexto Concurso Anual de Ensayos de la Carta de Derechos.

Estudió en la Universidad Glendale Community College y en 1954 se graduó en la carrera de administración de empresas. Con la ayuda de su padre, originalmente quería ser escritora. Cuando era estudiante, de 1950 a 1952, trabajaba como secretaria en la Terminal Aérea Lockheed en Burbank (actualmente conocido como Bob Hope Airport) y en una fábrica de papel.

En 1953, fue segunda en un concurso de belleza. Poco tiempo después de su matrimonio con Gene Dickinson, decidió ponerse como seudónimo Angie Dickinson. Fue contratada por la NBC para aparecer en varios programas televisivos, incluyendo The Colgate Comedy Hour. Pronto conoció a Frank Sinatra quien se convirtió en su amigo por el resto de su vida. Años después, ella haría el papel de la esposa de Sinatra en la película Ocean's Eleven.

En el día de Año Nuevo de 1954, Dickinson debutó como actriz en un episodio de la serie Death Valley Days. Esto la llevó a interpretar otros papeles en producciones como Buffalo Bill Jr, ocho episodios de Matinee Theatre, General Electric Theater, The Life and Legend of Wyatt Earp, Broken Arrow, Gunsmoke, Cheyenne, Meet McGraw, The Restless Gun, Perry Mason, Mike Hammer, Wagon Train, Men Into Space, y un giro memorable como una cómplice de asesinato en un episodio de 1964 de la clásica serie The Fugitive, junto con David Janssen y la estrella invitada Robert Duvall. En 1965, interpretó a Carol Tredman en Dr. Kildare.

Aunque Dickinson tuvo una carrera en el cine moderadamente exitosa por casi dos décadas, y trabajó con los principales directores y actores de los 1950 y los 60, en esos años no fue reconocida como una actriz talentosa; su estrellato vino después.

Su carrera en el cine comenzó con papeles menores en Lucky Me (un cameo en 1954) junto a Doris Day, The Return of Jack Slade (1955), Man with the Gun (1955), y Hidden Guns (1956). Tuvo su primer papel protagónico en Gun the Man Down (1956) con James Arness, y en la película de Sam Fuller China Gate (1957) la cual describió tempranamente los conflictos internos en Vietnam.

Rechazando el estilo rubio platinado de Marilyn Monroe y Jayne Mansfield porque sentía que nublaría sus posibilidades de trabajo, Dickinson sólo permitió que le cambiaran el color castaño de su cabello a rubio oscuro.

A principios de su carrera, apareció principalmente en películas western, incluyendo Shoot-Out at Medicine Bend (1957) co-protagonizada con James Garner. Uno de sus trabajos menos conocidos, y más sorprendentes, fue el doblaje de la voz de Sara Montiel en la película Yuma (Run of the Arrow), seguramente debido a las limitaciones de Sara con el inglés.

Fue otro western lo que la propulsó a ser conocida en Hollywood: la película Río Bravo, de Howard Hawks (1959), en la cual interpretó a una jugadora compulsiva llamada Feathers quien está a punto de ser encarcelada por el policía local, interpretado por el ídolo de su infancia, John Wayne. La película fue co-protagonizada por Dean Martin, Ricky Nelson y Walter Brennan. Cuando Hawks vendió su contrato personal con ella a un estudio más grande sin informarle, se sintió considerablemente disgustada, ya que se desvanecían sus esperanzas de que el director la eligiría sobre Lauren Bacall para sus películas.

A principios de 1960, Dickinson protagonizó numerosas películas, convirtiéndola en una de las mujeres más prominentes de la década, protagonizando The Bramble Bush con Richard Burton y Ocean's Eleven con Frank Sinatra. Luego trabajó en el documental político A Fever in the Blood (1961); en un melodrama basado en el Congo belga llamado The Sins of Rachel Cade (1962), en la cual interpretaba a una enfermera voluntaria tentada por la lujuria; y en Rome Adventure (también conocida como Lovers Must Learn) en 1962; y en Jessica de Jean Negulesco (1962) con Maurice Chevalier, en la cual personifica a una joven que envidia a las mujeres casadas de su ciudad. Angie también compartiría la pantalla con su amigo Gregory Peck en la comedia dramática Captain Newman, M.D.

En The Killers, una película que originalmente iba a ser hecha para televisión pero que fue enviada a los cines debido a su contenido violento, Angie, alcanzando la cumbre de sus habilidades como femme fatale, es golpeada por su novio, interpretado por el futuro presidente de Estados Unidos Ronald Reagan en su último papel como actor.

Dickinson co-protagonizó la comedia The Art of Love (1965), en la cual personifica a la mujer de los sueños de James Garner y Dick Van Dyke. Tuvo un éxito moderado en las películas que hizo durante el resto de la década de los 60 y principios de los 70: en la producción de Arthur Penn y Sam Spiegel, The Chase (1966), trabajó junto con estrellas como Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, Robert Duvall, Miriam Hopkins y otros.

La mejor película de Dickinson de esta década fue el clásico de John Boorman Point Blank (1967) con Lee Marvin como un ladrón traicionado y convicto que escapa de Alcatraz (fue la primera película filmada en la famosa prisión) deseoso de venganza y de recuperar el dinero que cree que le pertenece. Siguiendo el estilo de la época, la película no tuvo mucha audiencia ni mucha apreciación de la crítica hasta muchos años después. En 1969, protagonizó otro western, Young Billy Young con Robert Mitchum y Jack Kelly, y Sam Whiskey en donde le dio su primer beso en pantalla al joven Burt Reynolds. En 1971, interpretó a una lasciva maestra de escuela en la comedia Pretty Maids All in a Row con Rock Hudson, y de una médica desquiciada en la película de ciencia ficción The Resurrection of Zachary Wheeler. Uno de sus papeles más recordados es la viuda Wilma McClatchie en Big Bad Mama (1974) con William Shatner y Tom Skerritt.

Dickinson regresó a la pantalla chica en marzo de 1974 para interpretar a un personaje en un episodio de la antológica serie Police Story. Esa aparición como estrella invitada fue tan popular que la NBC decidió crear una serie de detectives semanal llamada La mujer policía, en donde personificaría a la primera policía mujer exitosa en la televisión. (Beverly Garland y Anne Francis ya habían hecho papeles similares, pero sus programas habían durado poco tiempo). Dickinson interpretó a la Sgt. Leann "Pepper" Anderson, una policía rubia con clase, miembro de la Unidad de Conspiración Criminal del Departamento de Policía de Los Angeles. Como mujer dura pero encantadora, Pepper adopta un número de disfraces para atraer a los criminales a las garras de la justicia.

El papel consolidó la fama de Dickinson como sex symbol de más de 40 años. Se convirtió en un ícono popular de los 70. Mujer Policía fue emitido en más de setenta países, convirtiéndose en el programa más exitoso en muchos de ellos. Fue esencialmente la respuesta femenina de la NBC a otra serie de detectives de los 70 protagonizada por hombres, como Hawaii Five-O, Kojak, The Streets of San Francisco, McMillan and Wife, The Rockford Files y Baretta, las cuales se emitían en tres canales diferentes.

El co-protagonista del programa era el actor Earl Holliman (quien reemplazó a Bert Convy, quien había personificado a Crowley en el episodio piloto), como el jefe ítalo-americano de Anderson y su amigo de toda la vida, el Sargento Bill Crowley. Además, en el elenco se encontraban Ed Bernard y Charles Dierkop como los Investigadores Joe Styles y Pete Royster, respectivamente. El primer día de rodaje, tanto Dickinson como Holliman se dieron cuenta de que tenían muy buena química en pantalla, por lo que los escritores comenzaron a basar sus guiones en esto.

En una ocasión, Dickinson le dio una oportunidad a la hija de su jefe de actuar en el papel de su hermana menor autista, Cheryl, durante la temporada de 1974; el papel sólo duró unos pocos episodios.

Durante su cuarta temporada (generalmente reconocida como su mejor año) La mujer policía obtuvo un éxito rápido y considerable. Sin embargo, a finales de la cuarta temporada, de 1978, la serie tuvo su año más difícil, ya que la audiencia decayó debido a los cambios de horarios en la NBC y el nivel de los guiones era muy parecido a cuando el programa recién comenzaba. Como consecuencia, la NBC decidió cancelar la serie luego de cuatro temporadas y 91 episodios. Pese a esto, Dickinson disfrutó interpretando a la atractiva policía en uno de los programas policiales más influyentes de la historia de la televisión, y sería siempre recordada por este papel. El mismo año que el programa terminó, volvió a interpretar su papel de Pepper Anderson en el especial de televisión, Ringo, co-protagonizado por Ringo Starr y John Ritter; también formó parte de los Especiales de Navidad de Bob Hope para la NBC, y, en 1987, estuvo presente como estrella invitada en un episodio navideño de Saturday Night Live.

El impacto de Mujer Policía fue tal que no sólo influenció a otras películas y series protagonizadas por heroínas mujeres bellas pero fuertes, como Los Ángeles de Charlie, La Mujer Biónica y La Mujer Maravilla a finales de los años 70, sino que también inspiró una oleada de solicitudes de mujeres para trabajar en departamentos de policía en Estados Unidos. Los periodistas dijeron que estaban sorprendidos sobre la cantidad de mujeres policías que, al preguntárseles cómo habían elegido ese oficio, habían respondido que su influencia había sido la serie.

En 1987, el Departamento de Policía de Los Angeles premió a Dickinson con un Doctorado honorario, lo cual la llevó a decir en broma: "Ahora pueden llamarme 'Doctora Pepper.'"

Después de aparecer en muchas miniseries televisivas, como Pearl (1978), Dickinson regresó a la pantalla grande en el thriller de Brian De Palma, Dressed to Kill (1980), por el cual ganó un Premio Saturn a la Mejor Actriz. Amada por algunos y odiada por otros (en gran parte por su violencia y su lenguaje vulgar), la película muestra a Dickinson durante 35 minutos, hasta que su personaje muere asesinado en un ascensor. La crítica elogió su actuación y actualmente la película es vista como una de las pioneras en el género macabro, con el silencioso acecho de Dickinson en el laberinto del museo de la ciudad de Nueva York como uno de los mejores momentos del largometraje.

A pesar de los éxitos de su carrera como Mujer Policía en los 70 y Dressed to Kill en 1980, el respeto hacia Dickinson como actriz había empezado a decaer; en los 60 y a principios de los 70, nadie cuestionaba su talento.

Tuvo un papel menos importante en Death Hunt con Charles Bronson en 1981, así como en Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen. A principios de ese año, había tenido la opción de interpretar a 'Krystle Carrington' en la serie televisiva Dynasty, pero rechazó el papel, que terminó siendo personificado por Linda Evans. Dado el éxito de la serie, esto fue uno de sus mayores errores profesionales.

Luego de abandonar en 1980 su propia comedia, producida por Johnny Carson, The Angie Dickinson Show (después de sólo dos episodios) porque no sentía que era lo suficientemente graciosa, comenzó a trabajar en Cassie & Co., un intento de volver a la televisión que no tuvo éxito. Más tarde protagonizaría varias películas para televisión, tales como One Shoe Makes it Murder (1982), Jealousy (1984), A Touch of Scandal (1984), Hollywood Wives (1985), y Stillwatch (1987). Dickinson también condujo el programa Saturday Night Live el 12 de diciembre de 1987.

En el cine, volvió a interpretar a Wilma en Big Bad Mama II (1987), y trabajó en la película para televisión Kojak: Fatal Flaw, en la cual se reencontró con Telly Savalas. Además, protagonizó con Willie Nelson el western de 1988 Once Upon a Texas Train.

En 1982, cuando tenía cincuenta años y aún no se había sometido a una cirugía, una lista de diseñadores de Hollywood y de artistas del maquillaje la posicionaron primera en su lista de Mejores Figuras de Actrices de Hollywood.

En 1993, Dickinson apareció en la miniserie futurista de televisión Wild Palms, producida por Oliver Stone, en donde interpretó a la hermana sádica y militar de la figura política Tony Kruetzer. El mismo año, protagonizó la bizarra película de Gus Van Sant Ellas también se deprimen, como la dueña de un spa en Montana; Uma Thurman y un elenco de estrellas no pudieron salvar el argumento, ya que la película ha sido nombrada la peor de los 90. En 1995, interpretó a la esposa de Burt Reynolds en el thriller The Maddening, apareció en el remake de Sabrina con Harrison Ford, y personificó a la madre de Rick Aiello y Robert Cicchini en la comedia National Lampoon's The Don's Analyst. En 1997, sedujo al anciano Artie (Rip Torn) en un episodio de "The Larry Sanders Show", de HBO, titulado "Artie and Angie and Hank and Hercules."

Durante la primera década del nuevo milenio, Dickinson interpretó a una vagabunda alcohólica, madre de Helen Hunt, en Pay it Forward (2000) con Kevin Spacey; a la abuela de Gwyneth Paltrow en Duets (2000); y a la madre de Arliss Howard en la película Big Bad Love (2001) con Debra Winger.

Habiendo aparecido en la versión original de Ocean's Eleven (1960) con sus amigos Frank Sinatra y Dean Martin, cuatro décadas más tarde haría un breve cameo en la versión de 2001 con George Clooney. Dickinson es a menudo mencionada como una miembro honoraria del Rat Pack.

Ávida jugadora de póker, Dickinson, durante el verano boreal de 2004, participó en la segunda temporada de Celebrity Poker Showdown, emitido en el canal estadounidense Bravo. Luego de anunciar su nombre, el anfitrión Dave Foley dijo "A veces, cuando decimos Celebridad, a eso nos referimos."

Dickinson ha recibido el premio Roughrider, otorgado por el estado de Dakota del Norte.

Angie estuvo casada con Gene Dickinson, un jugador de fútbol, desde 1952 a 1960.

Fue relacionada románticamente con Frank Sinatra, a quien Dickinson llamó "el hombre más importante de mi vida" (debido al poder que él tenía cuando se conocieron, a mediados de los 50) y con quien tuvo "una relación muy cómoda" durante diez años. Continuaron siendo amigos hasta su muerte, en 1998. También fue vinculada con el actor David Janssen, y presuntamente con el presidente John F. Kennedy, aunque ella ha elegido no hablar sobre esos rumores.

Estuvo casada con el músico y compositor Burt Bacharach entre 1965 y 1980. Dickinson temporalmente abandonó su carrera, aunque aún aparecía ocasionalmente en películas, tales como el western The Last Challenge (1967) con Glenn Ford, y la comedia Some Kind of Nut (1969).

Su hija, Lea Nikki, conocida como Nikki, nació prematuramente por tres meses en 1966 y finalmente se le diagnosticó Síndrome de Asperger. Sus problemas causaron que Dickinson rehúsara varios papeles para cuidarla. Nikki pasó muchos años en el Wilson Center, un instituto psiquiátrico para adolescentes localizado en Faribault, Minnesota. Aunque Nikki obtuvo un título de geóloga, sus problemas de vista, contraídos tras su nacimiento prematuro, le hicieron imposible proseguir una carrera en ese campo. Incapaz de convivir con los efectos del Asperger, Nikki finalmente se quitó la vida en su departamento en Los Angeles en enero de 2007.

Filmografía

Lucky Me (1954)

Tennessee's Partner (1955)

The Return of Jack Slade (1955)

Man with a Gun (1955)

Hidden Guns (1956)

Down Liberty Road (1956)

Tension at Table Rock (1956)

Gun the Man Down (1956)

The Black Whip (1956)

Shoot-Out at Medicine Bend (1957)

China Gate (1957)

Calypso Joe (1957)

I Married a Woman (1958)

Cry Terror! (1958)

Río Bravo (1959)

Frontier Rangers (1959)

I'll Give My Life (1959)

The Bramble Bush (1960)

Ocean's Eleven (1960)

A Fever in the Blood (1961)

The Sins of Rachel Cade (1961)

Rome Adventure (1962)

Jessica (1962)

Captain Newman, M.D. (1963)

The Killers (1964)

The Art of Love (1965)

The Chase (1966)

Cast a Giant Shadow (1966)

The Poppy Is Also a Flower (1966)

The Rock (1967)

Point Blank (1967)

The Last Challenge (1967)

Sam Whiskey (1969)

Some Kind of a Nut (1969)

Young Billy Young (1969)

The Love War (1970) Hecha para TV

Pretty Maids All in a Row (1971)

The Outside Man (1972)

Big Bad Mama (1974)

The Angry Man (1979)

Klondike Fever (1980)

Dressed to Kill (1980)

Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen (1981)

Death Hunt (1981)

Big Bad Mama II (1987)

Ellas también se deprimen (1993)

The Maddening (1995)

Sabrina (1995)

The Sun, the Moon and the Stars (1996)

The Last Producer (2000)

Duets (2000)

Pay It Forward (2000)

Big Bad Love (2001)

Ocean's Eleven (2001) (Cameo)

Elvis Has Left the Building (2004)

http://es.wikipedia.org/wiki/Angie_Dickinson

ANJELICA HUSTON

2011-11-10T06:17:00.000-08:00

Anjelica Huston (n. 8 de julio de 1951), es una actriz y realizadora estadounidense.

Anjelica Huston nació el 8 de julio de 1951 fruto del matrimonio entre el director John Huston y la bailarina italoamericana Enrica Soma. Su infancia transcurrió en escuelas de Inglaterra e Irlanda hasta que sus padres se separaron en 1961.

Heredera de una tradición de artistas cinematográficas (su abuelo era Walther Huston), Anjelica probó suerte en el mundo de la interpretación. Obtuvo un pequeño papel en Hamlet (1969), representó el papel de Ofelia de esa misma obra en Broadway en ese mismo año, y se puso bajo las órdenes de su padre en Paseo por el amor y la muerte, donde ofrecía su cuerpo desnudo al espectador; pero esos inicios quedaron truncados en parte por el fallecimiento de su madre en un accidente y unas críticas devastadoras.

Anjelica se mudó a Nueva York para trabajar como modelo. En dicha ciudad conoció a Jack Nicholson con quien inició una relación sentimental. Poco a poco volvió al cine en pequeños roles en películas como El último magnate (1974) de Elia Kazan, El cartero siempre llama dos veces (1981) y Frances (1982).

En 1985 rodó con su padre y con su novio El honor de los Prizzi, en la que Anjelica encarnó a Maerose Prizzi, una vampiresa intrigante que hacía valer sus armas de mujer, quedándose con el amor de su vida al final de la función. Anjelica gracias a ese papel obtuvo el Óscar a la mejor actriz de reparto. Al subir al escenario para recoger el premio, la actriz señaló lo mucho que había significado el Óscar, considerando que su padre le había dirigido en esa película.

Relanzada su carrera cinematográfica, Anjelica interpretó en 1986 a una maligna Lider Suprema que gobernaba a un mundo terrorífico en el mini-corto para Disney Captain EO junto a Michael Jackson, Dick Shawn y dirigido por Francis Ford Coppola. Dirigido tambien por éste, en 1987 Angelica protagonizó en Gardens of Stone a Samantha Davis, una mujer madura anti-militarista que mantenía una relación con el Sargento Clell Hazard (James Caan), un hombre atormentado por la cantidad de jóvenes que perdieron inútilmente la vida en combate. En ese mismo año protagonizó la última película de su padre, Dublineses La crítica aclamó la cinta, pero John fallecería al año siguiente, 1988.

Para rendir homenaje a su memoria, Anjelica y su hermano, Danny Huston, decidieron abordar un proyecto incumplido de John, Mr. North (1988). La intérprete completó el año con el rodaje de Un puñado de polvo, acompañada por Judi Dench.

En 1989 Anjelica obtuvo dos papeles que le valieron la atención de la crítica. El primero perteneció a la película Delitos y faltas (Woody Allen), en el que se puso en la piel de Dolores, una treintañera asesinada por su amante por amenazarle con revelar la aventura a la mujer de aquél. El segundo fue en Enemigos a Love Story, por cuyo trabajo fue candidata por segunda vez al Óscar. Ese mismo año la relación con Jack Nicholson llegó a su fin.

Al año siguiente Anjelica llega a la cumbre de su carrera gracias a su interpretación en Los timadores. En ella Anjelica interpretó a Lily, una mujer que se convirtió en madre a los catorce años, y cuyo presente descansa en su trabajo de corredora de apuestas que roba a sus jefes y que mata accidentalmente a su hijo con quien mantenía una relación incestuosa. A partir de entonces se relacionó el rostro de la actriz con las mujeres maduras con un turbulento pasado y que seguían siendo atractivas para los hombres. Anjelica fue candidata por primera vez al Óscar a la mejor actriz. A pesar de perder la estatuilla frente a Kathy Bates, la intérprete quedó recompensada al formar parte del jurado del Festival de Cannes de ese año.

Para deshacerse de su imagen más trágica, Anjelica aceptó roles más desinhibidos, como la Gran Bruja de La maldición de las brujas, la Morticia Adams de The Addams Family, o la Marcia Foxx de Misterioso asesinato en Manhattan que la vincularon durante unos años a la comedia.

En 1995 se reencontró con Jack Nicholson en Cruzando en la oscuridad, segunda película como realizador de Sean Penn. En ella los dos actores interpretaron a una pareja divorciada cuya hija había muerto atropellada por un conductor ebrio. La actriz finalizó el año con la filmación de Cuando salí de Cuba, en la que defendió el papel de mujer madura que al llegar a Miami enamora a un policía interpretado por Chazz Palminteri.

En 1996 Anjelica decidió saltar a la dirección con Bastardos de Carolina. A este título se le sumó Agnes Browne (1999), presentada en una edición del Festival de Cine de San Sebastián en la que ella fue galardonada con el Premio Donostia. En su discurso de agradecimiento señaló que estaba muy honrada por recibirlo en el mismo año que lo hacía Vanessa Redgrave y Fernando Fernán Gómez.

En 2000 James Ivory requirió sus servicios para La copa dorada, encomendándole el papel de Agnes, una mujer que colabora en la elaboración de una peligrosa mentira. A este papel le siguió el de matriarca en The Royal Tenenbaums.

En 2003 Anjelica junto a su marido Robert Graham participó activamente en las manifestaciones contra la guerra de Irak.

En 2005 presidió el jurado de Festival de Cine de San Sebastián, del que también formaba parte Verónica Forqué.

En 2008 se quedó viuda al fallecer Robert Graham.

Filmografía

Casino Royale (1967)

Paseo por el amor y la muerte (1969)

Hamlet (1969)

El último magnate (1974)

Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) (cameo)

El cartero llama dos veces (1981)

Piratas del espacio (1981)

Frances (1982)

El honor de los Prizzi (1985)

Gardens of Stone (1987)

Dublineses (1987)

Mr. North (1988)

Un puñado de polvo (1988)

Delitos y faltas (1989)

Enemigos a love story (1989)

La maldición de las brujas (1990)

Los timadores (1990)

The Addams family (1991)

Addams Family Values (1993)

En el filo de la duda (1993)

Misterioso asesinato en Manhattan (1993)

Cruzando la oscuridad (1995)

Cuando salí de cuba (1995)

Buffalo 66 (1998)

Por siempre jamas (1998)

Agnes Browne (1999)

La copa dorada (2000)

The Royal Tenenbaums (2001)

The Mists of Avalon (TNT Miniseries) (2001)

Deuda de sangre (2002)

Daddy Day Care (2003)

Steve Zissou (2004)

Material Girls (2006)

Art School Confidential (2006)

Seraphim Falls (2006)

Viaje a Darjeeling (2007)

Martian Child (2007)

Tinker bell (2008)

Choke (2008)

Fantastic Mr. Fox (2009)

When in Rome (2010)

ANGELA LANSBURY

2011-11-10T06:14:00.000-08:00

Angela Brigid Lansbury, CBE (Londres, 16 de octubre de 1925) es una actriz y cantante inglesa, candidata en tres ocasiones al Oscar, 15 al Premio Emmy y ganadora de 6 premios Globo de Oro y de cinco Tony, la única junto a Julie Harris en haber sido tantas veces galardonada con el máximo premio del teatro de Broadway

Nieta del candidato a Primer Ministro Laborista George Lansbury, Angela Lansbury nació en Londres el 16 de octubre de 1925. Es hija de la actriz irlandesa Moyna MacGill (1895-1975). Su padre murió cuando tenía nueve años. Estudió drama en la Webber Douglas Academy of Dramatic Arts.

En 1939 su hermanastra Isolde Denham (hija del actor Reginald Denham) se casó con Peter Ustinov, y durante la fiesta de bodas su madre tramitó la posibilidad de abandonar el Reino Unido por el estallido de la Segunda Guerra Mundial, a bordo del último buque que atravesó el Atlántico. Moyna, Angela y sus dos hermanos mellizos (Bruce y Edgar, nacidos en 1930) se instalaron en Estados Unidos en 1941.

Los primeros años de Angela en Estados Unidos transcurrieron en Nueva York; su debut se produjo a los 16 años en Canadá en el género del music hall, y luego la familia se mudó a Los Ángeles donde su madre y ella trabajaron en tiendas como cajeras y vendedoras. Allí aceptó papeles de reparto en varias películas de éxito que pronto le darían fama. En National Velvet (1944) encarnó a la hermana de Elizabeth Taylor. En Luz que agoniza2 (George Cukor 1944) interpretó al ama de llames de Ingrid Bergman, papel que le valió su primera candidatura a los Oscar. Al año siguiente repetiría la hazaña al ponerse en la piel de una joven actriz que se suicidaba al ser abandonada por su novio en El retrato de Dorian Gray, donde trabajó también su madre.

Ese mismo año se casó con Richard Cromwell, de quien se divorciaría un año después. Pronto contraería segundas nupcias en 1949 con el productor Peter Shaw (1918-2003).

En lo profesional mantenía un contrato con la Metro Goldwyn Mayer, compañía bajo la cual rodó El estado de la Unión (en la que encarnó a una mujer amargada por el recuerdo de su padre difunto), Sansón y Dalila (Cecil B. DeMille, 1949), donde interpretó a Semadar, la hermana mayor de Dalila; y Los tres mosqueteros (George Sidney, 1948), donde apareció ataviada como Ana de Austria. Dos años más tarde obtuvo la nacionalidad estadounidense.

El nacimiento de su hijo Anthony Shaw en 1952 la alejó del cine durante esa década en la que intervino en pocas películas: la disparatada El bufón del rey (1955) con Danny Kaye, Basil Rathbone y Glynis John,3 Mamá nos complica la vida (Vincente Minnelli, 1957), y El largo y cálido verano, donde interpretó a la amante alcohólica de Orson Welles.

En 1962 se produjo su regreso con El mensajero del miedo (John Frankenheimer). Su papel de madre posesiva, ferviente anticomunista, casi le proporciona un Oscar a la mejor actriz de reparto4 5 que a último momento recayó en Patty Duke.

Con la popularidad cinematográfica recuperada, Angela Lansbury volvió al teatro donde protagoniza el mayor éxito de Broadway de las temporadas 1966-69: el musical Mame que la consagra como estrella absoluta y por el que gana el Premio Tony como la mejor actriz en un musical mientras espacia sus intervenciones cinematográficas, entre ellas la llevada a cabo en La historia más grande jamás contada (1965).

El éxito clamoroso de Mame no se repite con Dear World, un musical basado en la pieza teatral La Loca de Chaillot de Jean Giraudoux pero Lansbury recibe excelente críticas y finalmente un Premio Tony a mejor actriz del año como la Condesa Aurelia.

La década de los setenta arrancó con el estreno de La bruja novata (Robert Stevenson, 1971), cinta de la Disney en la que Lansbury interpretó a la Señorita Price, una solterona que emplea sus conocimientos de brujerías para combatir -con la ayuda de unos niños huérfanos que acoge en su casa- a las tropas nazis que asolan Reino Unido. Doce meses después recibía una candidatura a los Globos de Oro.

En 1973 regresa al musical con Gypsy, estrenado en Londres con gran éxito y luego llevado a Broadway; será su penúltima creación para un papel de musical. Gana su tercer Premio Tony como mejor actriz del año en Broadway.

En 1978 reverdeció laureles al encarnar a Salomé Otterbourne en Muerte en el Nilo (John Guillermin), protagonizada por su ex cuñado Peter Ustinov, David Niven y un elenco de estrellas. Las condiciones precarias de rodaje en Egipto —la actriz tuvo que compartir camerino con Maggie Smith y Bette Davis— pronto se vieron recompensadas: su papel de escritora de novelas eróticas alcoholizada y que tenía que afrontar una posible demanda de difamación le llevó a las puertas de los Premios BAFTA. Por su parte la National Board of Review la proclamó la mejor actriz de reparto del año. La crítica incidió en la preferencia de Angela Lansbury por los papeles con mayor edad a la suya.

Los productores de Muerte en el Nilo, John Brabourne y Richard Goodwin, estaban tan satisfechos con su trabajo que le ofrecieron la posibilidad de interpretar a Mrs. Marple en El espejo roto (1980), también basada en un relato de Agatha Christie, donde compartió cartel con una larga lista de estrellas veteranas: Tony Curtis, Elizabeth Taylor, Kim Novak, Rock Hudson, Geraldine Chaplin y Edward Fox. A partir de entonces se consolidó su imagen de señora mayor, rebosante de sabiduría y humanidad, capaz de comprender los problemas de los demás de un solo golpe de vista y disminuirlos a base de buenos consejos, vitalidad, serenidad, humor, paciencia y afecto.

En 1979 estrena su última creación en Broadway y uno de los mayores éxitos de su carrera teatral: la diabólica panadera Mrs. Lovett (que cocina pasteles de carne humana) en el musical Sweeney Todd de Stephen Sondheim, junto a George O'Hearn (y luego con Len Cariou en gira por Estados Unidos) en la producción de Harold Prince. Lansbury gana el Premio Tony a la mejor actriz del año en un musical. Su caracterización combina sus condiciones histriónicas con un canto desenfadado y un acento inglés propio de las clases bajas en una encarnación memorable. El show será posteriormente filmado cuando lo representó en Los Angeles en 1982.

En eso años también hizo cine, como la participación como la Pirata Ruth en la versión filmada de la opereta de Gilbert y Sullivan, Los piratas de Penzance con Linda Ronstadt y Kevin Kline (1983)7 y en una participación en la grabación de The Beggar's Opera (La ópera del mendigo) junto a Joan Sutherland y Kiri Te Kanawa.

Su imagen de señora mayor, sabia y algo entrometida, acuñada en Muerte en el Nilo, se acentuó cuando su marido Peter Shaw inició la producción de la serie Murder, She Wrote (Se ha escrito un crimen), de la que se grabarían múltiples temporadas en la década 1984-94. Su papel de Jessica Fletcher, escritora de novelas policíacas aficionada a resolver asesinatos, le proporcionó una notable flecha que se tradujo con múltiples candidaturas a los Premios Emmy — si bien ninguna traducida en una estatuilla — así como varios Globos de Oro.

En pleno éxito profesional, Neil Jordan la llamó para encarnar a Angela Carter en la película de culto En compañía de lobos. A pesar de ello decidió avanzar en su carrera televisiva compaginando su trabajo en la serie con algún telefilme como Mrs. Harris goes to Paris, junto a Omar Sharif, el doblaje de películas de animación (La bella y la bestia, Anastasia) y algunas apariciones públicas como la que llevó a cabo en 1993 cuando entregó el Premio Jean Hershoft a Elizabeth Taylor por su labor humanitaria.

En 1995 finalizó las grabaciones de Se ha escrito un crimen, volcándose en la enseñanza del oficio de actor. Entre sus alumnos podemos destacar a Matthew Goode. Asimismo tuvo que atender a varios problemas familiares.

En 2003 falleció su marido. Para sobrellevar la pérdida, Angela Lansbury retomó su carrera, protagonizando más telefilmes sobre Jessica Fletcher y regresando a la gran pantalla con La niñera mágica (Kirk Jones), sobre un guion de Emma Thompson. Pero una rotura de la rodilla le impidió participar en la adaptación de The Last Unicorn. También ha participado en doblaje de juegos como Kingdom Hearts 2

El programa televisivo español Muchachada Nui le dedica su particular homenaje en la serie de animación Los Klamstein, debido a la fascinación que su creador, Carlos Areces, siempre ha reconocido por ella.

Después de veinticinco años, en 2007 regresó a Broadway en la obra Deuce de Terence McNally recibiendo una nominación para un premio Tony. En marzo de 2009, retornó como Madame Arcati en Espíritu travieso (Blithe Spirit) de Noel Coward.

En verano de 2011 regresa a la gran pantalla protagonizando la comedia The Popper's Penguins (Los pingüinos del sr. Popper) junto con el actor Jim Carrey. La película fue estrenada en Estados Unidos el 17 de junio.

Se casó en primeras nupcias con Richard Crownell, con el que duró sólo un año. Luego con Peter Shaw (1918-2003) quien falleció a los 85 años y con quien tuvo dos hijos: el actor Anthony Pullen Shaw y Deirdre Angela Shaw.

Sus hermanos Edgar y Bruce fueron productores de cine y televisión y agentes teatrales. Edgar es el padre del director y actor James Lansbury y David Lansbury, también actor.

Filmografía

1944 Fuego de juventud

1944 Gaslight

1945 El retrato de Dorian Gray

1948 El estado de la Unión

1948 Los tres mosqueteros

1949 Sansón y Dalila

1952 Motín

1955 Una calle sin ley

1958 Mamá nos complica la vida

1958 El largo y cálido verano

1961 Blue Hawaii

1962 El mensajero del miedo

1965 La historia más grande jamás contada

1965 The Amorous Adventures of Moll Flanders

1970 Something for Everyone

1971 La bruja novata

1978 Muerte en el Nilo

1979 La dama del expreso

1980 El espejo roto

1983 The Pirates of Penzance

1984 En compañía de lobos

1996 Mrs. Santa Claus

1999 La señora Pollifax

1999 Fantasía 2000 Varios Directores

2005 La niñera mágica

2011 Los Pingüinos de Papá

ANGELINA JOLIE

2011-11-10T06:12:00.000-08:00

Angelina Jolie Voight (n. Los Ángeles, California, Estados Unidos; 4 de junio de 1975) es una actriz de cine y televisión, modelo, filántropa, socialité y embajadora de buena voluntad de ACNUR estadounidense. A lo largo de su carrera, Jolie ha recibido múltiples reconocimientos por sus logros actorales, entre ellos un premio Óscar y tres Globos de Oro.

Aunque comenzó actuando en 1982 junto con su padre John Voight, se le atribuye como debut oficial su papel en la película Cyborg 2 de 1993. La primera interpretación principal que hizo fue en la película Hackers de 1995. En 1997 actuó en la polémica película George Wallace. Interpretó a un personaje principal en el filme para televisión GIA de 1998. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que ganara un premio Óscar como mejor actriz de reparto, en 2000, gracias a su trabajo en la película Inocencia interrumpida.

Nacida en Los Ángeles, California, Estados Unidos. Angelina Jolie es hija de los actores Jon Voight y Marcheline Bertrand.

Jolie tiene ascendencia Alemana y Checoslovaca, y su madre era de ascendencia Canadiense, nacida en Riverdale, Illinois. Después de la separación de sus padres en 1976, Angelina y su hermano fueron con su madre que actuaba con ellos, pero poco después ella abandonó su carrera y se mudó a Nueva York. Como una niña normal, la actriz vio películas con su madre, y más tarde dijo que su interés en actuar no se había visto influido por su padre.10 Cuando tenía once años, su familia se mudó de nuevo a Los Ángeles y Angelina quiso volver a actuar. Su autoestima se vio disminuida tras un intento de convertirse en modelo mientras cursaba la educación secundaria; todos sus compañeros se burlaban de su aspecto. Empezó a lesionarse a sí misma, a lo que comentó: Por alguna razón, el ritual de haberme cortado y sentir el dolor tal vez me hacía vivir la sensación de algún tipo de liberación; es de alguna manera terapéutica para mí.

Confesó el asesinato de sus mascotas a una edad muy temprana; llegó a matar a su serpiente; comentó que a la edad de doce años "era una niña mala y golpeaba a mis amigos". A los catorce años, abandonó sus clases de actuación y deseó convertirse en una directora funeraria.Durante este período, vestía de color negro y su cabello estaba teñido de color púrpura. Regresó a los estudios de teatro después de haberse graduado de secundaria. En los últimos tiempos, se ha referido a su período de adolescencia con la frase: "Todavía estas épocas están en mi corazón, me encantaba ser chica punk, llena de tatuajes". Jolie ha tenido una mala relación con su padre, aunque en julio de 2002 hubo un intento de reconciliación y ambos aparecieron en Lara Croft: Tomb Raider. Después de esto, Angelina presentó una solicitud para cambiar legalmente su nombre por el de "Angelina Jolie", pasando Voight como su segundo apellido; el cambio de nombre se hizo oficial el 12 de septiembre de 2002. En agosto del mismo año, Voight afirmó, en el programa de televisión All Access del canal VH1, que su hija tenía graves problemas emocionales. Angelina respondió que ya no deseaba continuar una relación cordial con su padre: "No estoy muy enojada con él, pues es de mi sangre, pero las familias se ganan y uno tiene que hacer lo mejor para hacer sentir bien a sus seres queridos." La única razón que dio acerca del distanciamiento con su padre es que no quiere que sus hijos crezcan cerca de él y los llame "nietos"

FILMOGRAFÍA

LOOKIN' TO GET OUT (1982) de Hal Ashby

CYBORG 2 (1993) de Michael Shroeder

HACKERS (PIRATAS INFORMÁTICOS) (1995) de Iain Softley

WITHOUT EVIDENCE (1995) de Gill Dennis

FOXFIRE (1996) de Annette Haywood Carter

LOVE IS ALL THERE IS (1996) de Joseph Bologna/Reneé Taylor

MOJAVE MOON (1997) de Kevin Dowling

JUGANDO CON LA MUERTE (1997) de Andy Wilson

HELL'S KITCHEN (1998) de Tony Cinciripini

JUGANDO CON EL CORAZÓN (1998) de Willard Carroll

FUERA DE CONTROL (1999) de Mike Newell

EL COLECCIONISTA DE HUESOS (1999) de Phillip Noyce

INOCENCIA INTERRUMPIDA (1999) de James Mangold

60 SEGUNDOS (2000) de Dominic Sena

TOMB RAIDER (2001) de Simon West

PECADO ORIGINAL (2001) de Michael Cristofer

SIETE DIAS Y UNA VIDA (2002) de Stephen Herek

LARA CROFT TOMB RAIDER. LA CUNA DE LA VIDA (2003) de Jan de Bont

AMAR PELIGROSAMENTE (2003) de Martin Campbell

VIDAS AJENAS (2004) de D. J. Caruso

EL ESPANTATIBURONES (2004) -voz- de Bibo Bergeron y Vicky Jenson

SKY CAPTAIN Y EL MUNDO DEL MAÑANA (2004) de Kerry Conran

ALEJANDRO MAGNO (2004) de Oliver Stone

SR. Y SRA. SMITH (2005) de Doug Liman

EL BUEN PASTOR (2006) de Robert de Niro

UN CORAZÓN INVENCIBLE (2007) de Michael Winterbottom

BEOWULF (2007) -voz- de Robert Zemeckis

KUNG FU PANDA (2008) -voz- de Mark Osborne y John Stevenson

WANTED (SE BUSCA) (2008) de Timur Bekmambetov

EL INTERCAMBIO (2008) de Clint Eastwood

SALT (2010) de Phillip Noyce

THE TOURIST (2010) de Florian Henckel von Donnersmarck

KUNG FU PANDA 2 (2011) -voz- de Jennifer Yuh

ANGELA CARTWRIGT

2011-11-10T06:09:00.000-08:00

Angela Cartwrigt (Penny) nació en septiembre de 1952, en Inglaterra, y criada en Toronto, Canadá. Cuando su familia se trasladó a California Angela y su hermana Verónica se hicieron modelos para moda de niños. Su debut en la televisión fue con la comedia familiar, Make Room for Daddy (1957-1964). En 1964 intervino en la película Sound of Music, haciendo el papel de Brigitta Von Trapp. En 1965 apareció en la serie de TV, Perdidos en el espacio (Penny Robinson). Luego participó en la nueva entrega de Make Room for Granddaddy (1970-1971). Como invitada trabajó en la muestra de TV Logan's Run y Adam-12. En 1979 hizo de co-protagonista en la película de Irwin Allen, Beyond Poseidon Adventure. Más tarde Actuó también en la comedia de TV, Love Boat, y en la película para la televisión, High School U.S.A. (1983). Angela además es dueña de una exitosa tienda de regalos, en California.

Filmografía:

Lost in Space (la película), 1998

Airwolf (1986), serie de TV

"Eruption",

High School U.S.A. (1983) película para la TV

Love Boat (1982) serie de TV

Scout's Honor (1980) película para la TV

Beyond the Poseidon Adventure (1979)

Danny Thomas in Make Room for Granddaddy (1970) serie de TV

The Sound of Music - La novicia rebelde (1965)

Lost in Space (1965-1968) serie de TV

Penny Robinson, Lad: A Dog (1962)

Make Room for Daddy (1953) serie de TV (1957-1964).